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Este spot es uno de los momentos televisivos que más esperan los españoles cuando se aproxima la Navidad. El lanzamiento del anuncio de la Lotería de Navidad siempre y en todo momento crea gran inquietud, siendo el 14 de noviembre el día escogido para sacar a la luz este del 2016.


No es la primera vez que el director ganador de un Goya a Mejor Directivo Novel por El truco del manco se ocupa de dirigir el spot para Loterías del Estado. Ya lo hizo en el 2014 realizando el proceso de dirección de uno de los anuncios que más influencia ocasionaron en los últimos tiempos con el llanto de uno de los protagonistas que se hizo viral por redes sociales. Su resultado además de esto fue prácticamente calcado en el spot de animación creado en el 2015.

Santiago Zannou esta vez ha optado por llegar al corazón mediante la figura de los abuelos, específicamente desde el de una abuela que a cada espectador le recordará a la suya propia.


Para la agencia Leo Burnett Iberia, hallar el pueblo ideal para el rodaje de esta historia basada en una anciana y un entorno de lo más familiar resultaba indispensable. Por este motivo, se decantaron por el ayuntamiento asturiano de Villaviciosa y su parroquia de 300 habitantes, Tazones. No obstante, el montaje ha sido efectuado con la pretensión de que los dos lugares parecieran uno solo.

Calles y alma de pueblo propio de la geografía de España para transformar las localizaciones del anuncio en otro personaje más. Aspecto esencial a fin de que la fotografía y la ambientación de la producción destaque tanto en el conjunto.


Si bien se trata de un anuncio para TV, el presupuesto destinado a esta producción resulta más elevado que el que tiene la enorme mayoría de los films que se efectúan en España.

Específicamente, su productora ha contado con 3,6 millones de euros. De esta cantidad, gran parte va a ir destinada solamente al apartado de promoción y comunicación del spot.


La actriz primordial que da vida a Carmina no contaba con experiencia delante de las cámaras. Si bien tras ver el anuncio esto parezca pasmoso, Pilar (que es el nombre de la anciana que da vida a Carmina) comenzó como actriz a lo largo de la realización del anuncio.

Su habilidad en el casting para interiorizar un personaje que es ella misma, le valió a esta señora de 84 años para hacerse con un papel que a buen seguro le ha brindado y le proseguirá brindando buenísimos instantes en un campo hasta el momento desconocido para ella.


Desde la página web creada para el spot, 21dediciembre.es, se puede acceder a un spot interactivo por medio de un dispositivo móvil en el que el espectador puede ir leyendo lo que van hablando los protagonistas a través de un grupo de Whatsapp secreto del que Carmina ignora su existencia.




Fuente: vavel.com

El can Cook, más conocido como Pancho por los anuncios de la Lotería Primitiva que protagonizó y que llegó a tener su propia película, "Pancho, el perro millonario", ha fallecido a los 16 años, según ha informado el productor del filme, Robert Fonollosa, mediante su cuenta de Twitter.

Galardonado con el Premio a la Excelencia Promocional y el Gran AMPE de Oro, que concede la Asociación de Medios Promocionales, este 'jack russel terrier' alcanzó mucha popularidad como el perro de Vicenta en la serie "Aquí no hay quien viva".

Asimismo apareció en otras series como "La que se avecina", "Física o Química" o bien "Los Serrano". En la película "Pancho, el perro millonario", presentada hace un par de años en el Festival de Málaga, compartía estrellato con Patricia Conde y también Iván Masagué.

Fue el octavo título español más visto en 2014, con más de 450.000 espectadores y una colecta de 2,5 millones de euros.


La noticia de su fallecimiento ha ocasionado un gran impacto en las redes sociales, y en Twitter se ha transformado en uno de los diez temas más señalados del día.

La Academia de Cine ha recordado que el can tuvo su butaca en los Goya en la edición 2010, cuando Loterías y Apuestas del Estado patrocinó la gala.

Nació en Castelldefels el 11 de noviembre 2000. Cuatro años después se convirtió en Pancho por obra y gracia de una campaña de la agencia Tactics que se transformó en un fenómeno social.

En el primer anuncio su dueño denunciaba la desaparición del can, al que había amaestrado para hacer todas y cada una de las labores del hogar, y al que había encargado ir a echar la Primitiva. Pancho aparecía al final disfrutando de unas paradisíacas vacaciones.






Fuente: ultimahora.es/noticias/sociedad/2016/05/19/193874/muere-pancho-perro-millonario.html

Gracias a Sergio Rodriguez, autor del sitio la historia de la Publicidad.com, hemos recuperado una parte de aquellos recuerdos prácticamente olvidados donde la Publicidad y los anuncios televisivos marcaron una temporada de nuestra niñez.

Para los que ya excedieron los treinta y tantos, probablemente experimentarán un sentimiento de añoranza al rememorar aquellos pasados días. Para los más jóvenes, esta es indudablemente una forma de conocer como era la Publicidad que veíamos en de aquellos días.

Spots televisivos que quedaron en el recuerdo de todos gracias a sus tradicionales eslóganes y armonías. Marcas y productos que nos han acompañado a lo largo de nuestra vida, muchos de ellos incluso entre nosotros.

Indudablemente era otra temporada donde la tecnología quedaba distante de lo que es en la actualidad. Años donde ni tan siquiera Internet formaba una parte de nuestras vidas, mas donde los anuncios promocionales eran capaces de producir sentimientos, emociones y recuerdos que quedaron guardados en nuestro más profundo subconsciente.

Por este motivo, esta vez hemos querido recoger una selección singular de anuncios promocionales de la T.V. de nuestra niñez. Una reliquia de la TV promocional e indudable regalo para los más nostálgicos.




















































Fuente: puromarketing.com/24/9999/viaje-pasado-anuncios-publicitarios-television-nuestra-infancia.html

La tasa de refresco de un televisor hace mención al número de imágenes que el mismo es capaz de mostrar en un segundo. Por tanto, este parámetro mide la rapidez con que la imagen se va renovando en la pantalla. La unidad en la que se expresa esta velocidad son los hertzios (Hz), siendo estos los encargados de poner un valor a esta frecuencia y de esta manera estipular cuántos eventos tienen cabida en ese segundo.

Los televisores pueden poseer diferentes tasas de refresco que, incluso, varían en función del emplazamiento geográfico. En Europa, estos dispositivos oscilan entre 50, 100 o 200 Hz, mientras que en los Estados Unidos llegan a alcanzar los 60, 120 o 240 Hz. Éstas son las tasas reales, las que ofrece de veras un televisor, sin en cambio en muchas ocasiones los fabricantes nos dan valores muy por encima de los citados.



Presentar al público cifras superiores a los 200 Hz parece haberse convertido en una premisa entre los fabricantes de televisores. Sin en cambio, sólo es una estrategia más de marketing por parte de éstos para aumentar sus ventas, ya que las cantidades que nos anuncian, en la mayoría de los casos, nunca son verdaderas. Para ello, los fabricantes hacen uso de softwares encargados de añadir frames negros entre los reales con el propósito de suscitar la sensación de que la imagen cambia más rápida en un segundo. Esta interpolación de fotogramas suaviza las transiciones, sin embargo puede llegar a producir el llamado "efecto telenovela", se conoce por este nombre porque entonces los programas y las películas se ven como un vídeo doméstico.

Por otra parte, también, muchos de los fabricantes llegan a omitir los hertzios reales del televisor, informando única y exclusivamente de aquellos a los que se les ha aplicado esta tecnología de mejora y, por consiguiente, haciendo creer al público que la calidad de la imagen es bastante más superior. Con ello, el cliente está pagando un mayor dinero por unos hertzios postizos cuyo efecto, en la mayoría de las ocasiones, ni siquiera va a notar. Asimismo, las marcas emplean distintos sistemas, una apariencia que dificulta la comparación de dispositivos de diversos fabricantes e incluso entre distintos modelos de la misma marca. En el 2015, Samsung sacó la tecnología Motion Rate; LG, con TruMotion; Sony, con MotionFlow; Toshiba, con ClearScan, y Panasonic, con BackLight Scan. La aplicación de estos softwares hace que, por ejemplo, una televisor con 120 Hz pueda tener una tasa real de 60; una de 240, 480 o que la de 600 pueda ser de 120 Hz, e incluso que aquellas que alcanzan valores por encima de los 720 Hz sólo representen, en realidad, 240.


Por otro lado, existen algunos problemas que están relacionados con la tasa de refresco. El primero de ellos es el Motion Blur o también llamado efecto fantasma, el cual se produce por una tasa de refresco muy baja que causa una impresión borrosa en las imágenes con alto movimiento (partidos de fútbol, etc.). En caso opuesto, puede llegar a originar el efecto Judder, por el cual el fotograma parece dar saltos debido a una tasa de fresco más rápida que la velocidad de la pantalla.

Resumiendo, hay que tener mucha prudencia con el valor de este parámetro que las marcas nos dan a conocer en las características de sus televisores, ya que las cifras pueden estar "maquilladas" para así obtener un mayor reclamo publicitario. Por lo tanto, aconsejamos al usuario que, con anterioridad a tomar su decisión de compra, eche un ojeada a este enlace (mejor televisor, calidad, precio), en el que te ofrecen toda la información necesaria para entender los datos reales de cada televisión.


Sandra Fernández Moreno
Fuente: valortop.com

Mazinger Z, el primer robot tripulado en la historia del cómic y la animación, cumplió 40 años en el 2012. Su éxito, llegaría a través de la pequeña pantalla de finales de los años setenta y ochenta, se extendió como un reguero de pólvora por el mundo hispanohablante, donde todavía hoy en día sigue vivo, tanto en la memoria de los adultos como en la de los niños.

Corría el año 1978 cuando la serie Mazinger Z se estreno en España y Puerto Rico, una primera toma de contacto que la propulsó en los años ochenta a Chile; Panamá; República Dominicana; Venezuela; El Salvador; Guatemala; Costa Rica; Bolivia; Perú; México; Argentina; Colombia; Honduras y Ecuador, dejando así una huella imborrable. Sin embargo, en EE.UU. embarrancó con el estreno de una dudosa versión llamada "Tranzor Z".

Aún hoy, sus seguidores en Latinoamérica son muchos y mantienen vivo en internet el robot que creó el autor japones Kishioshi Nagai en 1972, más conocido como Gō Nagai, y que celebró su 40 aniversario. El manga se lanzó en Japón en abril de ese mismo año, comenzando la emisión televisiva el 3 de diciembre en la cadena Fuji-TV.


Prueba de la enorme importancia de Mazinger en el mundo hispanohablante es que se llevaron a cabo tres doblajes: uno en España para TVE; el doblaje Arait (el español latino) y el doblaje Cadicy, considerado el "español neutro". Cada uno de ellos tomó nombres propios y expresiones características, teniendo su propio reparto.

La serié "Mazinger Z pertenece ya al mundo de los sueños de los niños y no le cambiaría ni una coma", manifestó, en mayo del 2012 su creador Gō Nagai, que visitó el Salón del Cómic de Barcelona con motivo del 40 aniversario del héroe metálico, Mazinger Z.

Gō Nagai proyectó a Mazinger Z en un atasco: un poderoso robot tripulado que volara y le sacara de allí. Comenzó a trabajar en la idea: el tripulante tenía que pilotar desde la cabeza del ingenio mecánico, cuya inspiración para el aspecto exterior estaba tomada de los vaqueros del "western"; la cara enmascarada fue sacada de las películas de criaturas mitológicas "tengu".

Así es como fue tomando forma este héroe de 18 metros de alto y 20 toneladas de peso, de una aleación indestructible y cuyas armas más emblemáticas eran "los puños cohete" (al grito de "puños fuera"), los "rayos fotoatómicos" y/o los "rayos congelantes".




Vídeo narrado por Iker Jiménez
Escrito por Redacción
Fuente: archivo PDF

Como dato curioso y sin mucha importancia en el caso, Mihaly después del fin de la serie Alf, formó un grupo de música (también de enanos) llamado "No, Helen, no", que no tuvo mucho éxito.

Respecto a la cara de Alf, está basada en un animal algo peculiar llamado "Saiga tatarica", es un antílope, una especie de mamífero artiodáctilo de la subfamilia Antilopinae que habita en las estepas de Asia Central, desde el sur de Rusia (Kazán) hasta el noroeste de China y zonas de Mongolia; el mayor número de cabezas habita en Kazajistán y Uzbekistán.


Son muchos los que al observar a este singular herbívoro se acuerdan inmediatamente de Alf, aquel simpático e impertinente extraterrestre televisivo. Un parecido que no es casual, ya que el guionista y productor de esa serie, Paul Fusco, se inspiró en el aspecto de este animal para crear al popular personaje.

Pero ahora, el saiga está en grave peligro de extinción. Se estima que desde inicios de la década de 1990 hasta la fecha actual, su población ha decrecido del millón de ejemplares a menos de cincuenta mil individuos. ¿La causa? Los cazadores furtivos (como siempre la mano devastadora del hombre por medio).

El Saiga es un animal herbívoro, pero su estómago es tan resistente que es capaz de digerir hierbas que para otras especies resultarían venenosas.






Fuente: culturizando.com

Heidi le ha dado fama internacional a Spyri, y es uno de los libros más leídos de la literatura suiza en el mundo. Es un libro lleno de inocencia, donde se resaltan los valores humanos y el amor hacia la naturaleza.


Originalmente Spyri creó la obra en dos partes: Heidi, en 1880, y De nuevo Heidi, en 1881. A partir de 1885 las siguientes ediciones unieron las dos novelas en un solo tomo, y es así como se conoce la historia en todo el mundo, ya que las traducciones se basaron en la novela unificada.


Es una niña que, huérfana desde muy pequeña (y cuyo nombre verdadero es igual al de su madre, Adelaida), queda al cuidado de su joven tía Dete. Apenas la mujer encuentra una buena oportunidad de trabajo, lleva a la niña a vivir a la aldea de Dorfli con su abuelo, a quien no conocía, y a quien los habitantes llamaban "El viejo de los Alpes", por ser casi un ermitaño. Heidi es cautivada por la vida en los Alpes, donde lleva un contacto directo con la naturaleza. Ahí conoce a Pedro, un chico que se encarga de pastorear a las cabras de los aldeanos, quien se convertirá en el mejor amigo de la pequeña y en su compañero de aventuras. Heidi vive feliz, pero alejada de la sociedad, pues su abuelo se niega a que acuda al colegio. La pequeña entabla sin embargo una gran amistad con la abuela y la madre de Pedro.


Un año después de terminada la primera novela, apareció la segunda parte, De nuevo Heidi, que narraba las aventuras de la niña, alejada de las montañas por su tía, quien la había hecho contratar para hacer de damita de compañía de una niña inválida, Clara Sesemann. Clara forma parte de una de las familias más importantes de Fráncfort, y sufre una vida de encierro, únicamente acompañada de la servidumbre y de la Señorita Rottenmeier, quien finge como su tutora, ya que tanto el padre como la abuela de Clara permanecen poco tiempo en la ciudad por motivos de negocios. El encierro y la rigidez en la educación termina por deprimir a Heidi, pero crea fuertes lazos de amistad con Clara y su familia. El padre de Clara, consciente de la depresión de Heidi, decide enviarla de regreso a las montañas.


Heidi cambiaría la vida de la familia de Clara. Poco tiempo después de la partida de su amiga, Clara es enviada a visitarla a los Alpes, donde en medio de los bellos paisajes y rodeada por el cariño del abuelo, de Pedro y de Heidi, se esfuerza por lograr caminar. Y lo consigue, pero no del todo. Pero cuando vuelve a Francfort, con la ayuda de su medico, consigue caminar del todo.




Fuente: wikipedia

Los términos o conceptos más buscados este 2012 en Google reflejan a las claras la crisis financiera y la necesidad de las personas de conseguir un empleo y salir adelante.

Google reveló los términos más buscados y de mayor crecimiento en 2012. En España, particularmente, fueron, entre otros: prima de riesgo, la reforma laboral, Andrea Fabra, el Servicio Público de Empleo, Santiago Carrillo, Instagram y la canción Gangnam Style.

También figuraron entre los más buscados cómo ganar dinero, cómo ahorrar o cómo encontrar trabajo lo que refleja claramente el sentir y las necesidades de nuestra sociedad en este período de crisis y alto nivel de paro, según publico el sitio 20minutos.es

Prima de riesgo, reforma laboral 2012 y Gangnam Style fue lo más buscado por los españoles. No obstante, lo más popular fue Bankia.

La imagen más buscada fue la de Pokémon, flores, fondos de pantalla, paisajes, Cristiano Ronaldo, Mario Casas, Selena Gómez, corazones, tatuajes y Samsung Galaxy. En materia cinematográfica, "Ted" fue lo más solicitado aunque también indagaron sobre "Lo imposible 2 y "Carmina o Revienta".

En televisión, lo más popular fue "Gran Hermano", el programa "Gandía Shore" y "La Voz". Y, en literatura, "Juego de Tronos", "50 Sombras de Grey" o "Misión Olvido". Los deportistas que despertaron más interés en los internautas fueron Sergio Ramos, Fernando Torres y Gerard y en lo que respecta a clubes el Sevilla, el Barcelona y el Valencia. En política, lo más buscado fue Mariano Rajoy, Andrea Fabra o Santiago Carrillo. Whitney Houston, Paula Echevarría, Adele, Michel Telo, Esperanza Aguirre, Dani Montesinos, Manolo Preciado, María de Villota, Andrea Fabra y Manuel Fraga fueron los personajes cuyas búsquedas tuvieron un mayor crecimiento en 2012.


Universia España
Fuente: archivo PDF

La iluminación LED sustituye a las lámparas fluorescentes en la nueva generación de televisores de alta definición.

Si tuviéramos que explicar en pocas palabras y de forma simple y ruda a un amigo que dudase sobre qué tecnología adquirir para su nuevo televisor LCD, qué es lo que nos ofrece la aplicación de la nueva tecnología LED, podríamos orientarle con una simple y pequeña frase: un eficaz aprovechamiento de la luz.


Los monitores de televisión LCD con tecnología LED suponen un verdadero salto cualitativo en el sector audiovisual, al iluminar por detrás las pantallas de los televisores con la luz blanca y neutra de gran intensidad que ofrecen los LED. De este modo, la visión del espectador de la imagen se convierte en más clara, nítida y natural.


Hasta ahora, el tipo de iluminación utilizada de los paneles del televisor LCD se realizaba a partir de las lámparas fluorescentes de cátodos fríos (CCFL). Éstas contaban con un gran inconveniente, los colores de la pantalla se reflejaban al ojo humano como artificiales y los tonos negros se volvían grisáceos debido a la falta de precisión que esta tecnología obtiene a la hora de oscurecer las distintas zonas de visionado.


En cambio, las pantallas LCD retroiluminadas con LEDs apagan los diodos en las zonas donde no sean necesarios y así se producen en el monitor verdaderas zonas negras y al igual que consiguen perfilar con mayor precisión los colores en la pantalla.

Debido a esto, este tipo de iluminación nos ofrece un mejor contraste de las imágenes que se muestran en el televisor, con especial mejora en cómo se muestran de profundos los negros, así como unos grosores de pantalla más reducidos, suprimiendo el espacio necesario para las lámparas fluorescentes que solían producir un grosor abultado en la parte trasera de los televisores. Lo que deja al fabricante más margen de juego con el diseño del equipo.

En resumen, ocupan menos espacio, ofrecen una resolución y colores más nítidos al poder controlar la luminosidad de la pantalla por zonas. Además consiguen reducir del gasto energético en torno a un 40%.


Fuente: ledtv.es/sobre-led/sobre-led/por-que-tecnologia-led-en-television

El 28 de octubre de 1956 se emitieron las primeras imágenes de Televisión Española. La programación era muy escasa (apenas dos horas diarias) y los contenidos tampoco eran especialmente entretenidos, pero daba igual, nuestros padres y nuestros abuelos jamás habrían podido imaginar que llegaría a inventarse una caja dentro de la cual cabían tantas personas y que se callaban con solo darle a un botón. Era para ellos algo inexplicable, maravilloso.

Por aquel entonces, muy pocos eran los afortunados que podían permitirse tener un aparato de televisión en casa, así que los lugares que contaban con él, se convertían en centro de reunión para verla y dejarse hipnotizar por el nuevo artilugio.


La pequeña pantalla, el aparato de los rayos catódicos, las 625 líneas, la caja tonta... La tele en España tiene tan solo 56 años de edad, pero, sin embargo, existen mil maneras de referirse a ella. No en vano, ya desde su introducción en nuestro país, allá en la década de los 50, pasó a ocupar un lugar privilegiado en los hogares de los españoles, que acogían con mucho interés todo lo que podía ofrecerles aquel aparato que tenía la misión de informar, formar y entretener.

La televisión cambió la vida de los españoles; se metió en nuestras vidas. Las charlas después de la cena empezaron a ser menos frecuentes desde que la televisión irrumpió en nuestro país y, ya desde aquellos primeros partes (el nombre con el que se conocían los informativos durante los primeros años de televisión) los acontecimientos se convertían en noticia solamente si aparecían en televisión.

El asesinato de Kennedy, la llegada del hombre a la Luna... la información comenzó a hacerse más internacional con la televisión, un aparato con el que empezó a profundizarse en aquello de que una imagen vale más que mil palabras.


Son algunas de las series que tenían a vuestros padres enganchados y por las que accedían a portarse bien, no fuera a ser que el castigo pasara por irse a la cama sin cenar y sin televisión. Una tele que acaba de cumplir cincuenta años y que hasta hace unos pocos, solo contaba con dos canales y encima, en blanco y negro. ¿Os apetece conocer un poco más sobre la tele de vuestros padres? Seguid leyendo.


Resumir cincuenta años de programación nos llevaría una eternidad, pero seleccionar algunas de las series que formaron parte fundamental de la infancia de vuestros padres, sí puede hacerse. Seguro que si les preguntáis, os confesarán que ellos también querían ver las películas que se emitían por la noche y que les fastidiaba mucho aquello de los dos rombos, porque en cuanto aparecían en algún programa, inmediatamente eran enviados a la cama o a hacer los deberes. Que ¿qué era eso? Pues vendría a ser algo así como el cartelito de No recomendado para menores de... años, que aparece en todos los programas de la televisión actual. Por supuesto, el mando a distancia no existía, así que lo del zapping no era un problema entonces.



Quizá una de las series más emblemáticas de la historia de la televisión en España haya sido Verano Azul, basada en las aventuras de unos jóvenes distinta edad y condición que forman una pandilla al iniciar su amistad durante las vacaciones de verano en un pueblo de Málaga. Chanquete, Tito, Bea, Javi, Pancho, Piraña, Quique, Desi y Julia son los inolvidables personajes de esta serie. No menos importante fue Los payasos de la tele, que al grito de “¿Cómo están ustedes?” respondían miles de niños en la sobremesa de los sábados. Sus personajes eran Gaby, Fofó, Miliki, Fofito y Milikito.



La familia Telerín fueron los precursores de Los Lunnis y con su canción “Vamos a la cama” avisaban de que el día había terminado para los más pequeños; a partir de esa hora, las ocho de la tarde, la programación empezaba a ser de dos rombos.

Los anuncios también eran completamente distintos. Quizá uno de los más recordados sea el del Cola Cao, producto que ha trascendido al paso de los años y que se hizo famoso con su canción “Yo soy aquel negrito del África tropical, que cultivando cantaba la canción del Cola Cao. Es el Cola Cao desayunos y meriendas...”. Heidi, Mazinger Z, Érase una vez el hombre, Pipi Calzaslargas… y un sinfín de series y dibujos animados hacían las delicias de vuestros padres a la hora de la merienda o los fines de semana. Ahora sí tenéis alguna duda, podéis preguntarles a ellos. Quizá haya quien conserve en VHS u otro formato alguna de los programas de entonces. De ese modo podréis constatar por vosotros mismos, cómo ha evolucionado la televisión.


Magazine, cajastur
Fuente: archivo PDF

¿Cuántos sentimientos hemos acumulado en cientos de canciones al largo de nuestra vida? ¿Cuántos recuerdos asociamos a tal o cual melodía? Hay canciones que describen minuciosamente un momento, un paisaje o una persona. Todos nos hemos sentido identificados alguna vez con un anuncio y su banda sonora o sintonía, y es que la publicidad y la música estaban predestinadas a estar unidas desde sus inicios.

La música se ha utilizado siempre como un elemento con una extraordinaria capacidad de transmitir emociones, sensaciones y sentimientos; algo que resulta fundamental para llegar fácilmente al público objetivo y generar en él los estímulos deseados.


La historia de la música en la publicidad podría remontarse, en sus inicios más remotos, a los juglares en la Edad Media que cantaban o recitaban las excelencias de determinado producto, a las canciones que incluían referencias más o menos comerciales. Pero la publicidad moderna tal y como la conocemos actualmente es un fenómeno que nace en la segunda mitad del siglo XIX y se desarrolla sobre todo en el siglo XX, cuando los medios de comunicación de masas, en especial la radio y posteriormente la televisión, permiten hacer llegar los mensajes comerciales a la inmensa mayoría de la población. Y desde el primer momento en que se tuvo la posibilidad de transmitir sonidos a través de los medios, la publicidad se dio cuenta de las enormes posibilidades que tenía la música para ayudarla a vender más.

El primer medio de comunicación de masas en utilizar la música como elemento para captar la atención del público fue la radio. El primer jingle se grabó en 1920 en California, una canción publicitaria para anunciar calcetines Interwoven Socks, interpretado por el grupo Happyness. La música se convirtió de este modo en un recurso indispensable cuando los publicitarios de la época; comprobaron que, en muchas ocasiones, lograban tener éxito y que la gente no sólo recordaba la marca, sino toda la canción, cuya letra solía describir los atributos del producto y sus beneficios.

Veinte años después del primer jingle en radio, llega la televisión y la imagen toma todo el protagonismo, aunque la música sigue teniendo una gran importancia en la comunicación de producto en la pequeña pantalla. Los jingles fueron perdiendo protagonismo a medida que surge un nuevo lenguaje audiovisual con muchas posibilidades y recursos, y en el que la música pasa de ser absolutamente fundamental a ocupar un papel más secundario ante la fuerza de la imagen en movimiento.

Gran parte de este nuevo lenguaje llega a España desde el extranjero, con la llegada de las multinacionales norteamericanas y de otros países europeos, aplicando las "nuevas" técnicas de mercado y convirtiendo en imprescindible un nuevo concepto: el marketing.

En los años 60 y 70 la música sigue teniendo un papel fundamental, sobre todo en productos y sectores dirigidos a los jóvenes, como productos para el desayuno, refrescos, etc. En España se imita el estilo musical con estribillos pegadizos, como la campaña de la 2ª promoción de la patata, promovida institucionalmente.



Ya durante las décadas de los 70 y 80, la publicidad política encabeza la lista de éxitos musicales, y en el apogeo de los ochenta llegan el patrocinio, los videoclips y las canciones publicitarias para jóvenes asociadas en el ámbito cultural de "la movida", como por ejemplo la campaña de Coca- Cola con Mecano.



En los 90 se produce un descenso de la inversión publicitaria que refleja claramente la incertidumbre y la crisis general del sector, que hace dejar de lado la música en publicidad y decantarse por técnicas de comunicación como el marketing directo, el telemarketing o las relaciones públicas. Se mantiene pero una tendencia común en utilizar la música en campañas publicitarias dirigidas a untarget joven, de entre quince y treinta años, como el caso de la conocidísima campaña de Amena y su canción de "Libre" de Nino Bravo, versionada por el Chaval de la Peca.



Con la llegada del siglo XXI la música se ha con vertido en muchos casos en una pieza fundamental de la imagen de marca, considerada como una herramienta clave para popularizarse y vender. Un caso reciente de la importancia del jingle en la comunicación del mensaje publicitario es el de Ikea con su campaña "Bienvenido a la república independiente de mi casa", en el que todo el spot es un jingle que recoge todas esas frases que nuestras madres nos han dicho alguna vez. Un jingle fresco y divertido que no solo llama la atención si no que se convierte en un anuncio memorable.



La campaña, realizada por la agencia S.C.P.F, se alzó con el Gran Premio a la Eficacia del 2009 otorgado por la AEA. Gracias esta campaña se convirtió en líder del sector en preferencia, identificación de marca y creció un 62% en notoriedad publicitaria.

Hoy en día la música en el ámbito publicitario no busca describir únicamente los atributos del producto de una forma divertida y fresca, sino que se trata de crear una experiencia entre la marca y el consumidor. La comunicación publicitaria cree en la música como un elemento identificador de grandes masas, un claim totalmente experiencial que permite llegar y hacerse memorable no sólo en la cabeza del público, sino también en su corazón. Sentimientos que al ver la marca fuera de ese contexto musical reflotan inconscientemente, y hacen que tengamos un feeling especial y un recuerdo emocional de la marca.

Diríamos que hace tiempo que se superó la etapa de una publicidad simplemente vendedora que centraba sus mensajes en la venta pura y dura. Según Kevin Roberts, CEO Mundial de Saatchi & Saatchi, hoy en día se trata de conseguir "love marks".


Los mitos publicitarios tienen su precio en el mercado de valores. El primero en abrir brecha fue el del nuevo Volkswagen Golf, con John Lennon en cuerpo y voz, convertido en vendedor de coches. Estos últimos años, Bruce Lee en la campaña "Be water my friend" para BMW y la campaña Antiretro de Citroën con Marilyn Monroe, entre otros, han sido las más destacadas.

Más agradecidos resultan los jingles. Canciones nacidas para tararear como la del "Yo soy aquél negrito" de Cola Cao, la de "Al mundo entero quiero dar..." que aparecía siempre con Coca-Cola felicitando la Navidad, o las últimas campañas de Ikea, son claros ejemplos de este tipo de composición.

Aunque en algunos casos elegir la música de un grupo desconocido supone un doble triunfo para los creativos. Primero, por descubrir a un diamante en bruto de la música, que el público identificará como "la canción del anuncio de tal o cual" y, en segundo lugar, porque las discográficas ofrecen a las agencias todo un abanico de posibilidades sonoras. Esos temas-pelotazo se recopilan en unCD doble para beneficio de discográficas y comodidad de los televidentes. Tal fue el caso ocurrido hace ya unos años con Pepsi y su "Generation Next", una campaña que contaba con una serie de grupos musicales, como el australiano Undrop y su canción "Train", o las Spice Girls entre otros, con un eje central muy claro: la música para jóvenes.

Obviamente no siempre la música ayuda en la comunicación publicitaria, sino que existen una serie de errores que se suelen cometer a la hora de elegir la música para un spot.

Uno de los errores más comunes es usar títulos conocidos. Bajo el punto de vista de un trabajo creativo es inadmisible la utilización de músicas que, siendo muy conocidas, se quieran adaptar a una acción fílmica. Temas muy populares han sido reiteradamente explotados en ilustraciones musicales, muchas veces carentes de creatividad, de tal manera que el uso de este tipo de música resulta hoy absurdo por lo convencional de su empleo. Aunque es preciso reconocer que no debemos excluir este sistema para contrastes humorísticos o satíricos: un ejemplo de esta buena utilización fue la campaña de Audi 4 con cambio automático en la que sonaba durante todo el anuncio la conocidísima canción "King of the Road" de Elvis Presley.



Por otro lado, se sigue haciendo mal uso de los tópicos, música estandarizada que se utiliza siempre en lugares comunes. Bien es verdad que la sustitución de estas músicas "tradicionales" resulta aventurada, especialmente si no se acierta con una buena alternativa: el espectador puede encontrar "extraña" aquella ambientación, desentendiéndose momentáneamente de lo que ocurre en la pantalla, en detrimento de la imagen y la locución. Un ejemplo de cómo el sonido de guitarras eléctricas es un tópico que va asociado a momentos "radicales" y de riesgo es la siguiente campaña de Pepsi:



Por último, la falta de unidad musical en el estilo de la música a lo largo de un spot, en el caso de que se utilice más de una canción, puede considerarse como un defecto en la ambientación musical. Pasar de un estilo a otro – clásico a ligero, medieval a barroco, etc. – sin una justificación real, perjudica a la unidad general de la obra. Un cambio de estilo musical implica un cambio de época o situación geográfica, y si este cambio no se produce al mismo tiempo, de manera definida en la narración, la ambientación quedará en evidencia. Una misma temática requerirá una unidad musical similar en cuanto a estilo se refiere.

Aunque en ocasiones la buena composición y producción musical de un anuncio puede hacer que uno de los defectos más comunes se convierta en todo lo contrario. El claim más potente del anuncio y la esencia del mensaje, la excepción que confirma la regla, es la campaña de Movistar que se expone continuación.


En esta campaña publicitaria de Movistar la música representa el hilo argumental, el dialogo, y en definitiva la razón de ser del concepto creativo. Aunque el casting en cualquier campaña publicitaria puede engrandecer o difuminar una buena idea creativa, en este caso el acting es muy simple, y es la música la encargada de hacer memorable el anuncio con una mezcla de ritmos y estilos.

Es importante entender por qué gigantes como Movistar pueden confiar en la música única y exclusivamente para hacer "marca". Y es que la música es ritmo y una melodía "cool", posiciona y se adapta perfectamente a un target muy específico. En este caso se utiliza la mezcla de dos tipos de estilos totalmente opuestos que en un principio, y es lo que pretende el anuncio, dan la sensación de no poder fusionarse nunca.

Una base de hip hop por un lado y una ópera por otro, son interpretadas cada una por un personaje con un look minuciosamente cuidado y dirigido a un estilo de vida perfectamente estudiado. Pero desgranemos la pieza paso a paso para entender mejor de lo que estamos hablando.


El rap es un estilo musical que nació en las calles del barrio del Bronx de Nueva York, un estilo que surgió de los guetos a modo de crítica contra el sistema, las presiones sociales y las discriminaciones raciales. Hoy en día el rap sigue teniendo esa vertiente crítica y poética pero muy alejada, al menos en España, de su identificación única y exclusivamente con los guetos. Pero el hip hop, que ha integrado desde sus inicios tres elementos, el grafitti, el break dance y el rap, siempre ha sido una comunión de gente que vive esta cultura, una cultura de grupo asentada sobre unas bases artísticas de pintura, baile y música. Nos es de extrañar entonces que, en la producción del anuncio, para representar el hip hop escogieran un grupo de amigos con sus respectivos piercings, atuendos y un look general muy cercano al hip hop.

Por otro lado la ópera, identificada desde sus inicios como un género musical elitista destinado a las Cortes, se representa en el anuncio con un único personaje: un hombre de negocios, vestido con traje negro, corbata y zapatos.

Dos estilos que tanto en el anuncio como en su historia empiezan cronológica, social y geográficamente separados y entre los cuales no parece existir afinidad alguna. A través de los cortes musicales y visuales, el anuncio se va desarrollando a la vez que intenta captar la atención del espectador. Una parte visual muy centrada en primeros planos para mostrar gestos y muecas, debido a la ausencia de diálogo, y planos abiertos para mostrar la historia en líneas generales.

Para una compañía telefónica como Movistar no existen targets, por lo que tiene un universo casi infinito donde elegir a quién quiere atacar en cada campaña. De esta manera puede definir un target concreto como en este anuncio: tribus urbanas y ejecutivos, hip hop y ópera. Y para la campaña de Navidad poner a un niño y una abuela, y no habrá ningún problema: seguirá siendo Movistar, "compartida la vida es más".

La música permite añadir ese aliciente sonoro a una experiencia, en este caso permite describir la fusión y el concepto Movistar, "compartida la vida es más", de un modo sencillo y directo: coges dos estilos musicales totalmente opuestos, y haces que encajen. La música te permite describir con coherencia una acción realmente compleja que, si se quisiese describir con palabras o a modo de diálogo, perdería la fuerza y la esencia del concepto creativo.

Finalmente, hip hop y ópera acaban encajando, algo que nadie esperaba. Gracias a un productor musical acaba teniendo un final feliz, en el que raperos y ejecutivos acaban yendo en bicicleta por lo que parece Central Park en comunión y harmonía, siendo testigos de cómo un estilo musical totalmente opuesto fusionado con el suyo acaba haciendo una melodía evolucionada, y con más matices que lo que escuchaban hasta entonces. Una melodía que parecía no tener sentido en un principio acaba siendo un momento de aceptación, en el que se describe sin palabras que lo desconocido y opuesto en ocasiones puede hacer más atractivo lo conocido. Y por supuesto, todo ello cerrado con un "Movistar, compartida la vida es más".





Otro ejemplo de la importancia de la música en la creación de una campaña es el de Estrella Damm, que de la mano de la agencia Villarosás han conseguido transmitir todos los valores asociados a su marca a través de un videoclip publicitario, el cual no sólo ha conseguido otorgar notoriedad y aumentar las ventas de Estrella Damm, sino también promocionar una isla de las Baleares como destino turístico y un grupo de música. Dos campañas que han tenido un éxito espectacular, sobre todo a través de las redes sociales y de YouTube. Campañas con la que han conseguido equilibrar de manera magistral los tres elementos, colocando la marca en el eje central pero sin dejar de lado la música y el lugar en el que se lleva a cabo la acción de los personajes.

El concepto "Mediterráneamente" de la campaña del 2009, rodada en Formentera, hizo incrementar las ventas de Damm, un 9,5 % en junio-julio, a pesar de la crisis, respecto al mismo período del año anterior. Además, según Nielsen, el mercado de la cerveza subió en el año 2009 un 8,5 %, mientras Estrella Damm lo hacía un 12,8 %.

Haciendo hincapié en el aspecto musical, en este caso no se basa en la importancia de transmitir un mensaje, sino únicamente en la experiencia de un momento concreto: el verano. Un verano que todo el mundo sueña, veranos que hasta la llegada de la campaña de estrella Damm habían perdido la esencia de "la canción del verano". Han conseguido hacer de Damm un referente del estío, un referente de canción de verano y un referente de un lugar donde disfrutarlo. En líneas generales, han conseguido lo que consiguió la Once con "el calvo de Navidad" o Freixenet con sus "burbujas": ser el producto "estrella" de una época del año concreta, realizando una comunicación estacional, con una estrategia de marketing y creativa detrás digna de quitarse el sombrero.

Respecto a la canción "Summercat" de Billie The Vision and The Dancers, superó los 2 millones de descargas en Internet. Aunque la filosofía del grupo no fue la de enriquecerse con la venta de su música a través de la distribución clásica; sino que dejaron que los internautas decidieran, según su criterio, cuanto pagar por sus canciones.



Aunque uno de los secretos de estos éxitos, tanto del tema "Summercat" ambientado en Formentera, como el de "Applejack" localizado en Menorca, es cómo la letra de una canción, desconocida y totalmente externa al objetivo de comunicación, consigue una descripción minuciosa del guión otorgando esencia y emotividad a la historia narrada. En estas dos campañas, vemos cómo la música es la que marca la pauta y concede un gran apoyo a la imagen, dándole el calor y la magia de una banda sonora a esos momentos que difícilmente vamos a olvidar.



Porque en realidad, si nos paramos a pensar un minuto en momentos, personas o lugares que han sido importantes en nuestras vidas, generalmente acostumbran a llevar una banda sonora asociada. Una banda sonora que productores musicales saben componer a la perfección, y es que la música es sinónimo de recuerdo. La clave está en saber crear la sinergia adecuada entre música, imágenes, mensaje y marca, y además tocar las teclas adecuadas para crear en nuestro target un sentimiento del que nunca se pueda deshacer. Porqué, ¿qué es sino lo que más anhelan las marcas en el mundo? Ser recordadas y llegar al sitio más preciado de las personas: su corazón. Y en este aspecto, la música tiene un gran poder para conseguirlo.

Sabias que...

Según datos de Inestur, la tasa de ocupación de la planta hotelera de Formentera superó el 92% en el mes de agosto del año 2009, cuando en el mismo mes del año anterior apenas había llegado al 80%. Meses después, en septiembre del 2009, alcanzó el 67%, cuando en el mismo mes del año anterior apenas alcanzó el 50%. Formentera consiguió una tasa de ocupación hotelera superior a Menorca de junio a octubre en el 2009, e incluso superó la tasa de Mallorca, con un 87,7%, en el mes de agosto con una tasa de un 92,6%.

Robert Fripp
"La música es el vino que llena la copa del silencio".

Xavier Aizcorbe
commo-consulting
Fuente: archivo PDF

Ver más: Los mejores y más divertidos anuncios publicitarios de la televisión.
Fuente: puromarketing

Esta especie de ratón humanizado fue creado durante un viaje en tren que Disney realizaba con Lillian, su esposa, de California a Nueva York. Esos días, el joven Walt estaba irritado: había descubierto que una pequeña cláusula de su contrato le privaba de los derechos de autor de su primer éxito: Oswald, el conejo de la suerte, un monigote inspirado en los tebeos en blanco y negro de la época, con la cara blanca, el cuerpo negro, pantalones cortos, guantes y zapatos amplios. Oswald y Mickey sólo se diferenciaban en las orejas, el rabo y el morro. Era evidente que el hábil Disney se calcó a sí mismo. Su venganza estaba servida.

El primer impulso de Walt fue llamar a su ratoncito Mortimer, nombre que a su esposa le pareció demasiado pretencioso, y le sugirió el más cercano de Mickey.

La simplicidad del diseño era una de las claves del dibujo, y estaba destinado a que Ub Iwerks, su mejor amigo, trabajara a gran velocidad. Disney lo tuvo muy claro desde un principio, y desglosa así a su personaje: "Su cabeza era un círculo con otro círculo a modo de hocico. Su cuerpo era como una pera y tenía una cola larga; sus patas eran tubos de pipa y se las metimos en zapatos grandes para darle el aspecto de un chiquillo con el calzado de su padre".

En los años 30, Mickey era ídolo de niños y adultos de los cinco continentes: el presidente Franklin Roosevelt o el rey Jorge V de Inglaterra exigían que en sus sesiones privadas de cine se incluyera un corto del ratón más viajero de la historia.

Los años 30 fueron la década de la conquista del mercado internacional: desde Europa a Japón, pasando por África, Mickey se convirtió en el personaje favorito de los niños. Y de los no tan niños: el presidente Franklin Roosevelt, por ejemplo, o el rey Jorge V de Inglaterra, exigían que en sus sesiones privadas de cine se incluyera, previamente, un corto de Mickey.

En enero de 1930 empezó a publicarse una tira cómica de Mickey Mouse en la prensa, en principio dibujada por Ub Iwerks y escrita por el propio Disney. Durante esta década, el Mickey animado fue un personaje que deambuló por el planeta y el espacio. Sus aventuras transcurren desde los Alpes a los mares del Sur. Mickey se convertirá en minero, vaquero, taxista, náufrago, ciclista, pescador, marinero, camionero, boxeador..., incluso árabe. Aunque siempre conservando, como sucede con Charlot, ese espíritu de vagabundo dispuesto a meterse en aventuras y emprender el accidentado camino de la vida.










La triste historia del... extraído de:
Fuente: juegosyeducacion.com

Fuente: elpais

Los hologramas tridimensionales podrían dejar de pertenecer a la ciencia-ficción y llegar a los hogares antes de lo que muchos piensan. Eso es lo que asegura un grupo de científicos de la Universidad de Arizona, quienes a principios de este año desarrollaron un sistema tridimensional que podría romper moldes. Se trata del primer dispositivo de este tipo que puede borrarse y actualizarse en apenas unos pocos minutos.

Esto es “un prerrequisito para cualquier tipo de tecnología de hologramas en movimiento”, comenta el doctor Nasser Peyghambarian, del departamento de Ciencias Ópticas. Pero también añade que “la forma en la que trabaja actualmente no es adecuada para imágenes 3D”. Con estas afirmaciones quiere especificar que sólo se ha puesto la primera piedra del camino. Pensemos, por ejemplo, en el sistema de televisión europeo actual: para que su versión holográfica fuese igual de efectiva las imágenes tendrían que actualizarse 25 veces por segundo. Estos investigadores sólo han conseguido que una única imagen se actualice cada varios minutos.

Y eso que este equipo lleva trabajando en la materia desde hace 18 años. Pese a ello, Peyghambarian se muestra optimista: “nos llevó algún tiempo alcanzar el primer avance, pero tan pronto como logras el primer elemento que funciona el resto llega rápidamente”, justificó. Su próximo objetivo es conseguir imágenes más grandes en tres colores, pues las que han obtenido hasta el momento son monocromas y de sólo 10 centímetros en altura y anchura.

Respecto a la superficie en la que se proyectarían los hologramas se han estudiado dos posibilidades distintas. Podría llevarse a cabo en paneles instalados en la pared, de forma similar a las pantallas planas que utilizamos hoy en día. Pero también podría tener una orientación vertical, algo parecido a una mesa en cuyo centro aparecen las proyecciones.

Aunque por el momento la investigación carece de patrocinios, Pyghambararian confía en que estos avances motiven a las compañías para invertir en su proyecto, y que así esté listo en unos cinco o diez años. Como referencia han tomado el caso de Japón, cuyo gobierno ha ofrecido un gran apoyo financiero al desarrollo de la televisión tridimensional, con vistas a que esté disponible para 2020.

No obstante, no todas las opiniones son tan optimistas. Justin Lawrence, profesor de Ingeniería Electrónica en la Universidad de Gales, no cree que la tecnología vaya estar lista para su comercialización en ese margen de tiempo. “Una cosa es demostrar algo en un laboratorio y otra producirla de forma lo suficientemente barata y eficiente para distribuirla al mercado de masas”.

Además del punto de vista de Lawrence, habría que añadir que el formato natural de la televisión como el cine ha sido siempre en dos dimensiones. Para que su uso fuese generalizado sería necesaria una revolución en todos los sentidos, desde los equipos que registran y emiten los vídeos hasta la mentalidad de los directores acerca de cómo tienen que rodarlas. Sin olvidarnos de un público que, salvo puntualísimas excepciones, está acostumbrado a ver imagenes bidimensionales (el cine en 3D con gafas, por ejemplo, es minoritario pese a que existe desde hace décadas). Quizás hagan falta más de diez años para lograr eso. Pero como herramienta para cirujanos, en videoconferencias o para aplicaciones audiovisuales domésticas sí podría abrirse paso con mayor rapidez.




Fuente: tuexperto.com/2008/10/09/la-television-holografica-podria-llegar-en-2020

La historia circense de Gaby, Fofó, Fofito y Miliki, también conocidos como los payasos de la tele se remonta al siglo XIX. Los tres hermanos (Gaby, Fofó y Miliki) eran hijos de Emilio Aragón Foureaux y sobrinos de José María y Teodoro Aragón Foureaux (estos formarían el grupo cómico Emig, Pompoff y Thedy). Otros miembros de la familia dedicados al mundo del circo fueron sus primos Nabucodonosorcito (José Aragón Hipkins, hijo de José María) y Zampabollos. José María, Teodoro y Emilio eran hijos de Virginia Foureaux y Gabriel Aragón Gómez (Pepino), que dieron inicio a la saga circense. A su vez, Virginia era hija de Jean Philippe Foureaux, oficial jefe de caballería del ejército sueco y experto domador.

Gaby, Fofó y Miliki comenzaron sus actuaciones en España en el año 1939 en el Circo Price. En 1946 los tres hermanos emigraron a América, donde permanecerían más de un cuarto de siglo. En un primer momento se instalaron en Cuba, donde hicieron sus primeras incursiones en el mundo de la televisión a partir de 1949. En los años siguientes, la difusión de sus programas por otros países de Latinoamérica los convierte en rostros conocidos en México, Venezuela, Puerto Rico o Estados Unidos.

En 1970 llegan a Argentina y a través de Canal 13 alcanzan un éxito clamoroso con el programa El zapato roto, que luego se llamaría El show de Gaby, Fofó y Miliki. El espacio cuenta ya con la presencia de un nuevo miembro del clan: Alfonso Aragón Sac, Fofito, hijo de Fofó.

Dos años después, en 1972, regresan a España contratados por Televisión Española para ponerse al frente de un nuevo programa infantil, que adoptó el nombre de El Gran Circo de TVE. Este programa sustituyó al también afamado Los Chiripitifláuticos.

Alcanzaron un grandísimo éxito, que hizo que el programa se prolongase hasta 1981. Los conocidos como Los Payasos de la tele se convierten así en un auténtico fenómeno sociológico en la España de los años setenta, y su programa alcanza índices de aceptación muy destacados en la época.

Tras el fallecimiento de Fofó, en 1976, el hijo de Miliki, Emilio Aragón Álvarez, se une al grupo con el nombre artístico de Milikito. Es un payaso, en principio mudo, en la tradición de Harpo Marx, y que se hace entender mediante un cencerro. Más tarde, al abandonar éste el programa en 1981, se produce la que sería la última incorporación al equipo: Rody, el hijo pequeño de Fofó, que se disfraza de negro cubano.

Finalmente, el programa (que en su última etapa se llamó el loco mundo de los payasos) fue retirado de la parrilla de TVE en 1983. Tras algunas giras circenses durante los siguientes dos años, con el título de El fabuloso mundo del circo, el grupo (del que ya se había separado Miliki) se disolvió definitivamente.












Fuente: es.wikipedia.org/wiki/Los_payasos_de_la_tele