Te interesa saber

Marvel Comics fue fundada por Martin Goodman en 1939, con un número constante de cambios de nombre y fracasos de lanzamiento. Originalmente fue conocida como Red Circle Comics, Atlas Comics; aunque el nombre más popular (antes de Marvel Comics) es Timely Comics y su primera publicación importante fue el Marvel Comics #1 (octubre de 1939), en el que aparecía por primera vez un superhéroe - la Antorcha Humana original y el antihéroe Namor, el hombre submarino. Ambos personajes se convirtieron en grandes éxitos para la compañía protagonizando casi instantáneamente sus propias series. Otro superhéroe popular creado en esas fechas era el personaje patriótico Capitán América.

Durante los años 50, la compañía, como toda la industria del comic americana, decayó fuertemente a consecuencia del final de la Segunda Guerra Mundial. En 1957 Marvel casi cerró sus puertas debido a la bancarrota de su distribuidora. Durante este tiempo la compañía se llamaba Atlas Comics y publicaba historias de monstruos con una ligera ambientación de ciencia ficción.



1960
A principios de los 60 la compañía intentó retornar al género de superhéroes que había sido revitalizado con gran éxito por su rival DC Comics unos años antes. Stan Lee y Jack Kirby crearon entonces Los 4 Fantásticos inspirándose en los éxitos de DC Comics y en las historias de monstruos que Atlas publicaba. Este comic fue un éxito absoluto revitalizando la compañía que comenzó una larga lista de títulos, el más popular de ellos fue sin duda "El Asombroso Hombre Araña: Spiderman" creado por Lee y Ditko.


1970
En esta década el mercado del comic volvió a entrar en recesión. La compañía se adaptó publicando nuevos títulos en géneros como el horror o la espada y brujería. Marvel intentó adquirir DC pero la compra no fue exitosa debido a que DC quería conservar los derechos de sus personajes más populares Superman y Batman. A finales de los 70 los comics empezaron a venderse en tiendas especializadas.


1980
Para los 80s, Jim Shooter era el editor en jefe de Marvel. A pesar de lo controvertido de su personalidad, Shooter supo manejar y "curar" muchos de los errores en los procedimientos que sucedían en Marvel y dando una visión de renacimiento creativo en la empresa. Este renacimiento incluyó institucionalizar los derechos de los creadores, comenzando con la imprenta Epic y lanzando una nueva línea de marcas nombradas Nuevo Universo, para conmemorar el 25º aniversario de Marvel, en 1986. Shooter fue responsable de la introducción de la compañía en nuevos y amplios crossovers (Contest of Champions, Secret Wars). En 1981 Marvel adquirió el estudio de animación DePatie-Freleng Enterprises. La compañía fue renombrada como Marvel Productions Ltd. y comenzó a producir series de animación para la televisión como G.I. Joe, Transformers e incluso los Muppet Babies de Jim Henson. En 1986, Marvel fue vendida a New World Entertainment, la cual en tan sólo tres años, en 1988, la volvió a vender a MacAndrews and Forbes, cuyo dueño era el ejecutivo de Revlon, Ronald Perelman. Perelman colocó a la compañía en el mercado de valores de New York y propició un gran incremento del número de títulos editados. Como parte del proceso, Marvel Productions vendió su catálogo televisivo a Saban Entertainment (adquirido en el año 2001 por Disney).


1990
La empresa obtuvo importantes beneficios en los comienzos de la década de los 90 y todo el género del comic se encontraba en auge tanto en Estados Unidos como en Europa. Sin embargo Perelman fue acusado de malversación y durante mucho tiempo la compañía estuvo en diferentes litigios con varios cambios de propietarios y luchas internas. Finalmente Isaac Pellmutter y Avi Arad se hicieron con el control de la compañía. Las licencias concedidas por Marvel a diferentes estudios de cine permitieron revitalizar la compañía con éxitos como Spider Man o X-Men. Artísticamente esta época estuvo caracterizada por las numerosas series y crossovers, líneas argumentales alternativas y lanzamientos de miniseries con éxito diverso.


2000
Con el nuevo milenio, Marvel Cómics escapó de la bancarrota y de nuevo comenzó a diversificar sus ofertas. En el 2001, Marvel dejó el Código de Autorización de los Cómics y estableció su propio Sistema de Escalas Marvel para cómics. El primer título de esta nueva era fue X-Force #119 (Oct. 2001). Esto trajo consigo nuevos formatos de impresión, tales como MAX, una línea dedicada para los lectores maduros, y Marvel Age, desarrollada para audiencias más jóvenes. Además de esto, está el altamente exitoso formato de Ultimate Marvel, el cual permitió a Marvel revitalizar a sus títulos con más ventas mediante la renovación de sus mayores héroes y villanos para que fueran accesibles a una nueva generación de lectores. Esta nueva versión se desarrolla en un universo que es paralelo al universo donde se desarrolla la "continuidad normal" de Marvel, permitiendo a los guionistas y dibujantes libertad para redefinir historias y caracteres de los personajes, de manera que todos estos cambios no afecten a la continuidad establecida. Marvel también ha mejorado su departamento de novela gráfica, estableciendo una gran presencia en las librerías.

Tal como pasó en 2007, Marvel sigue siendo el editor dominante de cómics, incluso con la disminución de ventas. Algunos personajes e historias se han convertido en películas de franquicia, como las películas de los X-Men, empezadas en 2000, y la serie de Spider Man, comenzada en 2002. En 2006, Marvel creó un crossover llamado "Civil War" estableciendo en el universo Marvel un registro de superhéroes, provocando un cisma político y ético entre los superhéroes. Además ese año, Marvel creó su propia wiki. La compañía lanzó una iniciativa online a finales de 2007 llamada "Marvel Digital Comics Unlimited", un archivo digital de 2500 cómics editados disponibles para su visualización, a través de una suscripción anual o mensual. Marvel permanece como una de las editoriales fundamentales del cómic mundial a pesar de la reducción del mercado norteamericano de cómics. La compañía adquiere enorme fuerza fuera de los círculos de historietas mediante las adaptaciones al cine de personajes populares, como X-Men, Spider Man, Blade, Hulk, The Punisher, Ghost Rider, Daredevil, Elektra, Iron man o Los 4 Fantásticos entre otros personajes.

Enciclopedia de Marvel 345Mb.
Descargar

Brillantes personajes (breve resumen)

A comienzos de los años sesenta, desde una pequeña oficina de Madison Avenue, una diminuta empresa llamada Marvel presentó un elenco de brillantes personajes que se distinguían por sus defectos humanos, la épica y el humor inteligente. Spiderman, Los 4 Fantásticos, Los Vengadores, La Patrulla X, Daredevil... y muchos otros que vendrían mas tarde. Esos héroes pronto se situaron en la imaginación de fans, intelectuales, artistas y estudiantes. A lo largo de más de medio siglo, el Universo Marvel se ha alzado como la moderna mitología de Estados Unidos, mientras sus autores se posicionaban como los profetas de este particular cosmos del cómic.

Prof. Lúcia Cardoso
Fuente: archivo PDF

A lo largo de su corta historia, similar en tiempo a la de la fotografía, el cómic ha tenido que sortear todo tipo de incomodidades. Por sus convenciones visuales ha tenido que competir en lo artístico con otros medios icónicos más poderosos, como la pintura, y en tanto a su narración de aventuras y héroes poderosos se le ha relegado como producto marginal destinado al niño. Por otro lado, el cómic es considerado un mass-media, es decir un medio de comunicación que se produce para llegar a grandes masas de población, pero su carácter comunicativo y ilustrativo no llega a alcanzar a los niveles de otros “media”, como la televisión o internet.

Si tuviéramos que definir a este género podríamos decir que se trata de una expresión artística que integra tanto texto como imágenes secuencializadas, empleando particulares recursos de carácter icónico, narrativo y literario y configurando un código específico. Como buena parte de los medios icónicos, la imagen se apoya en el texto y se ha convertido en un lenguaje singular dotado de leyes propias.

El interés de realizar un artículo sobre el cómic radica, en parte, por una admiración hacia muchos de sus dibujantes como Moebius y, por su relación con otros medios expresivos de la imagen, como es el cine y la pintura. En este artículo, hablaré de su origen y de su evolución, de sus crisis y edades doradas y, me centrare en algunos autores y sus obras más significativas.

El origen del cómic, como medio de expresión de difusión masiva nace y se desarrolla al mismo tiempo que el periodismo durante el s.XIX, al compás de la época de oro del capitalismo industrial.

Comienzan a adoptar sus principales características a partir de 1895, el mismo año en el que comienzan a desarrollarse las técnicas cinematográficas, un año antes del invento de la radio. La competencia de los nuevos periódicos por aquel entonces, aclamaba la necesidad de dibujos e ilustraciones que les servían como nueva arma publicitaria.


EE.UU. era el principal centro mundial de producción e innovación en el terreno del cómic y, los grandes periódicos del momento trataban de ganarse al público a través de sus ilustraciones pues, eran conscientes de la gran cantidad de emigrantes que se desplazaban a tierras americanas y no conocían el idioma, pero que si podían ver sus imágenes sin apenas texto; aunque también hay que tener en cuenta el gran analfabetismo de la población más humilde.

En este contexto hay que situar al gran magnate de prensa estadounidense, Joseph Pulitzer, propietario del New York World, el cual contaba con dibujantes que trabajaban en el suplemento dominical de su periódico, como Richard Felton Outcault, que realizó las viñetas de Yelow Kid, donde un niño describía los acontecimientos de un barrio pobre neoyorquino. Este autor creo en realidad los primeros cómics dónde se combinaban imágenes con la integración de diálogos en los bocadillos. Según R. Gubern, también en Yelow Kid se identifican otras condiciones que sitúan al cómic como un lenguaje totalmente original, como es la permanencia estable del personaje a lo largo de una serie y la secuencia de imágenes consecutivas para articular un relato. Otros diarios competentes son los de la cadena Hearst, que utilizaban también ilustraciones para ganar adeptos. Por lo visto, William Randolph Hearst era propietario del periódico "New York american" y de una cadena de más de cuarenta diarios y revistas. Este fue el personaje central de una de las mejores películas de Orson Welles, "Ciudadano Kane".

Un aspecto interesante de estos cómics iníciales es que, aún cambiando el dibujante, se mantenían los dibujos y las tiras en los periódicos.

En la evolución del cómic periodístico surge la tira cómica diaria o Daily strip, gracias al dibujante deportivo Bud Fischer, que creó a una pareja de antihéroes llamada, "Mutt and Jeff".

Las primeras tiras cómicas eran diarias y en blanco y negro, y aparecían dispersas en el periódico, pero luego fueron trasladadas a una determinada página, llegando en algunos casos a formar un verdadero suplemento ilustrado.

A partir de comienzos del s.XX con la generalización de los suplementos dominicales, se incluyó un suplemento destinado a los cómics, de manera que, el cómic paso de la tira diaria a ocupar una o varias páginas completas.


En ese momento aparecen cómics muy originales y vanguardistas que tendían a la experimentación, como es el caso de Winsor McCay, dibujante de strips. Este dibujante fue un verdadero innovador de la historieta, tanto por su audacia en el encuadre y la utilización de diferentes planos como por la belleza de sus dibujos. Esta considerado un clásico del cómic de prensa. Se anticipó al cine, al utilizar un poderoso lenguaje visual de planos y raccords. También fue un pionero de los dibujos animados como demuestra su cómic: "Gertie, the trainer dinosaur", y la creación del cómic "Littele Nemo", que relata el mundo onírico de un niño a través de una estética modernista de influencias del Art Deco.

Con el apelotonamiento de historietas y personajes en los periódicos, surgieron problemas creativos a la hora de administrar su espacio y, aún más cuando empezaron a difundirse los periódicos de formato tabloide, nacidos en Inglaterra en 1903 (Daily Mirror). La difusión internacional de los formatos tabloides obligó a una drástica estandarización de los cómics para todos los periódicos y todos los países.

Con la industrialización de este lenguaje se rompe la influencia de las vanguardias en el cómic y, se empiezan a imponer formatos, temáticas y ideologías. Las consecuencias positivas fueron la difusión del cómic y la introducción de la división en el trabajo. Pero las consecuencias negativas fueron la homogeneización y la censura. Surge la codificación de géneros temáticos y la especialización. Surgieron así las primeras agencias que se encargaron de vender el material dentro y fuera de EE.UU. Por aquel entonces surgen personajes tan entrañables como Betty Boop.

El cómic-book aparece con un nuevo género, donde se invita al espectador a la evasión. Se trataban de libros a color que recogían las aventuras de superhéroes. La nueva estética es opuesta a la caricatura, la cual había sido la mayor influencia en el cómic hasta el momento.


En Europa destaca "Tintín", dentro del género épico, del belga Hergé, cuyo estilo se caracteriza por usar un grafismo de transición entre la caricatura y el realismo.

Por su carácter icónico-literario en el uso del lenguaje, los cómics cada vez aparecen más relacionados de alguna manera con el teatro, la novela, la pintura, el cine, la fotografía y la televisión.

Con el teatro tiene en común la acción dialogada. Los primeros dibujantes de cómics estaban sujetos en gran medida a una estética teatralizante que, les llevaba a mostrar sus personajes de cuerpo entero (plano general) y recurriendo a tímidos desplazamientos de los personajes en el espacio.

También a influencias literarias, hay que atribuir los cómics de ciencia ficción y de novela como el cómic de Dick Calkins "Bulck Roger" y El Coyote.

De la pintura, han heredado los cómics un repertorio serio de técnicas. Roy Crane, en 1924 creó la serie Wash Tubbs y, fue en ese momento en el que se experimento el dibujo con pincel que hasta ese momento se había realizado sólo a pluma. Con esta técnica destacan comics tan famosos como el de Tarzán, de Harold Foster.

El cómic de épica aventurera de carácter policial, surge con la época de los gánster en los EEUU, con el afamado cómic "Dick Tracy", de Chester Gould. Por aquel entonces, con la influencia de la técnica cinematográfica y fotográfica, el cómic capta nuevos planos y efectos de claroscuro.

El siguiente paso en la evolución del cómic se produjo gracias a Raymond, que rebasó con sus dibujos de Flash Gordon, en 1934, el realismo y clasicismo de Foster (Tarzan), para entrar en una etapa que se puede llamar manierista, con influencias del prerromanticismo inglés.

La concepción definitivamente culta del dibujo del cómic llegaría de la mano de Burne Hogart, sucesor de Foster como dibujante de Tarzán, que crea un personaje de gran realismo y trabajada anatomía situado en un ambiente selvático, muy logrado, con influencias del expresionismo alemán.

Durante la posguerra, a finales de los años cuarenta, fue la época dorada del cómic norteamericano. Surge una nueva revolución expresiva, basada en la simplicidad y el esquematismo lineal y, en esto se basó el grupo de dibujos animados: United Productions Of América. Este esquematismo coincidía con el antinaturalismo del arte de la posguerra y con el mundo abstracto de Paul Klee y, permitió subrayar el valor del gag, despojado de todo detalle. Se retorna también al humor y a la caricatura, estilo Betty Boop, con dibujos como "Los picapiedra" de Hanna y Barbera. Destaca Will Eisner que parodia al estilo o género detectivesco con sus dibujos "The Spirit".


También en Europa nace una nueva etapa dorada del cómic, que compite con la hegemonía del cómic norteamericano. En Francia nacen "Asterix y Obelix", de Uderzo. También en Bélgica se producen cómic de calidad como, "Lucky Luke" de Morris o "Los Pitufos" de Peyo.

En España, a finales de los años 50, aparece el cómic satírico, publicado por TBO, con personajes como "Carpanta", de Escobar, "Zipi y Zape", de Vázquez, "Mortadelo y Filemón", de Francisco Ibáñez.

En 1963 el Arte Pop, movimiento pictórico vanguardista, adopta los personajes y las onomatopeyas del cómic como material expresivo, como es el caso de los cuadros de Licheinstein. Por otra parte, el cómic de vanguardia empieza a utilizar nuevos recursos como es la utilización del gran plano general, con viñetas panorámicas, el empleo de viñetas circulares u ovaladas en sustitución de las tradicionales, la reproducción del efecto de sobreimpresión o la utilización de imágenes ópticamente distorsionadas como hará la estética cinematográfica expresionista.

En EEUU, en los años 60, surge una etapa del cómic en la que se empiezan a abordar temas prohibidos y se realizan tratamientos experimentales. Con la hegemonía de la televisión se flexibiliza la censura en el cómic. Surgen nuevas editoriales y revistas que, recogían otras formas de expresión underground, destinadas a estratos minoritarios y marginales. Un ejemplo es el de Robert Crumb, del que destaca su cómic, "Fritz the cat", de grafismo feísta y critica ácida. También G. Shelton, en la misma línea que Crumb, fue el autor de los Freaks Brothers que presenta una caricatura de la cultura hippie.

Frente a estos géneros revolucionarios, la Marvel sigue publicando historias de superhéroes como "X men". Con estos géneros se sigue apelando al patriotismo americano, esta vez enfocado a la Unión soviética.

En Europa, hay también una renovación del cómic y, desde los años 70 el cómic se dirige a un público más especializado. En Francia, destaca en especial Moebius (Jean Giraud), aunque firmó varias series con el seudónimo de Gir, entre ellas Teniente Blueberry. Con su seudónimo Moebius, pasa al campo de la ciencia ficción, con personajes como Arzak. Su estética ha inspirado a escenarios futuristas cinematográficos como los de Alien, Dune y Blad Runner.


En Italia, el cómic destaca con H.Pratt, que crea al personaje "Corto Maltés", cercano al estilo de Hergé. Su personaje destaca por su melancolía y está inspirado en el personaje principal de "El corazón en las tinieblas", de Joseph Conrad.

En los años 90, Art Spielgelman crea la historieta conmovedora de, "Maus", cómic alemán que refleja la cruda realidad judía de la Alemania nazi. Se trata de la primera historieta gráfica ganadora de un premio Pulitzer (1992).

El cómic ha permitido a lo largo de su trayectoria establecerse como medio de comunicación de transmisión de valores siendo reconocido además por un lenguaje original directo y accesible a todo tipo de público. Sus primeros indicios se remontan en los murales egipcios en forma de tira que incluían tanto a imágenes prototípicas, como a texto, también hay que destacar a las bandas que rodean a las columnas romanas como la de Trajano. Por otro lado, el bocadillo que contiene las palabras de los personajes tiene sus precedentes en las filacterias de las pinturas góticas. Esto demuestra que el hombre ha necesitado a este medio de comunicación original, accesible y directa desde tiempos remotos.


Natalia González Zaragoza
Fuente: archivo PDF

Mazinger Z, el primer robot tripulado en la historia del cómic y la animación, cumplió 40 años en el 2012. Su éxito, llegaría a través de la pequeña pantalla de finales de los años setenta y ochenta, se extendió como un reguero de pólvora por el mundo hispanohablante, donde todavía hoy en día sigue vivo, tanto en la memoria de los adultos como en la de los niños.

Corría el año 1978 cuando la serie Mazinger Z se estreno en España y Puerto Rico, una primera toma de contacto que la propulsó en los años ochenta a Chile; Panamá; República Dominicana; Venezuela; El Salvador; Guatemala; Costa Rica; Bolivia; Perú; México; Argentina; Colombia; Honduras y Ecuador, dejando así una huella imborrable. Sin embargo, en EE.UU. embarrancó con el estreno de una dudosa versión llamada "Tranzor Z".

Aún hoy, sus seguidores en Latinoamérica son muchos y mantienen vivo en internet el robot que creó el autor japones Kishioshi Nagai en 1972, más conocido como Gō Nagai, y que celebró su 40 aniversario. El manga se lanzó en Japón en abril de ese mismo año, comenzando la emisión televisiva el 3 de diciembre en la cadena Fuji-TV.


Prueba de la enorme importancia de Mazinger en el mundo hispanohablante es que se llevaron a cabo tres doblajes: uno en España para TVE; el doblaje Arait (el español latino) y el doblaje Cadicy, considerado el "español neutro". Cada uno de ellos tomó nombres propios y expresiones características, teniendo su propio reparto.

La serié "Mazinger Z pertenece ya al mundo de los sueños de los niños y no le cambiaría ni una coma", manifestó, en mayo del 2012 su creador Gō Nagai, que visitó el Salón del Cómic de Barcelona con motivo del 40 aniversario del héroe metálico, Mazinger Z.

Gō Nagai proyectó a Mazinger Z en un atasco: un poderoso robot tripulado que volara y le sacara de allí. Comenzó a trabajar en la idea: el tripulante tenía que pilotar desde la cabeza del ingenio mecánico, cuya inspiración para el aspecto exterior estaba tomada de los vaqueros del "western"; la cara enmascarada fue sacada de las películas de criaturas mitológicas "tengu".

Así es como fue tomando forma este héroe de 18 metros de alto y 20 toneladas de peso, de una aleación indestructible y cuyas armas más emblemáticas eran "los puños cohete" (al grito de "puños fuera"), los "rayos fotoatómicos" y/o los "rayos congelantes".




Vídeo narrado por Iker Jiménez
Escrito por Redacción
Fuente: archivo PDF

Sus personajes tuvieron gran éxito entre grandes y mayores, en el caso de los primeros debido a la sencillez de los dibujos y los personajes, y en el de los segundos dado el mensaje que cada uno de los personajes escondía tras de sí. Fue un innovador porque introdujo la vida cotidiana en el mundo de las historietas, dominado hasta entonces por la acción, el esfuerzo por lograr unos dibujos realistas y personajes como las creaciones de la factoría Disney. Otra característica destacada es que en sus historietas nunca aparecen adultos: el mundo de Charlie Brown, Snoopy y su pandilla pertenece sólo a la infancia.

Pasó de ser un niño tímido al que nada le salía bien a convertirse en el dibujante que con más ternura consiguió mostrar el lado oculto del sueño americano.

Para Schulz, según sus propias palabras, el cómic era una forma de arte menor, sin embargo fue él mismo quien demostró como pocos sus enormes posibilidades. Durante los años setenta y ochenta ganó una considerable cantidad de dinero que empleó en parte en ayudar a los necesitados.


En noviembre de 1999 Schulz sufrió un infarto, y después se le descubrió que tenía un cáncer colorrectal, el cual había desencadenado una metástasis, expandiendose hacia el estómago. Producto de la quimioterapia, además del hecho de que ya no podía leer o ver con claridad, Schulz anunció el 14 de diciembre de 1999 su retiro, a la edad de 77 años.

Schulz falleció de un infarto agudo de miocardio a las 21:45 del 12 de febrero de 2000, en Santa Rosa. Fue enterrado en el Cementerio Pleasant Hill, en Sebastopol. Su última tira cómica original fue lanzada el 13 de febrero de 2000.

Al día siguiente de su fallecimiento vio la luz su última tira cómica. Schulz dejaba tras de sí casi cincuenta años de trabajo diario ininterrumpido, creando una historieta diaria, sin asistente.

En el año 2000, la Junta de Supervisores del Condado de Sonoma, en California, decidieron renombrar al antes llamado Aeropuerto del Condado de Sonoma como Charles M. Schulz - Sonoma County Airport (en español: Aeropuerto Charles M. Schulz - Condado de Sonoma). El logo del aeropuesto incluyó a Snoopy con gafas y una bufanda, elevandose sobre el techo de su casa roja.

El Museo Charles M. Schulz fue abierto el 17 de agosto de 2002.

Prueba del éxito de su obra son la portada de Time y de Life que protagonizaron sus personajes; que la NASA bautizara Charlie Brown al módulo de mando del Apolo X y como Snoopy al módulo lunar; que cuando Ronald Reagan era gobernador de California, declarase el 25 de mayo como día de Charles Schulz; o que el ministro de arte francés Jack Lang le nombrase Caballero de la Orden de las Artes y Letras.

A lo largo de su vida dibujó 17.000 tiras cómicas.

Carlitos es el dueño de Snoopy, su relación con él es muy especial, pués participa en su vida como uno más de sus amigos. Es un chico tímido y a veces inseguro, pero a la vez es tierno y con un gran corazón. Uno de sus retos mayores es hacer ganar alguna vez a su equipo de beisbol. Snoopy de profesión abogado, nunca sus "labores" (como perro, por supuesto). Su hobby principal, en sus muchos ratos libres, es practicar el golf, aunque también forma parte del equipo de beisbol de su dueño, tampoco es raro verlo jugar a los bolos o charlando tranquilamente con su gran amigo Emilio (pajarito). en definitiva es el perro que a toda persona le gustaría tener como mejor "amigo". ¡Ah! y tampoco es difícil intentando escribir una novela o lo que se le ocurra, a él o a su principal crítica Lucy.

Sally es la hermana de Carlitos. Es una chica con las ideas claras, sincera (a veces demasiado, para desgracia de sus amigos) y práctica. Su gran perocupación es el colegio, al que no le gusta mucho ir. Ve mucho la tele tirada en su poltrona y es bastante protestona. Su corazoncito es Linus.

Linus es de los más centrados y calmados del grupo. Condenado a que su hermana (Lucy) le quite el sitio delante de la televisión. Parece ser un niño inteligente y sensible. Tiene un hermanito clavadito a él llamado Bis.

Lucy es la hermana de Linus y Bis. Dura crítica literaria de Snoopy. Juega en el equipo de beisbol de Carlitos como el resto de sus amigos, aunque bastante mal, cosa que a ella no parece importarle. Dos de sus aficiones favoritas son, por una parte decirle al niño del piano cuánto lo ama y las cosas que harán cuando esten casados, mientras el otro la ignora o rechaza sin cortarse un pelo, y por otra , pelearse con su hermano Linus o por lo menos intentarlo.

Marcia es la empollona del grupo. Inseparable amiga de Peppermint Patty, con la que va a todas partes y a la que llama señor". Tiene una gran timidez, pero a final se atrevió a decirle su gran amor, Carlitos, que lo quería.

Peppermint Patty es una chica aunque vaya vestida siempre como un chico, es muy difícil verla con un trajecito y peinada. En cuanto al cole es casi al contrario que su mejor amiga Marcia, a la que trae de cabeza con sus preguntas y afirmaciones, ya que ella tiene sus propias ideas, muy claras por cierto, aunque la mayoría equivocadas.

Bis hermanito pequeño de Marcia y Linus. Se sabe poco de él, sólo que sus hermanos lo alecionan en las cosas de la vida y está condenado a viajar en el sillón trasero de la bicicleta con su madre cuando llega el buen tiempo, cosa que no le gusta nada. Ama a su mantita.

Emilio es el pajarito amigo de Snoopy, con el que mantiene largas conversaciones, se va de excursión y hacen un montón de cosas juntos.

Schroeder es un virtuoso del piano. No le interesa para nada lo que le dice Lucy respecto a su amor por él. Y también juega al beisbol en el equipo de carlitos.

Spike es el hermano solitario de Snoopy, agente inmobiliario. Vive en el desierto con sus amigos los cactus, con los que celebra bailes, tienen un club, hacen reuniones, etc...

Canicas hermano casi olvidado de Snoopy, más bien filósofo y que no comprende las fantasías de su hermano Snoopy. Además de todo calza zapatillas de deporte.

Curiosidades

Snoopy acabo siendo mascota de la NASA. La agencia espacial norteamericana otorga el Premio Snoopy a sus empleados y contratistas por logros vinculados a la mejora de la seguridad o al éxito en una misión espacial. También la NASA bautizó como Charlie Brown al módulo de mando de la misión Apolo 10 y como Snoopy al módulo lunar.

Fuente: archivo PDF

* Es la palabra japonesa para designar a la historieta en general. Fuera de Japón, se utiliza exclusivamente para referirse a los cómics de este país. Se traduce, literalmente, como "dibujos caprichosos "o" garabatos". Al profesional que escribe o dibuja mangas se le conoce como mangaka.

* El manga es la tradición de historieta más influyente del mundo y constituye una parte importantísima del mercado editorial del país.

* El manga abarca todos los géneros y llega a todos los públicos, motivando.

* Los japoneses llaman también al manga imágenes insignificante, pues compran al año más de mil millones de volúmenes en blanco y negro, impresos en papel barato.

* En el manga las viñetas y páginas se leen de derecha a izquierda, al igual que en la escritura tradicional japonesa


* El manga en Japón es un auténtico fenómeno de masas. Un único dato sirve para ilustrar la magnitud de este fenómeno: En 1989, el 38% de todos los libros y revistas publicados en Japón eran de manga.


En función del segmento de población al que se dirigen:
* Kodomo manga, dirigido a niños pequeños;
* Shōnen manga, a chicos adolescentes;
* Shōjo manga, a chicas adolescentes;
* Seinen manga, a hombres jóvenes y adultos.
* Josei manga, a mujeres jóvenes y adultas.

Clasificación de los mangas por género:
* Mahō Shōjo: Niñas o chicas que tienen algún objeto mágico o poder especial.
* Yuri: Historia de amor entre chicas.
* Yaoi: Historia de amor entre chicos.
* Harem: Grupo femenino, pero con algún chico como co-protagonista.
* Sentai o Super Sentai: La acción se reparte entre 3 y 5 protagonistas.
* Mecha: Robots gigantes.
* Hentai: Pornografía.
* Ecchi: De corte humorístico con contenido erótico.
* Jidaimono: Ambientado en el Japón feudal.


* Cuando se comenzaron a traducir algunos títulos de manga, se les añadía color y se invertía el formato en un proceso conocido como "flopping" para que pudieran ser leídos a la manera occidental, es decir de izquierda a derecha, también conocido como "espejado".


* El ejemplo más claro de la influencia internaciónal del manga se encuentra en el denominado amerimanga, es decir, el conjunto de artistas fuera del Japón que han creado historietas bajo la influencia del manga y el anime japonés pero para un público de habla inglesa.


* Es el término que agrupa los dibujos animados de procedencia japonesa y hasta cierto grado los elementos relacionados.
* En Japón se utiliza el término para referirse a la animación en general.
* El anime tradicionalmente es dibujado a mano, pero actualmente se ha vuelto común la animación en computadora.


* El género de animación de origen japonés, comienza en el siglo XX.
* La primera animación japonesa fue en 1907.
* En la década de 1930, la animación se convirtió en un formato alternativo de la narración de cuentos.


* Los ojos: comúnmente son muy grandes, ovalados, muy definidos y con colores llamativos como rojo, rosa, verde, morado, aparte de los normales como café y azul. Osamu Tezuka introdujo los ojos grandes inspirado por producciones de Disney como Mickey Mouse y de este modo se toman de un modo humorístico o de personalidad al personaje.

* El cabello: hay de todas formas, tamaños y volúmenes, para personajes masculinos o femeninos.
* El cuerpo: puede ser muy parecido a las proporciones del cuerpo humano.
* La cara: la nariz y la boca son pequeños, la parte baja de la cara parece ser la de un pentágono


La banda sonora utilizada en los diferentes formatos suele ser llamada OST como abreviación de Original Soundtrack. Esta puede estar compuesta de:
* Opening (o apertura)
* Ending (o clausura)
* Soundtrack central (Banda sonora)


* En Latino américa, el anime empezó a distribuirse por los años 1970s empezando por México, Perú, Chile y Argentina con las series Heidi, Princesa caballero, Candy Candy y Meteoro.


* Es posible que por malentendidos culturales se editen esas series.
* En Estados Unidos los productos de anime japonés deben pasar una evaluación preliminar como se define en edad-audiencia y en ocasiones adaptar la trama a una demografía de menor edad, por lo que el editor de las obras corta las escenas violentas.

* Dragon Ball Z
* Algunos investigadores consideran a la serie como sexista y violenta, en donde también se considera inapropiado poner las series violentas como programas infantiles.


* Las películas de alto impacto que llaman la atención de nuevos sectores hacia la industria del anime.
* Dentro de estas películas se puede encontrar: Akira, GhostintheShell, y El viaje de Chihiro ganadora del oscar a la mejor película de animación en 2002 y de un Oso de oro.
* El suceso fenomenal multimillonario de la franquicia de Pokémon, ha ayudado grandemente a la serie de éste, y a los diferentes spin-off de la serie, que después de iniciarse a trasmitirse, sigue vigente todavía.


* Que es animación hecha fuera de Japón, pero con el estilo anime.
* Parte de estas series están hechas en Estados Unidos, Europa y otras partes de Asia.
Como por ejemplo Avatar:la leyenda de Aang.

Actualización: El manga, 20 años después de la llegada de 'Dragon Ball'


Universidad Veracruzana
Aquino Cruz Manuel Alberto
Fuente: archivo PDF

Pero Ibáñez no sólo ha creado estos conocidos personajes. También hay otros no menos divertidos que ellos:

13 Rue del Percebe. La primera página fue publicada en la revista Tío Vivo el 6 de marzo de 1961 y pronto adquirió enorme popularidad por su estructura novedosa e inusual que posiblemente no tenga parangón en la historia de la historieta mundial hasta la fecha.


13, Rue del Percebe' es una macroviñeta que ocupa una página, dividida a su vez en viñetas no secuenciales, y que muestra en clave de humor un edificio de apartamentos y la comunidad que lo habita:

En la azotea viven un moroso continuamente acosado por sus acreedores que se inventa ingeniosas maneras de evitarlos que la mayoría de veces le funcionan, y, habitualmente, un ratón cruelmente ocurrente que no deja de torturar a un pobre gato negro.

En el tercer piso encontramos a un patoso ladrón que no parece poder dejar de robar cosas inútiles y a su fastidiada mujer mientras que el apartamento contiguo lo ocupan una mujer y sus innumerables hijos pequeños, incorregiblemente traviesos, que en las primeras entregas tenían una hermana mayor que luego desapareció.

En el segundo piso habitan una anciana que, eterna amante de los animales, no deja de cambiar de mascota (normalmente perros pero ha tenido incluso una ballena) ni de tener los más variados problemas con ellas. En la puerta de al lado, trabajaba infatigablemente un profesor loco especializado en crear monstruos, inspirado en Victor Frankenstein, y que posteriormente sería sustituido por un desastrado sastre con mucha cara dura.

En el primer piso moran, a la izquierda un veterinario no muy competente y a la derecha la mezquina dueña de una pensión continuamente superpoblada.

En la planta baja hallamos la tienda de ultramarinos de Don Senén, un desconfiado tendero que siempre encuentra modos de engañar a las clientas con el peso de las patatas y la fruta (aunque a veces le sale el tiro por la culata) y, al lado, a la cotilla portera de la comunidad de vecinos. Pero no termina ahí la cosa porque frente a la portería habita Don Hurón, nada más y nada menos que en una alcantarilla, que posiblemente le fuera alquilada por la dueña de la pensión, a juzgar por lo que asegura en la primera entrega de la serie. A menudo aparece comentando sus problemas con la portera.

El ascensor del edificio, a pesar de ser inerte, es también un personaje por derecho propio pues, de igual modo, sufre las más variadas peripecias y fenómenos. Tan pronto no funciona bien como es robado como está en reparación y es substituido por los más variados métodos alternativos (como un cañón o un fuelle gigante), o es reemplazado por nuevas versiones encargadas a los más variopintos constructores (como un fabricante de juegos de ajedrez o un vidriero).

También hay que poner atención a la araña de la escalera que cada vez se disfraza de una manera diferente.

El Botones Sacarino es una historieta de Francisco Ibáñez, inspirado en los personaje franceses de André Franquin Gastón Lagaffe, más conocido en España como Tomás Elgafe, y Spirou.


Sacarino es el botones de un periódico llamado El aullido vespertino. Tiene múltiples tareas que realizar: limpiar y ordenar los despachos, llenar de tinta los tinteros, hacer todo tipo de recados, etc. Pero Sacarino siempre intenta escaquearse del trabajo para dormir o jugar a algún juego. Por culpa de sus juegos, Sacarino suele provocar situaciones divertidas en las oficinas, las cuales molestan o perjudican al director o al presidente. El director intenta siempre pillar a Sacarino in fraganti, pero lo único que consigue es que el presidente piense que él es el culpable de todo.


* Sacarino es el botones del edificio. Es el protagonista de las historietas. No le gusta trabajar y siempre que puede duerme la siesta o se distrae jugando a algo. Sus actuaciones suelen provocar líos, confusiones y jaleos.
* El director, o, como lo llama Sacarino, el dire. Es un tipo que siempre está enfadado, viste todo de negro y se preocupa mucho por agradar al presidente. Se suele llevar todos los golpes por culpa de Sacarino.
* El presidente, o, como lo llama Sacarino, el presi. Es el jefe del periódico y siempre que sucede algo piensa que ha sido culpa del director.
Pepe Gotera y Otilio, Cuando estos dos personajes decidieron asociarse y crear "Pepe Gotera y Otilio, Chapuzas a domicilio" sus futuros clientes no podían sospechar lo que se les venía encima.


Pepe Gotera es el capataz; un sabelotodo con traje oscuro, bombín rojo y mostacho que se limita a tratar con los clientes y a mandar a Otilio a que haga las faenas. Es un mandón que nunca se mancha las manos. A Otilio, esto ya le va bien porque es incapaz de hacer nada sin que su capataz se lo ordene (perdió cualquier iniciativa poco después de nacer y jamás la ha vuelto a encontrar).
Otilio es un gordinflón bruto, torpe y glotón, que siempre necesita tener algo que meterse en la panza y que, si está realmente hambriento, es capaz de comerse tuercas como si fueran rosquillas.
No es de extrañar pues que cuando este par de desastrosos chapuceros llegan a una casa armen unos líos de mucho cuidado.

Rompetechos es un personaje cabezón, bajito, miope y despistado. Las historietas nos cuentan la vida de este personaje en la que se suceden situaciones graciosas provocadas por su falta de visión.

Rompetechos realiza acciones cotidianas, pero no salen como debieran ya que su miopía le hace ver el mundo de otra forma.


Hay dos versiones contradictorias acerca del nacimiento del personaje.

Por un lado está la versión de Francisco Ibáñez, según la cual el jefe Francisco Bruguera tenía una gran afición por un personaje de los comienzos del cine llamado Rompetechos, por lo que pidió a Ibáñez que dibujara un personaje con el mismo nombre. Ibáñez entonces le habría dado la vuelta a la orden creando un personaje bajito y miope.

La otra versión es de Vicente Palomares, periodista y escritor que dirigió la revista Mortadelo durante la primera mitad de los años 70 (El mundo de Mortadelo y Filemón. Miguel Fernández Soto, pág 67) según la cual el personaje estaba basado físicamente en un miembro de la redacción llamado Ernesto Pérez Mas.

Posiblemente una inspiración fue el personaje de Mr. Magoo de la productora de dibujos animados U.P.A.

Aparece por primera vez en 1964 en la revista Tío Vivo.


El esquema habitual de una historieta de Rompetechos suele ser el siguiente: El personaje tiene la necesidad de hacer o comprar algo, por lo que empieza a ir de un lado a otro provocando multitud de desastres debido a que su falta de visión le hace confundirlo todo (por ejemplo; confunde a un joven melenudo con una margarita y procede a "arrancarla" o a un hombre disfrazado de vikingo con un ciervo e intenta cazarlo,etc.) Si lo que intenta es comprar algo invariablemente leerá mal todos los carteles (por ejemplo "cabañas usadas" en lugar de "castañas asadas") y luego tendrá un diálogo surrealista con el empleado de la tienda. En estos casos Rompetechos usualmente agrede verbalmente a aquellos que él piensa que le están tomando el pelo. Finalmente, la situación termina haciéndose insostenible y acaba de forma violenta.




Mortadelo y Filemon, La primera historieta de Mortadelo y Filemón apareció el 20 de enero de 1958 en el número 1394 de Pulgarcito con el título genérico de Mortadelo y Filemón, agencia de información. Por aquel entonces era usual que las series de historietas humorísticas tuviesen un pareado como título, generalmente con el nombre de sus protagonistas en el primer verso.

Las historietas de la editorial Bruguera mostraban un mundo cercano al lector, en el que la pobreza, el hambre, la picaresca y las diferencias de clases eran comunes (los títulos de historieta antes mencionados son buena prueba de ello). Los propios nombres de Mortadelo y Filemón nos hablan de la época en la que surgieron. Con el recuerdo aun cercano de la época de hambruna provocada por los racionamientos de comida que siguieron a la Guerra Civil Española, Ibáñez bautizó a sus personajes con nombres cuyo sonido evoca alimentos.


* Mortadelo es alto, delgado y con una gran nariz. Es el rey del disfraz, capaz de transformarse, para asombro de todos, en cualquier cosa, desde un elefante hasta una campana. Tenía una portentosa melena negra (por la cual en su juventud lo llamaban Mortadelo "el Melenudo") hasta que probó un invento del profesor Bacterio contra la caída del cabello. Se puede decir que desde entonces nunca más tuvo que preocuparse por su pelo. Lleva gafas y un traje negro con levita. En sus orígenes portaba un paraguas negro colgado del brazo y lucía un sombrero de donde siempre extraía los disfraces.

* Filemón Pi es el jefe de Mortadelo, aunque es un poco más bajo que éste. Tiene sólo dos pelos en la cabeza, y lleva una camisa blanca y un pantalón rojo, aunque en los primeros años de su publicación llevaba una gran pipa en la boca y un atuendo similar al de Sherlock Holmes. Es el que suele llevarse los golpes cuando algo sale mal (es decir, casi siempre). Como buen superior de Mortadelo, es un tipo culto y con gran sapiencia sobre prácticamente todo tipo de temas, como biología y geografía.

* El Súper, o Superintendente Vicente es el superintendente de la TIA. Encomienda las misiones a Mortadelo y Filemón. Lleva un poblado bigote y un traje azul. De entre los personajes habituales, es el de mayor grado jerárquico, pero en ocasiones le visitan sus superiores. Normalmente el Director General.

* Profesor Bacterio es el típico profesor chiflado. Crea los inventos más inverosímiles, que rara vez funcionan como deberían. Tiene una gran barba negra, que los agentes, el Súper u Ofelia agarran con saña cuando sus inventos salen mal. Suele vestir con un traje de color verde.

* Ofelia es la secretaria, una mujer de pelo rubio y rizado, grande y oronda enamorada de Mortadelo (pero no correspondida). Es frecuentemente frustrada, despreciada e insultada, tanto por Mortadelo como por Filemón, y responde con violencia. También tiene enfrentamientos con el Súper y con Bacterio. Viste con un traje rojo muy escotado y ajustado y botas negras.
Los "malos" por norma general, y algunos agentes de la T.I.A., tienen nombres cómicos como "Bestiájez", "Atúnez", "Tontáinez" o "Mac "El Antropoide"".

Entre otros...


Biblioteca de la Rioja (España)
Fuente: archivos PDF y vivenciesjosep.blogspot.com/2010/03/pepe-gotera-y-otilio-chapuzas-domicilio.html