Te interesa saber

Durante los años 1950's, el Rock and Roll se convierte en la música popular de los países anglosajones. En estos inicios, el movimiento produce un fuerte impacto cultural y social. Tras la Segunda Guerra Mundial una nueva generación joven se identifica con la música y la nueva moda.

Por otro lado, la industria discográfica, recuperada tras la parada de la guerra, dará a los nuevos músicos una popularidad nunca alcanzada con anterioridad: los discos y conciertos de las grandes estrellas tendrán una gran difusión mediática. La tecnología permite a los músicos el uso de nuevos instrumentos eléctricos: la guitarra eléctrica, el órgano y piano eléctricos o el saxofón y voz amplificadas. Musicalmente, el Rock está influido por la música negra, el Blues, el Jazz y el Country.

La gran estrella de estos años sería Elvis Presley, mucho más cercano a la música negra que Bill Haley. Su estilo se nutre de la tradición blues, su voz rasgada, sonido de guitarra sucio, letras agresivas con frecuentes temas sexuales y su movimiento corporal en el escenario, son una versión blanca del estilo desarrollado por músicos de color. De esta forma, el Rock es una síntesis del estilo Gospel, Blues, Country, Swing con unas letras orientadas a la nueva generación joven.


El primer músico de color aceptado socialmente sería Chuck Berry. Berry usa la guitarra de una nueva forma: no sólo es parte de la sección rítmica sino que hace solos con frecuencia. La escala de blues, notas fuera de tono y glissando son parte del nuevo lenguaje. Las letras hablan de temas cercanos a la generación joven: coches, amor, películas, moda, o pasarlo bien.

La influencia de Chuck Berry y Elvis Presley está presente en otros músicos del momento. Entre los músicos de este primer Rock se encuentran: Johnny Cash, Little Richard, Fats Domino y Jerry Lee Lewis. El Rock llega a su cénit en los años 1955-57. El final de esta década vería la caída sucesiva de estas leyendas del Rock por diversas razones, lo que haría que las compañías de discos se inclinaran por imponer tendencias menos radicales. Bandas Californianas como los Beach Boys, componen canciones sobre temas relacionados con los jóvenes y la diversión en el largo verano de la costa oeste.

Más tarde en los años 60's traerían una nueva generación de bandas míticas como Los Beatles, los Rolling Stones y The Who, entre muchos otros.


Olga Veiga Glez - CPI Monte Caxado
Extraído de: Hª de la Música Pop y el Rock
Fuente: archivo PDF

En 1975 el rock vive en la catacumbas, se mueve en los entornos underground, se nutre de hippies, progres, idealistas, músicos que sueñan con reencarnarse en The Beatles o en The Rolling Stones, antifranquistas, marginales, libertarios, izquierdosos, gente creativa que encuentra en las guitarras que cortan como una astilla de vidrio la mejor manera de escupir a una realidad opresora, que se expresa en inglés como medio beligerante de burlar la censura. Ser rockero en España es casi considerada una actividad punible. Llevar el pelo largo y mostrar disidencia en la forma de vestir es exponerte a que cualquier ciudadano se arrogue el derecho de insultarte por la calle impunemente. Dejarte barba de náufrago o mostacho y embutirte en pantalones pata de elefante es saber que estás bajo sospecha.

Las cadenas comerciales de radio ponen gesto de fusilado si alguien les habla de rock. Sólo el francotirador Vicente Mariscal Romero se atreve a pinchar música rockera, a introducir en la España dictatorial a grupos y gente como Led Zeppelin, Yes, Deep Purple, Who, Frank Zappa, The Doors, Janis Joplin, Santana, Dylan, Hendrix. Sus programas poseen influencia mediática y son savia nueva entre los sonidos apolillados que emite la radio. «Ponía a esos grupos apunta el propio Mariscal—, pero también toda la Trova Cubana, lo que sacó Pelayo con Gong. Programaba una simbiosis entre el rock y el cambio. Al final me echaron porque decían que ponía música vikinga.» En aquellos años la escena underground pasa del pop huero defendido por grupos insulsos y melifluos cantantes melódicos y empieza a fijarse en un nuevo sonido que incluye guitarras rasposas y sobre todo conceptos intelectuales y retratos costumbristas. Empezará a gatear bajo el nombre de «El Rollo». Promovido por Mariscal Romero, ese año Gong edita el primer volumen del mítico «Viva el Rollo» en el que aparecen unos primerizos Burning cantando en inglés, The Moon, Volumen, Indiana, Tílburi y el propio Mariscal. Nace una plétora de grupos aguerridos como contrapunto a esas otras formaciones que facturaban música fácil y ajena a la realidad, música que se pegaba enseguida y que recibe el calificativo de «música chicle».


En Burgos se celebran «Las primeras 15 horas», un macrofestival que en la plaza de toros de la ciudad castellana reunió a las bandas rockeras más ilustres del momento. Allí desempolvan su repertorio entre otros Bloque, Triana, Burning, Tílburi, Eva Rock, Hilario Camacho, Alcatraz, La Companyia Elèctrica Dharma, Storm, Orquesta Mirasol, Iceberg, y así hasta diecisiete grupos. Es el sábado 5 de julio de 1975. En los días previos la conservadora ciudad había mostrado su desagrado por el evento. Se temía una avalancha de vándalos, hippies, holgazanes, pendencieros, gente de mal vivir, sucia y desaliñada, enemistada con la higiene, de moral laxa y costumbres licenciosas. Aquel sábado el rotativo La Voz de Castilla titula en primera plana y a cuatro columnas un ofensivo titular para describir el festival: «La invasión de la cochambre». Probablemente se trate del primer titular referido al rock que aparece en la portada de un periódico español.

El festival congrega a cuatro mil personas que se plantan en la plaza de toros con macutos, bocatas y ganas de escuchar música progresiva. El festival empieza a las doce de la mañana del sábado y concluye a las tres de la madrugada del domingo. Nada destacable, no acudió a la cita ni uno solo de los miedos de la conservadora ciudadanía. El festival provocó cierto descalabro económico y constató que el rock español aún no provocaba el suficiente poder de convocatoria, pero dejó para la posteridad el impagable titular de prensa. La cochambre pasará a ser una etiqueta y una manera de designar las cosas muy utilizada por los grupos a partir de ese día. El 26 de ese mismo mes de 1975 se celebra la mítica Primera Edición del Festival Canet Rock. En la localidad costera de Barcelona se reunen cuarenta mil personas en un evento de fuerte carácter contracultural, hippy y antifranquista. En septiembre un agonizante Franco desde su lecho de muerte todavía firma fusilamientos sin que le tiemble la mano. Morirá el 20 de noviembre. Dos días después su sucesor, decidido por él mismo el 22 de julio de 1969, es proclamado Rey. Juan Carlos de Borbón pasa a ser el Jefe del Estado.


Con la muerte de Franco aparece con desatado entusiasmo el rock para aunar ansias libertarias y sobre todo como símbolo de ruptura con la cultura convencional imperante. Si la canción protesta se nutre del compromiso político, el rock se consagra como estandarte del compromiso social con nuevas poéticas y nueva retórica urbana. Es un movimiento que aglutina a gente díscola e irreverente. Un corte de mangas a lo establecido. Nace con la consigna de no parecerse a lo anterior, de sacarle la lengua a lo conservador y lo pacato. La ciudad de Madrid se convierte en la auténtica anfitriona de este barril de pólvora a punto de explotar. En su libro Heavy Metal (Cátedra, 1992), Francisco J. Satue da su visión de los hechos: «¿Fue la lenta agonía de Franco la causa indirecta del desgaste de una canción con mensaje incorporado y a la larga, aburrida, profundamente aburrida, destinada a enardecer masas martirizadas por el sangriento, grosero autoritarismo? Es más que probable. En cualquier caso, tras la poética de la resistencia surgió la protesta a ritmo de rock.» Salvador Domínguez en el epílogo de su libro Bienvenido Mr. Rock (SGAE, 2002) narra lo crucial de ese año: «En 1975, a pesar de la hegemonía de los cantantes melódicos, ataviados con trajes, corbatas, y una toalla para marcar paquete, la música en España evolucionaría a la búsqueda de unos conceptos propios, que la han llevado hasta su estado actual... En los quioscos empiezan a verse nuevas revistas como Popular 1 y Vibraciones, con lujosos formatos y cuidadas fotografías. Pero lo más sobresaliente de todo fue que, de entre las miles de catacumbas esparcidas por todo el territorio español, salieron a la luz una serie de agrupaciones que desvelaron al público un abanico de infinitos colores y posibilidades musicales.»






Extraído de: La prehistoria,
Fuente: archivo PDF

La estrella solitaria... Una supernova que brilló intensamente en el firmamento del rock and roll hasta que su luz se extinguió ensombrecida por las drogas y el alcohol hace casi 43 años. Pocas como ella para simbolizar lo que fueron aquellos agitados tiempos del hippismo y la contracultura, días de vino y rosas, de rebelión, de flores en el pelo e ideas que lucían todo su esplendor en la yerba de campus y festivales.

Fue un símbolo femenino de la contracultura de los años 60, y la primera mujer blanca considerada como gran estrella del rock.

Nacida en Port Arthur, localidad industrial de Texas, sus padres habían querido que fuera maestra. Su padre Seth trabajaba en una refinería. Su madre Doroty había destacado cantando. En el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales. Rechazaba el racismo y se le acusaba de "amiga de los negros". A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.

Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas (Austin); luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En 1963, la ciudad de San Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Luego de este suceso, volvió a la música (regresó a San Francisco). Se unió a la banda "Big Brother", logrando una combinación perfecta. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de Estados Unidos.

Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967, junto a grandes estrellas como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Canned Heat, The Who, The Mamas and the Papas, The Byrds, Otis Redding. Ya entonces aspiraba "a ser algo más que la reina de los hippies". Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado.


A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossmael. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: "nada que siente tan bien puede ser malo". "Sólo quiero algo de paz".

En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo. Pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto de 1968. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin, aunque no tanto para el grupo.

Albert Grossmael le propuso un cambio de grupo. "Cosmic Blues Band" sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió muy malas críticas. La revista Rolling Stones la denominó la "Judy Garland del rock".

Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que "hacía el amor con 25.000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo era un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.

Quiso entonces volver a su pueblo, a Port Arthur como estrella del rock, públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría "ojalá no hubieras nacido".

En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar "Pearl" con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 01:40 p.m., según el forense, murió por sobredosis de heroína. En anteriores ocasiones había salido con vida, pero en ésta no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después. La droga era demasiado pura y se cree que pudo haber alguien más en la habitación. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con Jimi Hendrix o Jim Morrison.

A las seis semanas de su muerte, salió el disco "Pearl" que fue un éxito, manteniéndose en el número uno de ventas durante 14 semanas. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.

Janis Lyn Joplin

Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas y falleció el 04 de octubre de 1970 en Los Ángeles, California, a la edad de 27 años (incluida en el club de los 27 por su trágico final).

Fuente: archivo PDF

Rock, término que agrupa de un modo general el conjunto de corrientes musicales que surgieron a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Con los años ha perdido el marcado carácter anglosajón que tuvo en sus orígenes para transformarse en un lenguaje universal, sometido a continuo cambio. Al surgir de un modo espectacular y desarrollarse en principio como un fenómeno de masas que trastornó la vida y los ideales de América, no puede considerarse como un movimiento musical en sentido estricto. Sus raíces son tan plurales que sintetizan las principales ramas de la llamada música popular estadounidense, sobre todo el blues, el rhythm and blues, el gospel y el country and western. No obstante el rock es en realidad el resultado de la adaptación de estas fuentes a una concepción y una estética blanca, lo que generó las primeras actitudes públicas de rechazo, algunas de ellas muy conflictivas. Si el compositor y bluesman negro Muddy Waters lo consideraba como "un hijo del rhythm and blues al que llamaron rock", numerosas organizaciones racistas estadounidenses afirmaban con desprecio y energía, según sus panfletos y los abundantes testimonios de sus líderes de entonces, que representaba la música que "rebajaba al hombre blanco a la categoría del negro".


Quién iba a pensar que aquella música que fusionaba el sonido country de los blancos y el rhythm and blues de los negros, seguiría vigente 50 años después –cuando en sus inicios no le daban más allá de cinco años de vida-, y que aquél joven nacido en Tupelo, Mississippi un 8 de enero de 1935, se convertiría nada menos que en el Rey del rock, además de en la figura más importante e influyente de la música popular en el Siglo XX.

A lo largo de estos 50 años, el rock ha sido dado por muerto y se ha levantado de las cenizas en varias ocasiones, pero al parecer las palabras dichas algún día por el Rey se convirtieron en una profesía: "No creo que (el rock and roll) muera alguna vez por completo, porque van a tener que hacer algo extraordinariamente bueno para que tome su lugar".


A pesar de que "oficialmente" se marca el nacimiento del rock and roll con la grabación That's all right, de Elvis Presley, históricamente tanto la música como el nombre surgieron poco tiempo antes. Para muchos historiadores, el amanecer del género se dio con la canción Rock around the clock, de Bill Haley and his comets, que fue grabada el 12 de abril de 1954 -tres meses antes que el Rey hiciera historia.

En tanto, el término "rock and roll" (expresión del slang de los negros para referirse al acto sexual) lo empezó a utilizar el locutor de radio Alan Freed en 1952 para definir algunas canciones que tocaba en su programa, como Rock the joint, precisamente de Bill Haley, y también en los festivales que empezaba a realizar donde presentaba grupos que interpretaban R&B.

Sin embargo, el hecho de considerar a Elvis como el creador, principal promotor y Rey del rock, tiene mucho que ver con su personalidad, con su voz, con su carisma y con lo que desde un inicio representó no sólo para la música sino para la cultura popular de entonces, rompiendo esquemas y trasgrediendo tradiciones morales y de conducta.

Pero no todo en la década de los 50 giró en torno a Elvis, pues el rock and roll vio nacer otras figuras importantes y trascendentales a los que les tocaría escribir capítulos muy importantes en el génesis de su historia.

Dentro de esa lista, que podría ser muy larga, destacan personajes básicos como Chuck Berry, Little Richard, Bo Didley, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Roy OrbisonEdie Cochran y The Everly Brothers, entre muchos otros.

El auge de esta primera generación del rock and roll se dio hacia 1956-57, y sería el mismo Elvis el que marcaría su decadencia cuando en 1958 se enroló en el ejército de los Estados Unidos, donde permanecería hasta 1960. Si bien a su regreso su popularidad seguía por los cielos, su música dejó de tener esa carga de rebeldía y frescura con la que se identificaron años antes los jóvenes. El rock estaba listo para sufrir su primera metamorfosis.


Elvis Presley, nació en Tupelo, Mississippi, en enero de 1935. Pertenecía a una familia humilde del sur de Estados Unidos que se estableció en Memphis en 1948, pero en 1954 ya cantaba y grababa temas de Arthur Crudup y Bill Monroe, oscilando entre el blues, el gospel y el country rural. Por aquella época, el propósito de algunas compañías discográficas, ante la decadencia del country, consistía en descubrir a cantantes que expresaran "sentimientos blancos" con fuerza, voces y corazones negros. Elvis, debido a la poca comunicación entre Europa y América plagió canciones de otros cantantes llevándole a la fama. Casi el 90% de las canciones que tocaba no eran suyas. También cogió otras canciones de negros americanos, y como en aquella época estaba muy mal visto que un negro se subiese a un escenario a cantar, un blanco, guapo y bien vestido era la bomba. Elvis interpretó canciones de cantantes negros como : Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Johnny Cash, Roy Orbison y Chuck Berry. Salvo Berry, apoyado por Muddy Waters y una discográfica independiente de Chicago, los demás coincidirían en sus primeros trabajos al grabar en 1955 con el sello Sun Records, y de ahí nació la primera leyenda de "los cinco grandes creadores del rock and roll. Algunos lo consideraban el Rey del Rock.


Desde principios de la década de 1960 el factor más destacado en el panorama del rock estriba en lo que ha venido en denominarse la respuesta británica, expresión que engloba las numerosas formas en que los músicos ingleses asumieron las rutilantes novedades procedentes de Estados Unidos. La aparición de The Beatles (Su primer album) en 1962, tras diversas intentonas previas para formar una banda estable, estimuladas por el inquieto John Winston Lennon (quien le puso muchos y diversos nombres a la banda) a quien secundaban de una forma regular Paul McCartney y George Harrison y con menor frecuencia el bajista Stu Sutcliffe y el batería Pete Best, supuso el germen de la revolución británica del Pop Rock. Tuvieron muchos problemas hasta hallar en Brian Epstein al productor idóneo e idílico que llevará su carrera al estrellato. A partir de ese momento, guiados por Epstein, con un nuevo y potente batería llamado Ringo Starr, graban en los dos años siguientes más de 60 temas.


El ansia por imprimir un cambio radical a las formas de vida, a través del rock and roll, quedó de manifiesto con la aparición en escena de The Rolling Stones, nombre tomado de un tema de Muddy Waters. Se presentaron en público el 12 de julio de 1962 en el famoso local Marquee de Londres, cuando todavía sus componentes eran una formación insegura. Representaban, entre los reducidos círculos en que se desenvolvían en sus principios, la esperanza británica del rhythm and blues anglosajón y blanco, y en poco tiempo lograron celebridad como réplica a la beatlemanía.


AC/DC, grupo de rock británico de origen australiano. Lo fundaron en 1973 en Sydney los hermanos Malcolm y Angus Young, junto con Bon Scott, Mark Evans y Phil Rudd. Han desarrollaron un sonido que se encuadra dentro del heavy metal influido por la música de The Rolling Stones. Sus explosivas actuaciones en directo se hicieron famosas desde un principio gracias, en gran medida, al extravagante estilo de su guitarrista principal, Angus Young, que siempre vestía con uniforme de colegial en los conciertos.

En 1976 se trasladaron a Gran Bretaña, e inmediatamente ocuparon los primeros puestos de ventas del. En febrero de 1980, el vocalista Bon Scott falleció por consumo excesivo de alcohol y fue sustituido por Brian Jonson. Llegaron a Gran Bretaña en pleno auge del punk rock, en poco tiempo obtuvieron una enorme aceptación del gran público. El álbum Back in Black (1980) alcanzó el primer lugar en la lista de los discos más vendidos del país y les catapultó a Estados Unidos.


Entre el 17 de agosto de 1960, día en que The Beatles actuaron por primera vez en el Indra Club de Hamburgo (Alemania), y el 15 de agosto de 1969, cuando se inició en Bethel, estado de Nueva York, el festival de Woodstock, median apenas nueve años. La gran diferencia es que en el Indra apenas había medio centenar de asistentes y a Woodstock acudieron 400.000 personas a ver a Jimi Hendrix, The Band, Creedence Clearwater Revival o Janis Joplin. El rock había empezado la década como una curiosidad y la terminó como el movimiento más importante del momento. Un aglutinante de la juventud, que lo mismo servía para hacer más llevadera la vida de los soldados en la guerra de Vietnam que para protestar contra esa guerra. Es el momento de la apertura del rock a multitud de corrientes. El rock se vincula con ámbitos geográficos que imprimen un estilo a sus músicos. En Gran Bretaña era Londres el centro de creación y en él crecieron grupos como The Who, The Kinks o Small Faces, que pretendían cambiar el gris país que habían heredado de sus mayores. En Nueva York, alrededor de la Factory, el estudio del artista pop Andy Warhol, se formó The Velvet Underground, el grupo de Lou Reed y John Cale, que imprimió el término underground para referirse a un rock alejado de los circuitos comerciales. A los hippies, divididos en infinidad de grupúsculos, les unía su desprecio a lo establecido y la búsqueda de un nuevo estilo de vida. Su meca era el área de Los Ángeles y la bahía de San Francisco. Jefferson Airplane, Grateful Dead, Frank Zappa o The Doors fueron algunos de sus máximos exponentes y su obra maestra es Pet Sounds un disco de 1966 firmado por The Beach Boys, un grupo que se había hecho famoso gracias a melodías que glosaban la vida de los surferos en las soleadas playas californianas.


En la década de 1970, el rock ya era una industria y un negocio. Y los músicos querían ser lo que se denominó rock stars. Las estrellas del rock vivían en un mundo aparte, una especie de versión juvenil de Hollywood bajo la máxima `sexo, drogas y rock'n´roll'. El modelo era The Rolling Stones, que convirtieron en mito su azaroso y escandaloso estilo de vida. La heroína se convirtió en la droga del rock. Así, el rock ácido mutó en rock duro, gracias a Led Zeppelin, y a rock progresivo o sinfónico, con Pink Floyd o Emerson Lake and Palmer. Pero el rock se separó de la juventud. Las canciones de tres minutos, sencillas y de mensajes directos, se fueron alargando gracias al virtuosismo de sus músicos que buscaban estructuras cada vez más complejas. El rock de estadio se convertía en una música para `mayores' y los adolescentes buscaban sonidos más divertidos. Por ejemplo el glam rock, un movimiento en el que sus músicos buscaban una imagen ambigua y provocadora gracias a escandalosos vestidos de lentejuelas y maquillajes desmedidos y canciones de rock, convencional en ocasiones, Alice Cooper o Gary Glitter, o sonidos más arriesgados como los de T−Rex, Roxy Music y sobre todo David Bowie. La respuesta de la industria fue Kiss. Un cuarteto que fue definido como muñecas salidas del infierno que en 1977 eran la banda más popular del mundo. Kiss, que combinaban el rock duro con el glam, fueron los introductores en el rock del concepto mercadotecnia y se publicaron cómics con ellos como protagonistas, se rodaron películas, se vendieron pegatinas, chapas y muñecos.


La década de 1980 quedará vinculada a la historia del rock por dos sucesos ajenos a la música. El primero, el asesinato de John Lennon, a manos de un fan desequilibrado, el 8 de diciembre de 1980. Pero sobre todo por el nacimiento, el 1 de agosto de 1981, de la cadena MTV, el primer canal musical de televisión con una programación de 24 horas. La emisora, basada en la emisión de videoclips, necesita 200 mensuales para renovar la programación y eso dará alas a la creación de estos spots de tres minutos que sustituirán al single radiofónico. Musicalmente el videoclip significó el predominio de lo visual sobre lo musical. Los grupos que marcarán la década serán U2, R.E.M. y The Smiths. El final de la década es semejante a la situación anterior al movimiento punk. Bandas estancadas, falta de creatividad y las listas copadas por dinosaurios y grupos prefabricados. Sin embargo, en las discotecas de Estados Unidos se estaba gestando la música electrónica de baile. A mediados de la década de 1980, el disc−jockey Franckie Knuckles del club Warehouse sienta las bases del house, que desembarcaría en Gran Bretaña, vía Ibiza, dando lugar al acid house. Son los clubes los nuevos centros de agitación de una escena que reventaría en la década de 1990.


El disco compacto es el formato que sustituye al vinilo. Su importancia va mucho más allá del de un simple cambio técnico. Aunque fue creado en la década de 1980, es más tarde cuando se implanta dentro de los hogares. En el compacto caben 74 minutos de música sin interrupciones. Consecuentemente, los discos se alargan y necesariamente pierden calidad. Por otro lado, la cultura de clubes fue para muchos la proclamación del fin del rock. Los jóvenes acudían a raves, fiestas ilegales al aire libre o en almacenes abandonados, en las que la música era pinchada por Djs. El rock es un fenómeno en continuo cambio y nunca se puede saber que pasará el mes siguiente. Esa es su grandeza.


A raíz del impacto provocado por los éxitos internacionales de The Beatles sobre todo, surgieron en numerosos países de Europa una gran cantidad de grupos atraídos por los ritmos de los nuevos tiempos. Miguel Ríos y Teddy Bautista fueron algunos de los rockeros españoles. Con el final de la década, hasta principios de la década de 1980, los jóvenes músicos se entregaron a las novedades que procedían del Reino Unido, en especial por el punk rock y la más reciente new wave (nueva ola). El fenómeno fue llamado movida y alcanzó cierta popularidad en ciudades como Madrid, Barcelona, Vigo, Valencia y Bilbao, e hizo convivir tendencias de rock oscuro y underground con sonidos más desenfadados, aunque sin la ingenuidad de los rockeros nacionales primigenios.


Rock ácido, género musical que prosperó a finales de la década de 1960. Surgió en el área de San Francisco, Estados Unidos, en 1966, estrechamente vinculado a los festivales de rock. A menudo bajo la influencia de drogas psicodélicas como el LSD (dietilamida del ácido lisérgico), sus actuaciones se caracterizaban por las improvisaciones largas y libres, la experimentación con avanzados equipos electrónicos y los espectáculos de sonido destinados a potenciar los cambios en la percepción que las drogas producen. Algunas de las bandas más conocidas de esta rama del rock son Grateful Dead, The Doors y Pink Floyd, aunque otros tan diferentes como Status Quo y The Beatles también experimentaron con este estilo. Algunas bandas de música independiente de las décadas de 1980 y 1990 retomaron los riffs y las guitarras del rock ácido, así como el uso del láser y de otros efectos especiales en las actuaciones.


Heavy metal, corriente del rock que en su sentido literal se define como metal duro o pesado. La expresión heavy metal tiene un origen literario: un personaje creado por el narrador estadounidense William Seward Burroughs en su peculiar código metafórico, al que da vida en La máquina blanda (1961), llamado Chico Heavy Metal. Estos términos fueron utilizados por el crítico de la revista Rolling Stone y más tarde novelista y editor Barry Gifford para aludir pocos años después al movimiento de recuperación del rock and roll en su línea más radical, que encabezaron bandas británicas y estadounidenses como Hawkind, Cream, MC5, Yardbirds, Iron Butterfly, Steppenwoolf, Blue Öyster Cult y, para algunos analistas, hasta Kinks, The Who o The Stooges. No obstante serán sobre todo grupos como Deep Purple (1968) y Led Zeppelin los que inauguran la era de las superbandas de rock y marcan las líneas maestras del heavy metal, al extremar aún más la postura enérgica adoptada por el hardcore y el glam en las postrimerías de la década de 1960.


En sus primeros tiempos integran músicos de rhythm and blues como Jon Lord, Nicky Simper o el solista Rod Evans, un guitarra tan duro como Ritchie Blackmore, y un batería tan caracterizado y energético como Ian Paice. Sus primeros temas son versiones y dan lugar a una primera época donde Lord imprime un carácter sintético entre el blues, el rock sinfónico más denso y algunas resonancias tomadas de The Beatles, con álbumes como The Book of Taliesyn y el que lleva el nombre del grupo y les sirve de tarjeta de presentación.


Surge en 1968 a raíz de la dispersión de los componentes de Yardbirds, entre los que destacaban las guitarras de Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Este último, ansioso por formar su propia banda, llamará en su ayuda al bajo John Paul Jones, y trabará gran amistad con el cantante Robert Plant, quien a su vez convocará al obsesivo batería John Bonham. Con las bendiciones de Keith Moon, el belicoso batería de The Who, y el respaldo de Atlantic Records graban su primer álbum Led Zeppelin en enero de 1969.

Resumen

El Rock ha ido evolucionando para mejor, y su división en distintos estilos, pero siempre siguiendo sus rasgos iniciales, da un gran abanico de posibilidades a elegir al gusto de cada uno. He elegido este género por ser mi favorito y para divulgar su grandiosidad a pesar de que la gente piense que es solo hacer ruido con guitarras. Tiene unas letras inventadas por los componentes que expresan sentimientos, y transmiten un mensaje que a veces denuncian injusticias.

Fuente: archivo PDF y univision.com/content/content.jhtml?cid=414797

Este festival de música tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. El festival tiene el nombre de Woodstock porque inicialmente estaba programado que tuviese lugar en el pueblo de Woodstock, en Ulster County; la oposición local casi cancela el evento, pero Sam Yasgur convenció a su padre Max Yasgur para acoger al concierto en los terrenos de la familia, localizados en Sullivan County.

Woodstock es considerado el mayor festival de música y arte de la historia, en el que se congregaron más de 500.000 personas, 340.000 más de lo que esperaba la organización. Esto quizás fue un punto bueno y malo al mismo tiempo ya que si bien mucha gente pudo compartir y disfrutar de los grandes de la música de la época, también trajo como consecuencia que las condiciones sanitarias dejaban mucho que desear ya que se organizó el festival pensando que iban a acudir unas 250.000 personas pero al final, debido a la gran cantidad de asistentes provocó que hubiera algo de delincuencia durante el festival, en contraste con las pretensiones de éste que pretendía ser una celebración a favor de la paz y del amor. Y adicional, hubo 3 muertos en los 3 días del festival. Una debida a una sobredosis de heroína, otra tras una ruptura de apéndice y una última por un accidente con un tractor. En mi opinión, si bien el número de muertos fue bastante escaso en comparación con lo grande y duradero que fue el espectáculo, éstas son cosas que no deberían pasar nunca, y mucho menos en un festival que se caracterizaba por ser pacífico.


Pero no todo fueron malas noticias, porque la generación de los 60 pudo disfrutar de artistas de alta categoría como Richie Havens (quien abrió el festival tocando 7 canciones), Joan Baez, Janis Joplin, Santana, The Who (grupo que logró tocar 24 canciones), Joe Cocker, Blood, Sweat & Tears, Jimi Hendrix, entre muchos otros. Muchos de estos cantantes y/o agrupaciones son totalmente desconocidos por la generación de jóvenes actuales y si los conocen es porque sus padres eran o son fanáticos, y bueno, ¿qué joven no ha escuchado en el carro de su padre "Hey Joe" de Hendrix o "Sampa pa'ti" de Carlos Santana?

Pero se preguntaran ahora, ¿sólo hubo un Woodstock? La respuesta es no. Se celebraron otros festivales: 1979, 1989, 1994 y 1999. Este último, de acuerdo a Michael Lang (organizador del festival Woodstock 2009), fue uno de los más desastrosos debido a los graves incidentes de violencia y violaciones que se produjeron en el espectáculo. En 1999 en el que las entradas llegaron a superar los 180 dólares, las botellas de agua costaban más de cinco y se llegaron a emitir unas tarjetas de créditos exclusivas para el festival, acciones no muy en consonancia con el espíritu de hippy con el que nació Woodstock en 1969.


No podría negar que siento envidia, al no haber vivido esa experiencia musical en la que se presentaron lo mejor de lo mejor en 1969. Sin embargo, su legado permanece en nosotros, los amantes de la buena música y del Rock y espero, a pesar de las vicisitudes ocurridas durante el primer Woodstock y en los siguientes, que aprendamos a disfrutar este tipo de festivales musicales sin necesidad de llegar a la violencia y que realmente se puedan vivir 3 días de paz, amor y Rock and Roll.












Este artículo al igual que The Rolling Stones - Rock and Roll Circus esta dedicado a Josito, el cual ya nos dejo, y que de seguro que lo estará viendo allá donde este (descanse en Paz).
Vídeo: Cortesía de Josito (Burgos)
Gabriel Hernández/ENcontrARTE
Fuente: archivo PDF

Este artículo al igual que Woodstock: Tres días de Paz, Amor y Rock and Roll esta dedicado a Josito, el cual ya nos dejo, y que de seguro que lo estara viendo allá donde este. (descanse en Paz).
Video: Cortesia de Josito (Burgos).
Fuente - texto: es.wikipedia

Ha sido el único músico en la historia que ha vendido más de cien millones de discos. Sin embargo, su figura ha traspasado de largo los límites del Olimpo musical y se ha convertido en un ídolo, un mito, un modelo al que emular o vilipendiar, y que a nadie deja indiferente. Su legado sigue hoy en plena vigencia.

"Cuando trabajáis sois una flauta a través de cuyo corazón el murmullo de las horas se convierte en música". Elvis debió releer miles de veces este fragmento de El Profeta del libanés Khalil Gibran, su libro de cabecera durante gran parte de su vida. Posiblemente le acompañó desde 1954, cuando ganó sus primeros 12 dólares con la música, hasta aquel ya mítico 16 de agosto de 1977, en que apareció muerto en Graceland.

Elvis Aaron Presley nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo (Misisipi) y a los trece años se mudó a Memphis con sus padres, Vernon y Gladys. Eran una familia de blancos en un mundo sureño, cuya banda sonora rezumaba gospel, blues y bluegrass, una música “de raza” que los blancos escuchaban tan sólo en la intimidad de sus hogares. A diario, Elvis se pegaba al transistor para no perderse ninguna emisión de las activas estaciones de radio locales como la WELO o la WHBQ. Y fue precisamente en uno de aquellos programas, donde el de Tupelo escuchó que Sun Records grababa “lo que sea, donde sea y como sea”, por 4 dólares. Con la intención de regalarle a su madre un disco con su voz, Elvis se plantó en la discográfica un sábado de agosto de 1953. Todavía tuvo que volver en varias ocasiones hasta que logró atraer la atención del dueño de la Sun, Sam Phillips, que vislumbró en aquel chico inseguro y nervioso el blanco con voz negra que llevaba años buscando. El 5 de julio de 1954, Elvis dejaba aparcado el camión que conducía habitualmente como trabajo y grababa That’s all right mama, canción con la que arrasó en las emisoras de medio condado.

El joven comenzó entonces las primeras giras por Misisipi, donde el público quedaba fascinado con aquel sorprendente manierismo vocal. Sin embargo, no era sólo su voz la que impactaba. Aquel insolente veinteañero paliaba sus nervios moviéndose compulsivamente sobre el escenario, algo que hacía enloquecer al público femenino y despertaba las iras de los más conservadores, que veían en él a un depravado pervertidor de la juventud. En una época acostumbrada a la sobria elegancia de Sinatra, los gritos descontrolados se convirtieron en la respuesta habitual a la chulesca actitud del cantante: mascando chicle, movía sus caderas y piernas como nunca nadie se había atrevido a hacer sobre un escenario. “Chicas, os espero a todas en el camerino”, llegó a decir al final de un concierto; la policía tuvo que ayudarle a salir de una ducha en la que se había atrincherado, cuando las fans le arrancaron el traje, las botas y parte de su piel.

El último single con Sun Records, I forgot to remember forget subió hasta el Nº 1 de las listas nacionales, lo que atrajo la mirada de las grandes discográficas. Así, a finales de 1955 y asesorado por su nuevo manager, el Coronel Parker, Elvis firmaba un contrato millonario con la RCA. Para muchos, fue el momento en que el be-bop y el rockabilly del chico del tupé se vieron “intoxicados” de un exceso de pop facilón. Cuestión de opiniones, pero lo que es irrefutable es que la fórmula funcionaba: el rock & roll de Elvis se instaló durante años con naturalidad en los primeros puestos de las listas de éxitos con canciones como Heartbreak Hotel o I want you, I need you, I love you.

Tras cumplir el servicio militar (1958- 1960), pasó los años sesenta en Hollywood y los únicos discos de Elvis que vio el mercado fueron las bandas sonoras de las películas que rodaba. Los tiempos habían cambiado y se sentía un extraño rodeado de la psicodelia y aquella cultura hippie en la que su tupé no encontraba acomodo. Tras casarse con Priscilla Ann-Beaulieau (1968) recobró fuerzas y regresó a los escenarios con el especial de televisión Comeback Special. De nuevo encabezó las listas de éxitos con Suspicious mind o In the ghetto. Algunos multitudinarios conciertos en Las Vegas y un programa televisado vía satélite desde Hawai en 1973 fueron sus últimos hits musicales. En estos últimos años, su vida se había convertido ya en una macabra pantomima. Los desórdenes alimenticios, que le habían llevado a aumentar 50 kilos de peso, unidos a los cócteles de pastillas diarios, perjudicaban su voz y le impedían cantar como en sus inicios.

Lejos quedaba el muchacho que había emocionado a Sam Phillips en los años 50 y, así, una mala ronda de pastillas acabó con su vida el 16 de agosto de 1977. El rey había muerto. Larga vida al mito.


¿Sabias que Elvis utilizaba tres tipos de gomina diferente para peinarse el tupé? Todos los que conocieron a Elvis en los inicios de su carrera coinciden en que era un chico sencillo y modesto, pero absolutamente preocupado por su aspecto. Su tupé, perfectamente esculpido, fue sin duda una de sus principales señas de identidad.

Con sus primeros dólares se compraba trajes en Lansky’s, una pequeña tienda de Memphis donde el dueño le traía modelos en tonos rosas y blancos sólo para él. Con el paso de los años, su gusto se fue haciendo cada vez más barroco: le apasionaban las joyas, los trajes de cuero ajustados, grandes cinturones… Y, cuando ya estaba en el estrellato contrató al sastre de Frank Sinatra, que fue el artífice de sus trajes con capas, que imitaban al Capitán Trueno. Su tupé, perfectamente esculpido, fue sin duda una de sus principales señas de identidad. “Me fascinaba mirar cómo se peinaba por la mañana”, recordaría su amigo, el músico Jimmie Rodgers Snow. “Usaba tres aceites diferentes para el pelo. En la parte delantera, una cera muy fuerte para el tupé, un tipo de aceite para la parte de arriba y vaselina atrás. Decía que era la única forma de que el pelo cayera perfecto mientras actuaba”.


Cuando comenzó a ganar dinero, su única pretensión era comprar una casa para sus padres. Y eso es lo que hizo en 1957, cuando adquirió la casa más famosa del mundo: Graceland. Con 18 habitaciones y un espectacular jardín, el cantante buscaba sobre todo que su madre se sintiera cómoda y feliz, por lo que mandó construir un gallinero donde Gladys daba de comer a sus animales. La mansión, decorada por George Golden, es un batiburrillo de estilos recargados, que van desde la psicodelia de la “habitación de la televisión” al aspecto selvático de la “estancia salvaje”.

La casa siempre ha producido una atracción irrefrenable sobre sus fans, y cuando todavía Elvis vivía en ella ya peregrinaban hasta sus puertas. Es el caso de Bruce Springsteen que trató de saltar la valla de la mansión en 1976 –aunque fue detenido– o Jerry Lee Lewis, que pistola en mano, se plantó en la puerta de Graceland en noviembre de 1976, afirmando que quería matar al Rey. Aunque era su hogar principal, Elvis tenía otras casas, como la de Bel Air, donde sus invitados más celebres fueron los Beatles, que acudieron a la casa en 1965. Cuando los de Liverpool entraron en ella, se encontraron con Elvis tirado en un sofá, tocando el bajo y contemplando la televisión sin sonido. “Sé que Paul, Ringo y George estaban tan nerviosos como yo”, recordaría después John Lennon. “Éste era el chico al que habíamos mitificado durante años. (…) Sin embargo, Elvis hizo lo posible para que nos sintiéramos como en casa”. Todos se relajaron con una sesión conjunta entre los Fab four y el de Tupelo.


Además de su pasión por las armas, el cantante desarrolló un sorprendente afán por las placas de policía auténticas; de hecho, esta afición le llevó hasta la propia Casa Blanca. El 21 de diciembre de 1970 se producía en el Despacho Oval una reunión buñueliana. Richard Nixon decidió recibir a Elvis, después de que éste se plantara en las puertas de la Casa Blanca con una carta en la que le pedía al Presidente una entrevista y le enviaba como regalo una Colt 45 con siete balas de plata. Preocupado por la decadencia de una juventud enganchada a las drogas, el cantante solicitó al Presidente una placa de agente federal de lucha antidroga. Nixon, herido de muerte por la desastrosa guerra de Vietnam, pensó que una foto con Elvis podía otorgarle publicidad entre los jóvenes. Así, el cantante logró su placa oficial y Nixon la instantánea deseada.










Fuente: muyinteresante & muyinteresante