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Fuente: ventana-almundo.blogspot.com

LONDRES.- Habrá que aguardar entre dos y cuatro semanas para saber de qué murió Amy Winehouse. La Policía Metropolitana de Londres dio a conocer los resultados de la primera autopsia practicada al cadáver de la cantante: “Las pruebas no aportan datos concluyentes para establecer una causa formal de la muerte”.

Ahora aguardan a que los resultados del examen toxicológico aporten algo de luz a lo que sucedió el sábado pasado en el número 30 de Camden Square, donde falleció la artista.

Unas 48 horas después de su muerte, el cuerpo de Amy Winehouse fue sido sometido al análisis forense en la Morgue de St Pancras. Los resultados serán utilizados en la investigación, que está en manos del Tribunal de St. Pancrass Corner y que aplazó la sesión sobre el caso hasta el 26 de octubre.

“Amy murió sola en la cama”. Así afirmó ayer a medios británicos Chris Goodman, representante de Amy Winehouse.

“Amy estaba sola en casa, salvo con el hombre de seguridad que tenía contratado desde hace un par de años para que cuidara de ella”.


Goodman relató que la cantante dijo a su guardaespaldas que “quería dormir un rato”. Cuando el hombre de seguridad entró a su habitación para despertarla se “dio cuenta que no respiraba. Aunque los medios atribuyen su muerte a una sobredosis, la policía sostieneque la causa de la muerte, por ahora, es desconocida y ha pedido que se eviten especulaciones.


Los seguidores de Amy Winehouse rindieron un último homenaje a la artista, dos días después de su muerte: su álbum de éxitos “Back to Black”, de hace cinco años, es ya el número uno en iTunes en Estados Unidos, Reino Unido, Francia y Alemania.

Con el álbum publicado en 2006, Winehouse ganó varios Grammys y logró la fama internacional. Los singles “Back to Black” y “Rehab” vuelven a ocupar los primeros puestos en las listas de éxitos.


Quienes se consideraban fans de su música, no les agradó la noticia de que muriera la cantante británica Amy Winehouse; en Saltillo sus fans se conmocionaron y dicen, sin dudarlo, que será una leyenda.

“Independientemente de que fuera drogadicta, su música es padre y diferente. La mostrarán como leyenda por el hecho de morir a los 27, la unen al famoso club con Kurt Cobain, Manis Joplin, Jimmy Hendrix y Jim Morrison”, expresa Melissa de la Cruz, de 22 años.

Le entristecen no sólo que fueran cuatro años de éxito, sino también el “ya no escuchar canciones nuevas de ella porque talento tenía y mucho”.

Por su parte Viviana Balderas, una declarada melómana, explica que “fue sorpresiva e impactante su muerte; sabíamos que ella estaba mal y uno como fan tenía la esperanza de que arrancara bien la gira y sacara su otro disco”.

Considera que será una leyenda: “Definitivamente sí. Por su talento. A algunos les tocó Joplin, a nosotros ella. Y va a pasar mucho tiempo para que llegue alguien con mucha calidad interpretativa. Más que la música me encantaba su voz”. En Saltillo se informó que en Music & More no se ha registrado un cambio de ventas en discos de Amy. Pero quizá lo están haciendo por internet junto a otros países, pues su famoso disco “Back to Black” (2006) logró el primer lugar en ventas en iTunes en Estados Unidos, Reino Unido, Francia y Alemania



Revolucionó la música a finales de los 70. Su muerte llegó en un hotel de Londres, después de ingerir un coctel de vino y píldoras para dormir. Se ahogó en su propio vómito. La tragedia sucumbió a los fans de su música psicodélica y causó revuelo lo que dijo antes de fallecer a un periodista danés: “En el momento en que sienta que no tengo nada que ofrecer musicalmente será cuando no me encontrarán en el planeta. No sé si viviré hasta los 28, pero me han ocurrido tantas cosas maravillosas en los últimos tres años que el mundo no me debe nada”.


Cantante con una sonrisa pegada a la cara, con una apariencia desenfadada. Era como la Amy Winehouse, pero de los 60 y los albores de los 70. Janis Joplin integró las bandas Big Brother and The Holding Company, The Kozmic Blues Band, The Full Tilt Boogie Band.

La intérprete de “Piece of Heart” murió en 1970 por una supuesta sobredosis de heroína. Como Winehouse, también se presentó en estado de ebriedad en conciertos, tres meses antes en Canadá, donde se le notaba, pero parecía feliz. Ese último verano, Joplin regresó a su adicción.


Estuvo en la legendaria banda de The Rolling Stones, banda que fundó con los hoy vigentes Mick Jagger y Keith Richards, vocalista y guitarrista, quienes siguen dando vida al grupo. En 1969, en Cotchford, el cantante bebió de forma fuerte, tomó su inhalador (tenía asma) e ingirió tranquilizantes. Debido a que no se sentía bien, decidió nadar en la honda piscina. Sus amigos fueron por cigarros, se quedó solo y murió ahogado. No se tiene bien definido si un ataque de asma provocó su muerte.


Un poeta, cantante y músico que es recordado por su banda The Doors.Todo un clásico es su tema “Light My Fire” como muchos otros.

Jim Morrison falleció, se dijo oficialmente debido a un ataque al corazón. Lo hizo en París, fue hallado muerto en la bañera de su departamento en el barrio Marais.

Se ha dicho que consumió heroína la noche de su muerte. Pero no hubo autopsia para el llamado “Rey Lagarto”, por lo que se ha especulado que pudo haber sido un asesinato o suicidio.


Es querido por muchos por su banda Nirvana, un poderoso trío que cambió la escena musical: ya no se buscaba un rock glamoroso, divas o posadores del pop. Ellos eran más casuales y se volvieron un himno generacional. Su disco más conocido es “Nevermid” (1991).

Su vocalista, Kurt Kobain, sintió el éxito como una carga. Luego de drogas, una ida al hospital por sobredosis y una fugaz rehabilitación, Kobain fue encontrado con un disparo de rifle en la cabeza. Muchos han comentado que Courtney Love, con quien se casó, tuvo que ver con su muerte.





Fuente: vanguardia.com.mx/elclubdelos27uncelebreytristegrupo-1054535.html

Elvis Aaron Presley falleció a la temprana edad de 42 años en Graceland, su mansión de Memphis. Fue un 16 de agosto de 1977 y aquel hecho conmocionó a millones de personas en todo el mundo. 'El rey del rock' pronto alcanzó la categoría de leyenda, sin embargo, y a fecha de hoy, su desaparición sigue siendo todavía objeto de debate. ¿De qué murió Elvis, o quizás desapareció?

El 16 de agosto de 1977 según se dijo Elvis fue hallado inconsciente en el baño de su habitación por su novia de entonces, Ginger Alden. Estaba en medio de una gira; de hecho, unas horas más tarde tenía previsto volar a Portland para dar un concierto. Según la versión oficial, su muerte se debió a un fallo cardíaco ocasionado por un consumo excesivo de drogas -probablemente, pastillas-.

Fuentes más recelosas siempre han creído durante años que, en realidad, Elvis Presley no murió, sino que desapareció, viajó a Argentina y cambió de identidad. ¿Pero en qué se basan para afirmar algo así? Elvis podría haber huido de su país tras ofrecer información al FBI sobre otros artistas que ejercían actividades ilícitas, el certificado original de su defunción desapareció extrañamente durante algunos meses, incluso la familia nunca llegó a denunciar la profanación de su tumba…

Sea como fuere, de lo que no hay ninguna duda es de que Elvis fue un músico y actor bastante singular. Capaz de manejar a las masas a su antojo con sus movimientos de caderas, este símbolo del rock and roll dejó un legado indiscutible. Imposible olvidar canciones como 'Suspicious Minds', 'Jailhouse Rock' o 'All Shook Up', 'In the Ghetto', por poner sólo algunos ejemplos.

John Burrows

Según distintas versiones al respecto, dos horas después de su fallecimiento, un hombre de características físicas idénticas a las de Elvis llamado John Burrows compró un pasaje de avión con destino a Argentina. De acuerdo a las mismas, y como dato importante, el nombre de John Burrows había sido utilizado por el propio Presley en distintas ocasiones como seudónimo cuando tenía que registrarse en hoteles u otros lugares para pasar desapercibido.

Fuente: saberia.com

Pocas son las personas con este don, tan sólo una de cada 10.000 tienen esta capacidad casi sobrenatural: os hablaremos del denominado oído absoluto (en inglés, perfect pitch). Fundamentalmente consiste en la habilidad para reconocer una nota musical sin ningún tipo de referencia externa, e incluso llegar a cantarla – lo cual suele ser un poco complicado debido a cómo funcionan las escalas y las notas musicales –.

Las personas que poseen oído absoluto (nacen con ello) son capaces de identificar por lo general una o varias notas a la vez, por ejemplo en un acorde de piano o guitarra; en el vídeo de más abajo se puede ver cómo lo hacen sin ningún problema con algunos ejemplos. Incluso pueden llegar a identificar a qué nota corresponden las sirenas de los vehículos de emergencia, las alarmas, el timbre de una bicicleta o la bocina de un coche.

En el vídeo también explican que el oído absoluto normalmente se considera una bendición, aunque a veces se torna en una maldición: imagínate ir a un concierto y oír claramente cómo desafinan la melodía que están tocando los músicos, o cómo algún instrumento suena en una escala errónea... es algo que puede llegar a ser insoportable para alguien con el oído perfecto. A veces, dice uno de ellos, «preferiría poder tener la capacidad de poder activarlo y desactivarlo en mi cabeza».

Debido a las ventajas que otorga este peculiar don, muchos de los que lo poseen han dedicado su vida al mundo de la música: entre ellos podríamos mencionar a Mozart, Beethoven y Chopin, estos grandes músicos eran algunos de los más famosos en tener este oído absoluto; Stevie Wonder, Barbra Streisand, Mariah Carey o Ana Torroja del grupo musical español Mecano están entre los actuales cantantes más cercanos de nuestro tiempo.






Fuente: microsiervos.com

Ayer sábado, 7 de octubre, se cumplieron, nada más y nada menos que 40 años de la salida de We Are The Champions. El tema de Queen que no sólo se convirtió en un himno del deporte, sino también del mundo de la música.

Con la inconfundible e inigualable voz de Freddie Mercury, el tema no tardó en subir a las primeras posiciones de las listas musicales del mundo entero en aquel otoño de 1977. ¡Y no era para menos!

A través de la página de LOS40, nos desvelaron algunas curiosidades que quizás no sabías.



Y que conste que no lo decimos nosotros. Según una estudio realizado en el 2011 en la que se implicaron distintos psicólogos musicales de la Universidad de Londres y de Nueva York, We Are The Champions es la canción más popular de la historia. Preguntando a miles de personas para este estudio, se impuso sobre el tema de los Así que no te preocupes si se te pega y no puedes dejar de tararearla. Algo bastante normal que nos pasa a todos.

La cara B de su disco era... We Will Rock You
¿Os imagináis lo que tuvo que ser vivir en 1977, comprarse el nuevo sencillo de Queen en el que iban incluidas dos canciones que más tarde pasarían a la historia de la música? Pues así fue.

La voz de Freddie, la verdadera propulsión de la canción
Hace unos años se demostró el espectacular potencial de la voz de Freddie, Playback FM suprimió todos los instrumentos de We Are The Champions. El resultado fue una increíble versión a capela que no deja indiferente a nadie.


Elegida en 2005 como la mejor canción en la historia de la música
A través de una encuesta realizada por Dotmusic en 66 países diferentes y a más de 700.000 personas, We Are The Champions fue elegida como la mejor canción de la historia. ¿Todavía os sigue extrañando por qué?

El ahora presidente de Estados Unidos la utilizó en una de sus convenciones
En julio de 2016, Donald Trump, la usó para entrar en el escenario en su convención en Cleveland, en plena campaña hacia la presidencia. Queen no tardó en publicar un comunicado donde explicaba que ellos no autorizaron el uso de su canción para tal evento.


El tema fue escrito para el álbum A Night At The Opera
Pero al parecer a Freddie no le seducía del todo que apareciese junto a Bohemian Rhapsody. Así que decidieron guardarla para más adelante.

La canción fue escrita para el Manchester United Football Club
Pues sí, ¡llegando a ser uno de los himnos más cantado en cualquier deporte! Sobre todo por los ganadores.

Robbie Williams grabó una versión en el 2001
Junto a los componentes de Queen, Brian May y Roger Taylor. We Are The Champions fue utilizada como banda sonora de la película protagonizada por Heath Ledger, Destino de Caballero.


Incluso la famosa rana Crazy Frog lanzó su propia versión
Dj que triunfaba a mediados de los 2000 no pudo resistirse a sacar su propia versión de este clásico de Queen.



Fuente: los40.com

Comenzaremos con la mítica banda Pink Floyd:
Antes de quedarse definitivamente con este nombre usaron otros como Sigma 6, The Abdabs, The Spectrum Five. Hasta que un día Syd Barrett tuvo la magnífica idea de llamarlos Pink Floyd en honor a dos cantantes de blues Pink Anderson y Floyd Council.





En el segundo puesto tenemos a KISS:
Esta banda neoyorquina en un principio se llamaba Wicked Lester y por 1973 cuando estaban experimentando con el heavy metal y a modo de burla de la banda Lips, de la cual venía su compañero y guitarrista Ace Frehley, decidieron llamarse Kiss. Con el tiempo le buscarían otros significados para ser más comerciales en el mundo musical.





Llegamos a Green Day:
Durante la movida Punk allá por la década de los 80 se llamaban Sweet Children, pero tras su primer contrato con la discográfica y para no ser confundidos con la banda Sweet Baby y haciendo apología a la marihuana ellos mismos se autobautizaron con el nombre de Green Day.





Y ya para terminar, pero no menos importantes que los anteriores, están Radiohead:
Desde sus inicios en el secundario la banda se llamaba On A Friday, debido a que sólo los viernes eran los días en el que se les permitía ensayar. A comienzos de los años 90 y a petición de la discográfica cambiaron su nombre por el de Radiohead, como tributo a una canción de la banda Talking Heads con el mismo nombre, Radio head.






Fuente: quarterrockpress.com

Si eres de las personas que se sienten super tristes y lo primero que haces es poner canciones todavía más tristes... ¡te daremos una buen noticia!

Según un estudio publicado en la revista Scientific Reports, llorar cuando escuchas canciones tristes te puede provocar una sensación placentera, lo cual se supone que de alguna forma te puede ayudar a sentirte mejor.

Esto pasa porque, según demuestran los estudios, cuando lloras escuchando música triste tu cuerpo entra en un estado de relajación, motivo por el que te hace sentirte bien.


Así que ya sabes, la próxima vez que te pregunten por qué escuchas música triste, si estás triste, tendrás la posibilidad de decirles que está científicamente comprobado que esto va a contribuir a sentir mejor.

¿Pero cuál es tu canción triste favorita? ¡Nos gustaría conocerla! Te diré una de las mías...




Fuente: tuenlinea.com

La primera película donde hace aparición Michael Jackson, El Mago, en el papel de espantapájaros. Una edición musical de El Mago de Oz en la que también participaba Diana Ross, dirigida por Sidney Lumet en 1978. Siendo un musical, en la película se realizaban multitud de bailes y coreografías que Michael aprendía instantáneamente, le bastaba con ver una vez los movimientos de coreografía para que él los imitase perfectamente.

El inconveniente venía por parte de sus compañeros, que tardaban muchísimo más en aprender las coreografías y había una enorme diferencia entre el talento de Michael y el del resto, cosa que generó muchas tensiones en el conjunto hasta tal punto que el rodaje se hacía básicamente irrealizable. Vista esta circunstancia, la productora, pidió a Michael Jackson que bailara mal. Dicho esto, Michael empezó a cometer fallos a lo largo de los ensayos, motivo por el que el resto de los protagonistas se empezaron a sentir mejor, lo que posibilitó de nuevo el rodaje de la película.

A pesar de todo, observando la película podemos darnos cuenta de que Michael Jackson sobresale por encima de el resto de los participantes en el rodaje.




Fuente: sabiask.com

El tema Have You Ever Seen the Rain fue una canción escrita por John Fogerty incluida en el álbum Pendulum del año 1970, del conocido conjunto de rock Creedence Clearwater Revival.

La canción alcanzó el puesto número 8 en la lista de la Billboard Hot 100 en el año 1971 cuando fue lanzada como single. Muchos afirman que la letra de esta canción está basada sobre la guerra de Vietnam, que se refiere a la "lluvia" como una metáfora de las bombas que caían del cielo.

En este artículo podéis ver 21 vídeos de las distintas versiones que hicieron distintos cantantes y grupos. Sabemos que ha sido versionada por muchos más grupos de los que aquí te mostramos, aunque los vídeos que aquí puedes visualizar hemos considerado que son los más significativos.











































Esperamos tu opinión sobre la que a ti te parece mejor.


Más información: es.wikipedia.org

El tema original de la canción "Go West" fue grabada en 1979 por la banda Village People. Dicha canción no fue tan popular como otros sencillos del conjunto lanzados en ese tiempo, como "YMCA" o bien "In the Navy"; no obstante la canción fue un éxito de ventas cuando en 1993 el dueto de pop electrónico Pet Shop Boys grabó un cóver exacto de esta misma canción para su disco "Very".

La versión cantada por los Pet Shop Boys tuvo su origen en 1992, cuando Derek Jarman solicitó al duo que se presentasen en un acontecimiento de caridad contra el SIDA en el club nocturno de Manchester llamado La Haçienda, Chris Lowe miembro del dueto escogió "Go West" como la canción que interpretarían. Debido a que el vocalista Neil Tennant no pudo recordar la letra durante la presentación, los dos decidieron grabarla como un sencillo.

El tema original de la canción hecha por el dueto, y que fue programada para un lanzamiento anterior en 1992 como un sencillo no incluido en el álbum, jamás fue usada; tanto esta como un lado B inédito; "Forever in Love" fueron lanzados en la reedición extendida de la versión del 2001 de su álbum Very.

El lanzamiento final de este sencillo, en 1993 fue el segundo de Very y también incluía remixes de Brothers in Rhytm, Farley & Heller, Kevin Saunderson y Mark Stent; el nuevo lado-B "Shameless" fue incluido en el musical del conjunto, titulado "Closer to Heaven". El lanzamiento del sencillo fue editado en 1993 llegando al número dos en las listas de popularidad del Reino Unido, y al número uno en Alemania; en los dos países, llego a ser el sencillo de mayor popularidad del conjunto entre los años 1990 y 2000 (hasta el momento). "Go West" se transformó desde ese momento en la canción que de forma tradicional usan para la clausura de sus conciertos.


En lo que se refiere a la letra de la canción, el título de la canción se le atribuye a una oración del periodista y político estadounidense Horace Greeley, "Ve al Oeste, jovencito" (en inglés Go West, young man), en apoyo a la colonización del Oeste de Estados Unidos; de igual modo, "Go West" se comprende por norma general como una expresión del sentimiento popular que se tenía de la ciudad de San Francisco (E.E.U.U.) como una utopia del movimiento de Liberación Homosexual.

Cabe señalar que la versión original era sincera en lo que se refiere a su representación de una utopia a diferencia con la versión de los Pet Shop Boys, que leal a la característica de la banda, introdujo un subtexto inspirado por las consecuencias de la propagación mundial del SIDA en los años 80 y de qué forma esta había perjudicado la presunta utopia de su versión original.

Esta canción tiene la peculiaridad de ser acogida por entusiastas del fútbol en algunos países. Como ejemplo: en Argentina la hinchada de Rosario Central (club del que era hincha el Che Guevara) la entona bajo el titulo "Deseo que salgas vencedor". También en Inglaterra, se la adoptó para múltiples cantos, como el del equipo fútbol Arsenal; "One-nil to the Arsenal", o bien el de West Bromwich Albion; "Go West Bromwich Albion".

Hay una versión orquestada de "Go West" que fue tomada por la FIFA como el tema oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2006. Titulada "Stand Up! (Champions Theme)", cantada en los estadios al final de cada partido del campeonato e interpretada por el cantante Patrizio Franco Buanne.








Traducción al español:
Fuente: detrasdelacancion.blogspot.com

A lo largo de una entrevista en marzo de 1977 con Don Rush, para la gaceta Circus, Freddie Mercury dijo: "cuando muera me agradaría ser recordado como un músico con algún valor y sustancia"; y tal y como si lo hubiese decretado más que deseado, el vocalista y músico -quien el día de hoy cumpliría setenta años de edad–, se transformó en un distintivo de la música británica y un icono del rock.

Han pasado 7 décadas desde el instante en que Mercury vio la luz del sol por vez primera en Stone Town, Tanzania, y su legado como voz de Queen y a solas prosigue siendo motivo de emoción entre sus seguidores que año con año medran y quienes solicitan un tanto más de quien marcase una temporada en la música.

Con ocasión de su aniversario, el pasado viernes día dos se lanzó al mercado un estuche de compilación llamada Freddie Mercury: Messenger Of The Gods – The Singles en la que los seguidores del británico van a poder hallar veinticuatro sencillos -repartidos en trece discos- en formato de vinilo que van a tener un color distinto cada uno de ellos.


El estuche, que asimismo se puede lograr en formato de doble CD y digital, hace un recorrido desde el principio de su carrera cuando editó su primer sencillo "Can Hear Music", bajo el nombre de Larry Lurex, pasando por la etapa en la que la música disco lo tocó y creó ciertos temas más triunfantes de la década de los 80, como su cooperación con la vocalista de España de ópera Montserrat Caballé y la repercusión que le dejó su estancia en Barcelona, España.

Aparte de los discos -que tienen un costo aproximado de 118 Euros. (99 libras esterlinas) y que contendrán 2 canciones lanzadas de forma póstuma, igualmente tendra un booklet (librillo) en el que se seleccionaran una serie de fotografías, que nunca fueron publicadas, que muestran una parte de su vida en los clubes nocturnos de algunas ciudades alemanas como su historia de la niñez en Tanzania.

Asimismo como una parte de los festejos de lo que sería el aniversario 70 de Mercury, la página oficial de Queen anunció que este año la celebración oficial para festejarlo se haría en The Casino de la ciudad de Montreux, Suiza. El día 4 de este mes la celebración se realizó con una serie de actividades entre las que resaltaron los Queen The Studio Experience, sitio donde el coproductor y también ingeniero de sonido de la banda, Justin Shirley-Smith, compartió con el público ciertos tracks de mezclas de la agrupación y el cantante, como una ronda de preguntas y contestaciones entre los presentes.

La presentación de Queen Extravaganza, la banda tributo oficial de los británicos, interpretaron en su totalidad el álbum A Night At The Opera, aparte de ciertos temas tradicionales a solicitud de los entusiastas y al borde de la media noche las copas se levantaron para brindar por la vida de Freddie Mercury.


Nació un 5 de septiembre de 1946 bajo el nombre de Farrokh Bulsara en el protectorado británico de Zanzibar en la parte este de África, fue en esa zona del planeta donde Freddie Mercury empezó a tener contacto con la música.

A los 7 años comenzó con las clases de piano y un año después fue inscrito en el instituto para jóvenes St Peter’s School. Tan solo 4 años después el inquieto chaval formó en el instituto The Hectics, su primera banda musical, con la que empezó a hacer covers (interpretación (en directo, o una grabación) de una canción grabada previamente), de artistas como por ejemplo: Cliff Richard y Little Richard.

A los diecisiete años el vocalista y su familia salieron de Zanzibar a raíz del comienzo de la revolución y viajaron hasta Inglaterra donde se asentaron en la ciudad de Feltham. De ahí Mercury estudió arte en la ciudad de Londres y en el momento en que le dieron su diploma en Arte y Diseño Gráfico en Ealing Art College, se enroló en diferentes bandas.

Sería en el año 1970 cuando Freddie Mercury se une a Bryan May y Roger Taylor para formar una nueva banda a la que nombró Queen, y a propósito de la connotación gay que tendría el nombre en una banda de rock formada por 4 hombres, el vocalista declaró que esa era solo parte del conjunto.

A lo largo de veinte años que estuvo al frente de Queen, Mercury se transformó en una influencia determinante y también como inspiración para muchos artistas de generaciones posteriores, puesto que sus letras y la producción prácticamente teatral de todas y cada una de sus presentaciones le dio otra perspectiva a la forma de ofrecer la música a las masas. "Yo no seré una estrella del rock. Seré una leyenda", afirmó el británico en una entrevista en los inicios de los años 70... algo que cumplió y con creces.




Fuente:¿?

Corría el año 1902 cuando se grabó el primer disco de vinilo, con el fragmento 'Vesti la Giubba', de la ópera 'Pagliacci' (Payasos), con la voz del reconocido e internacional tenor italiano Enrico Caruso. Fue una innovación y un abrumador éxito, ya que se llegaron a vender hasta un millón de copias del mismo, una cifra que sería impensable hasta aquel entonces.

Para los que no le conozcáis, deciros que este tenor italiano llamado Enrico Caruso () es uno de los mejores cantantes de ópera de todos los tiempos. Con una voz potente y virtuosa y con una trayectoria sobradamente avalada por sus actuaciones en los recintos más renombrados del planeta, entre los que incluimos las 863 apariciones en el prestigioso Metropolitan Opera House de Nueva York.


Por su parte, 'Vesti la Giubba' es una de las piezas más populares de la ópera 'Pagliacci'. Este aria es un drama en dos actos y prólogo. Fue compuesta por Ruggero Leoncavallo (se estrenó el 21 de mayo de 1892 en el Teatro dal Verme de Milán) y narra las vivencias de un marido celoso y su mujer en una compañía teatral.

Sin lugar a dudas el vinilo, ha sido siempre el formato predilecto para los coleccionistas de la música. Su preeminencia fue siempre indiscutible hasta la aparición del cassette en el año 1966, y años más tarde fue el CD el que de algún modo consiguió dar sombra a su enorme popularidad.

Algo inimaginable

Entender la historia de la música sin el añorado vinilo. Este disco gramofónico, medio de almacenamiento del sonido analógico, no sólo sigue vivo en el recuerdo de varias generaciones de todo el mundo, sino que aún hoy en día acumula millones de seguidores que se resisten a sustituirlo por las nuevas tecnologías.

Fuente: ¿?

Fatuma binti Baraka era una criatura débil y seca de una edad ignota. Afirmaba que tenía más de cien años mas se comportaba como una adolescente rebelde a la que la crueldad de la vida real solo había hecho más fuerte.

Bi Kidude (apodo) murió en 2013 a la edad de 103 años. La voz de la historia de leyenda viva africana se apagó por siempre. A lo largo de prácticamente toda su vida vivió en Zanzíbar donde, allí por la década de los años veinte del pasado siglo, empezó a subir a los escenarios tras haber dejado la escuela coránica con apenas diez años.

Bi Kidude, apodo que significa "cosa pequeña", se pasó toda la vida, fumando cigarros, bebiendo y cantando. Su voz era tan intensa que ni tan siquiera precisaba un micrófono. Su presencia en el escenario, sin velo, como pocas se atrevían, apresaba al público mientras que tocaba un tambor prácticamente del mismo tamaño que su cuerpo.

Mas no solamente se ganó la fama como vocalista. Era una enorme sanadora con plantas y una especialista en unyago, ritual de iniciación femenina en la vida matrimonial tras la primera regla.

Tras ser redescubierta en los años 80, Bi Kidude comenzó múltiples giras por África y Europa acompañando al Culture Musical Club y al Mohammed Ilyas and the Twinkling Starts. En el año 2005 fue premiada en WOMEX por su contribución a la música y en 2006 el director de cine Andy Jones efectuó un reportaje titulado As old as my tongue sobre su vida.


No obstante, Bi Kidude vivió el instante más extraño de su vida prácticamente al final de esta. En 2012, un amigo de Zanzíbar contacto con Andy Jones: la legendaria vocalista había desaparecido sin dejar indicio.

Jones, no se lo pensó ni un momento. Con la cámara en mano se desplazó a las islas siguiendo la estela de su musa. Al poco tiempo descubrió que un hombre, llamado Baraka, que se hacía pasar por sobrino de la mujer, había secuestrado a Bi Kidude y la había mantenido de rehén en su casa.

La vocalista fue descubierta en un estado lamentable. Su edad y la situación la habían sumido en un pozo de sofocación del que jamás fue capaz de recobrarse. Bi Kidude murió a los poquitos meses.

Mas, ¿por qué razón fue secuestrada? ¿qué sucedió a lo largo de su cautiverio?

Meses ya antes de fallecer, Bi Kidude no vaciló en confesar: "La música es mi vida. Si dejo de cantar, ¿cómo quieren que yo sobreviva?".

Un reciente reportaje desvela el misterio de la historia de esta legendaria mujer africana llamada Fatuma binti Baraka, pero conocida por Bi Kidude...






Fuente: varias

Emulando una canción que Mecano le dedicó a Salvador Dalí: "los genios jamás deberían fallecer". Un enorme ejemplo de que esta oración se puede aplicar a ciertos personajes de nuestra historia es Freddie Mercury, vocalista de la banda británica de rock Queen, quien nos dejó precipitadamente en 1991 por dificultades con el SIDA.

Entre las cosas que nos enamoraban del artista británico era su voz. Única, incomparable y también inigualable. Da lo mismo cuántos músicos deseen imitar a Mercury, jamás va a estar a la altura: ninguno va a llegar a su tono y su estilo. Por este motivo, un conjunto de científicos austriacos, suecos y checos se planteó procurar descubrir cuál era el secreto de este genio rockero. Conforme explican en el estudio, publicado en la gaceta especializada Logopedia Foniatría Vocology, "Freddie Mercury fue entre los cantantes más populares del siglo XX de la música moderna comercial. Esta investigación ofrece un análisis acústico de la producción de su voz y la forma de canto, sobre la base de análisis perceptivo y cuantitativo de las grabaciones de sonido libres para el público".

De acuerdo a la explicación de los científicos Freddie era un profesor en el arte de modulación de la voz. Los resultados muestran que el vocalista británico recurría frecuentemente a "subarmónicos" por la vibración de sus pliegues ventriculares, una técnica que frecuentemente usan los vocalistas armónicos, difónicos o bien que se valen de su garganta para interpretar. "Perceptualmente variable (y normalmente más veloz) el vibrato de Freddie Mercury se escucha meridianamente en las notas sostenidas de canciones tan insignes como Bohemian Rhapsody o bien We Are the Champions (ver vídeo), y semeja que es entre los pilares esenciales de su estilo vocal, concluye la investigación.






Fuente: quo.es

Para los melómanos de las leyendas del rock, los próximas días serán para llenarse de nostalgia Musical, porque se lanzarán álbumes discográficos de gran manufactura con ediciones especiales, conciertos en vivo o bien que marcan el regreso de algunas bandas exitosas del pasado.

Asi que todos los sujetos entusiastas de la música y apasionados de este arte, estén listos para dedicarle un poco de tiempo y dinero. Comenzaremos con el grupo español Pimpinela, seguido de Day of the dead, Mudcrutch: 2, entre otros...


Pimpinela: Son todos iguales
Este disco incluye a múltiples invitados como el vocalista argentino Luciano Pereyra, quien canta el tema Si supiera ella de la autoría de Joaquín Galán. Compuesto por diez canciones, este disco tiene de todo; declaraciones de amor y los tradicionales enfrentamientos entre pareja, con sus reproches y sus ingeniosos remates.
Lanzamiento: ¿?.


Day of the dead
Day of the dead es el título de tres volúmenes con cincuenta y nueve canciones en un disco tributo a Grateful Dead, cuyas ventas serán destinadas a beneficio de Red Hot Organization para la ayuda de la cura del VIH y que se refrendará con un concierto en el Eaux Claires Music Festival en Wisconsin, E.E.U.U. En el disco participan nombres como Bill Callahan, Jim James, Stephen Malkmus, Bonnie “Prince” Billy, Sharon van Etten, The War on Drugs, The National, Wilco, Mumford and Sons, Kurt Vile, The Flaming Lips, The Walkmen, Converses Bradley, Lee Ranaldo, Lucinda Williams o bien Bob Weir entre otros.
Lanzamiento: 20 de mayo.


Mudcrutch: 2
Es el segundo álbum de Mudcrutch, capacitación con Tom Petty, Tom Leadon, Randall Marsh, Mike Campbell y Benmont Tench. El álbum consta de once canciones y traen consigo ritmos de rock, folk y otras que remiten al inconfundible sonido de The Heartbreakers.
Lanzamiento: 20 de mayo.


Bob Dylan: Fallen angels
Es el trigésimo séptimo álbum de Bob Dylan. Se trata del segundo homenaje que dedica a Frank Sinatra. Si en el precedente, Shadows in the Night, todos y cada uno de los temas tenían bastante en común, ya que habían sido interpretadas por Frank Sinatra, esta vez hay una salvedad, Skylark. La canciones hacen una fusión de country y jazz.
Lanzamiento: 20 de mayo.


Eric Clapton: I still do
I still do es el vigésimo tercer álbum de estudio de Eric Clapton. Ha vuelto a hacer equipo con el productor Glyn Johns, exactamente el mismo que estuvo tras tradicionales como Who’s next de The Who, el debut de Led Zeppelin y el propio Clapton en Slowhand de mil novecientos setenta y siete. El último que hicieron juntos fue Backless de mil novecientos setenta y ocho. La portada es un retrato del guitarrista hecho por Sir Peter Blake, conocido por haber diseñado nada menos que la tapa de Sgt. Pepper’s lonely hearts club band de The Beatles.
Lanzamiento: 20 de mayo.


Motörhead: Clean your clock
Es un álbum en riguroso directo de Motörhead, grabado a lo largo de 2 conciertos en el Zenith de Munich (Alemania). Tan solo unas semanas ya antes de la muerte de Lemmy Kilmister, Motörhead acabó lo que sería su última gira en la historia. Tras haber llevado a cabo el dilatado tour de la banda, han decidido editar un nuevo álbum en riguroso directo titulado Clean Your Clock, el que compila material grabado a lo largo de sus conciertos del veinte y veintiuno de noviembre en el Zenith de München, Alemania.

Auxiliar a los formatos tradicionales de CD y DVD, el material asimismo va a ser editado en Blu-Ray, una edición en vinilo y como es natural, streaming digital. Asimismo va a existir una versión del álbum que incluirá una medalla de la banda. Otra versión limitada va a salir a la vente y también incluirá 2 medallas en color plateado y dorada.
Lanzamiento: 27 de mayo.


Los Fantásticos Cadillacs: La salvación de Solo y Juan
Es una ópera rock de Los Fantásticos Cadillacs, un álbum de regreso. Tras 7 años sin componer juntos, lanzarán un nuevo álbum ideal del que ya se pueden percibir 4 temas: El espectro, La tormenta, No era para vos y Navidad. Como novedad, la tradicional integración de la banda se vio renovada por la entrada de Florián Fernández y Astor Cianciarulo, hijos de Vicentico y Flavio.
Lanzamiento: 27 de mayo.


Roxette: Good karma
El dueto sueco de pop rock, Roxette vuelve con nuevo disco, bajo el título Good karma, el décimo álbum de estudio. Su primer fácil lleva por nombre It Just Happens. El conjunto formado por la vocalista Marie Fredriksson y el vocalista y músico Per Gessle es considerado como entre los conjuntos suecos más esenciales y de mayor éxito, desde los tiempos de ABBA.
Roxette tuvo enorme éxito comercial en los años noventa; teniendo una pausa en la década de dos mil, puesto que sus cantantes Per Gessle y Marie Fredriksson, lanzaron discos solistas. En dos mil doce lanzaron su último disco.
Lanzamiento: 3 de junio.


Fuente: publimetro.com.mx/entretenimiento/8-lanzamientos-de-discos-cargados-de-nostalgia/mpep!KM6YPu7HHUVWI/

La Orquesta Mondragón, nace en 1976 a partir del espíritu de la movida madrileña y en torno a la personalidad del showman Javier Gurruchaga, considerada como una de las formaciones musicales pioneras en la fusión de la música y el teatro. La banda se mantenía en sus inicios sobre dos grandes pilares escénicos: el cantante, Javier, divertido, excéntrico y Popocho Ayestaran, cómico que sirviéndose solamente de la mímica convertía cada canción en un pequeño gag humorístico.

La banda lanzo su primer álbum en 1979 con el título de "Muñeca hincháble", tras una gira de conciertos a modo de precalentamiento con la que recorrieron todo el País Vasco, incluyendo el Colegio de los Ángeles, centro escolar en el que Javier estudió durante su infancia. Un año antes, en el 78, llegaron a Madrid tras establecer comunicación con el productor Julian Ruiz, el cual un año más tarde les conseguiría una grabación para la discográfica EMI, apareciendo de esta manera su primer disco que contó con unas excelentes criticas tanto del publico en general como de la prensa especializada. De este, su primer álbum se pueden extraer éxitos como el de "Ponte la peluca" o el tema de la "Muñeca hincháble".


En 1980 la Orquesta lanza su segundo trabajo, titulado "Bon Voyage", álbum que volvería a contar con la producción de Julian Ruiz y que sería la confirmación de la Orquesta de Gurruchaga en el panorama musical español, a este disco pertenecen temas como "Viaje con nosotros" o "Caperucita feroz". En 1982 graban la banda sonora de la película Besame tonta, película que Javier protagonizaría junto a Paola Dominguin, y que supuso su primera correría en el mundo del cine. La Orquesta continuo cosechando éxitos durante la década de los ochenta, sin en cambio, las dos entregas posteriores, "Cumpleaños Feliz" del año 1983, como "Es la guerra", perteneciente a 1984, no obtendrían los resultados esperados y durante la gira de 1985, Gurruchaga y su compañía de discos deciden hacer balance de esa primera etapa. Fruto de esa gira sacan el álbum "Rock & Roll Circus", trabajo en el que se incluyen muchas versiones de temas de esta ya legendaria Orquesta Mondragón.

En 1987 sale a la luz el que para muchos sería uno de sus mejores trabajos titulado "Ellos las prefieren gordas", nombre de la canción mas significativa del disco. La Orquesta deja el panorama musical hasta que en 1989 publican el disco "Una sonrisa, por favor", trabajo con el que se conseguirían vender mas de cincuenta mil copias. Después de los resultados obtenidos, Javier Gurruchaga decide aventurarse y probar suerte de nuevo sacando su primer disco en solitario en 1990, con el titulo de, "Música para camaleones". Sin embargo este disco no da los resultados esperados y dos años después Javier resucita de nuevo a la Orquesta Mondragón sacando el disco "El huevo de Colón", lanzamiento que coincide con la celebración del Quinto Centenario del descubrimiento de América. En 1995 editan el disco "Memorias de una vaca", título con el que realiza un repaso a algunos de sus mejores temas, interpretados en versión acústica a pesar de que el tema estrella es una versión de la canción "Imagine" del exbeatle John Lennon.

Durante los años posteriores, periodo comprendido entre los años 1996 y 1998 constituye un momento duro para Javier Gurruchaga, al verse éste implicado en el denominado caso Arny, del que, afortunadamente para el, queda absuelto. Tras estos difíciles momentos para el showman la siguiente entrega de la Mondragón aparece en el año 2000, titulándose, "Tómatelo con Calma", álbum en el que se combina una gran diversidad de estilos como el Rock, blues o la música ranchera. Paralelamente a esto Javier Gurruchaga continua trabajando en proyectos para la televisión y el teatro, como el homenaje emitido en enero del 2001 en el programa Bailando con Cugat de TVE al músico catalán Xavier Cugat o la adaptación teatral "Historia de un soldado", de Igor Stravinsky, junto a Nacha Guevara y Paquito de Rivera.


Habría que esperar hasta mayo del 2005 cuando la discográfica EMI, compañía que vio los mayores éxitos del grupo, sacó un nuevo CD llamado ¡Viva Mondragón!, disco que recopiló los temas mas recordados de la banda, incluyendo en él, cinco temas nuevos, entre los que destacaríamos "El blues de Don Quijote", en homenaje al personaje de Cervantes y "Dancing With the Wolf", una remezcla en versión discoteca del clásico "Caperucita feroz", CD que vendría acompañado de un DVD en el que se incluyen algunas de las más notorias actuaciones de la Orquesta Mondragón en TVE. A lo largo del 2006 realizan una gira por México, después de veinticinco años de su primera visita al país azteca. Fruto de esta nueva estancia en este país fue el disco "El despertar del lobo", publicado en el año 2008, disco que incluye algunos de sus mayores éxitos en México, así como nuevas versiones de algunos de los temas más clásicos de la Orquesta, grabados en esta ocasión en compañía de artistas mexicanos de la talla de Alejandra Guzmán, Liquits y Moderatto.


Durante los sucesivos años la Orquesta Mondragón continua trabajando en México ofreciendo una notoria cantidad de conciertos. En este último periodo Gurruchaga entra en contacto con figuras importantes de la música mexicana como Tiaré Scanda, Betsy Pecanins o Rafael Mendoza. Músicos que además de una nueva colaboración con Sara Montiel serán los que aporten el grueso del material para el ultimo disco de la Mondragón, titulado "El Maquinista de la General", álbum editado en 2010 y dedicado al padre de Javier, Vicente Gurruchaga, fallecido el año anterior.








Fuente: orqmondragon.webcindario.com

A los que nos gusta la música siempre tenemos algo por lo que discutir. Y en este artículo, veremos una pequeña lista de las canciones que tomaron otro formato para ser inmortales. Leelo y te sorprenderás.

En esta ocasión le toca el turno a los videoclips (o vídeo musical), esos cortometrajes realizados para su difusión en vídeo y televisión, ofreciéndonos un visual de una canción, al decir de una incipiente definición que podemos leer en Wikipedia.

Los vídeos musicales actuales se hacen y se utilizan principalmente como una manera de marketing, con la intención de promocionar la venta de los discos musicales, del propio grupo.

Hay infinidad de opiniones sobre cuál fue el primer videoclip de la historia, aunque lo cierto es que hasta que la MTV no irrumpió en el mundo de la música en 1981, era difícil encontrar un material grabado en algún canal de televisión.

La MTV, que hoy es un canal dedicado al reality show y con poca producción musical, fue el pionero en difundir estos trabajos cinematográficos. Tendencia que se fue trasladando a todo el mundo.


La primera curiosidad la encontramos con el tema “Killed the Radio Star (El vídeo mató a la estrella de la radio)”, tema grabado por el grupo británico The Buggles. Este videoclip, dirigido por Russell Mulcahy, se convirtió en algo histórico ya que fue el primer vídeo emitido por una cadena estadounidense, algo que sucedió un 1 de agosto de 1981. El motivo para la elección parece bastante obvia ya que la letra de la canción, al igual que las imágenes del clip, con radios estallando, hacen referencia a una vieja estrella de la radio que ve como sus días de gloria se acaban, debido al enorme auge del vídeo.


Aunque algunos afirman que realmente el primer videoclip de la historia fue "Rhapsodia Bohemia" de Queen, del año 1975. Vídeo que según aseguran los críticos, fue el primero que sentó las bases para la técnica del vídeoclip y su posterior dimensión comercial.

Sin embargo, para otros como esta página, TN, el video de los Beatles titulado "Strawberry Fields Forever" es considerado como el primer videoclip de la historia. Los Beatles ya habían filmado imágenes para "Rain" y para "Paperback writer", sin embargo este fue el primero que tuvo un significado conceptual. En el clip se utilizan técnicas muy avanzadas para aquellos años, como es la reproducción del vídeo al revés, el salto entre una escena de día y la misma de noche e imágenes psicodélicas. También podemos observar a los Beatles pintando un piano, vistos a través de luces de distintos colores.


Sin embargo, todavía hay más. Algunos seguidores del videoclip cuestionan todo lo mostrado anteriormente y dan por hecho que el primer videoclip de la historia pertenece al argentino Carlos Gardel con su tema "El Carretero". Según nos cuenta la historia, que dice que terminado el Primer Mundial de Fútbol, ganado por Uruguay a finales de 1930, Carlos Gardel grabó los primeros cortometrajes sonoros en sistema "phonofilm" (sistema ambulante de cine sonoro).


Fuente: mdzol.com

Salvatore Adamo nació en 1943 en Comiso (Sicilia). A lo largo de su toda su carrera artística, desde los grandes teatros hasta los salones de baile se ha podido disfrutar de la gran sencillez de sus canciones, teniendo un gran éxito comercial durante los años 1960 y 1970, principalmente en Europa y América Latina. Sus éxitos, han sido traducidos de manera internacional. Concretamente fue todo un ídolo de masas que encandiló a jovencitas como las Españolas con sus tiernas canciones de amor: Mis manos en tu cintura, Un mechón de tu cabello, Cae la nieve, Es mi vida, y un largo etc.

Su pasión para la música y calidad vocal teñida de emoción hicieron de Salvatore Adamo uno de los cantautores más acertados, poéticamente y comercialmente de Europa y del mundo entero. Sus influencias incluyen los versos de Víctor Hugo, la música de Jacques Prèvert, Georges Brassens, el tango y la lírica italiana "canzonette Italiane".

A la temprana edad de tres años, Adamo, emigró con sus padres desde Italia a Bélgica. Fue un estudiante brillante algo que le ayudo a evitar la industria del carbón -destino de muchos emigrantes en aquella época-, concentrándose en sus estudios académicos y musicales.

Adamo es una de las más grandes estrellas en el mundo musical de habla francesa, ha escrito libros de poesía, además de una novela, novela que obtuvo una positiva critica, la "cultura francófona" (Francia, Canadá, Bélgica) le ha conferido numerosas condecoraciones.

En los años sesenta y setenta, Adamo alcanzó su gran cumbre poética y comercial, vendiendo más de noventa millones de copias de sus álbumes alrededor del mundo. A finales de la década de los años 60 era el exclusivo músico que competía codo a codo con Los Beatles. Tenía el título de ser el artista que más discos vendió en todo el mundo, situándose entre los primeros puestos de las Listas de Éxitos, (en Japón donde todavía hoy en día es un ídolo a través de su canción "Tombe la neige" canción por la que permaneció durante 72 semanas en el primer puesto) bellísimas canciones como: La noche, Ella, Quiero, Dolce Paola, Vous permettez, Monsieur, Mi gran noche, Inch'Allah, Tombe la neige, Un mechón de tus cabellos, En bandolera, Tu nombre, Nuestra novela, Como siempre, Mis manos en tu cintura, Yo te ofrezco, Se combate en cualquier lugar, Era una linda flor, El anuncio, Una lágrima en las nubes, Pequeña Felicidad, Mi Actuación, Amor vuelve a mi, Y sobre el mar, Es mi vida, Después, Marie la mer, Junto a ti, Si fueras tú, Colinas de Rabiah, y así un largo etcetera...


En 1960, consigue gracias a 'Si j'osais', que Radio Luxembourg le proporcione la primera difusión de dicha canción. Acto seguido saca dos singles, uno en italiano para Philips Belgique, otro en inglés y uno más en italiano para la discográfica Polydor. Con la ayuda de Charles Aznavour (cantante, compositor y actor francés de origen armenio), Salvatore empieza a tener sus primeros artículos de prensa.

Desde su álbum de debut, "Vous Permettez, Monsieur", se transforma en una celebridad internacional (internationally-known), confirmando su enorme talento como autor, compositor e interprete, y de esta forma demuestra ser un artista completo.

En 1962 grava para EMI 'En blue jeans et blouson d'cuir et 'laissons dire'. Un año más tarde toda Bélgica descubre a su nuevo ídolo con la canción "Sans toi, ma mie".

Antes de iniciar su carrera internacional, actúa en el Estadio de Heysl (Bruselas) en presencia de la Familia Real de Belgica. A continuación empieza una gira por Turquía, Líbano, Canadá y Holanda.

En el año 1967, gracias al film 'Les Arnaud' recibe en el MIDEM de Cannes el premio al disco más vendido en Francia y Bélgica en el pasado año. A partir de este momento, Adamo empieza diferentes giras por distintos países como: Japón, Suramérica, África, los Países del Este y Rusia.

En 1983 Salvatore compone el tema "Les collines de Rabiah", inspirada en los acontecimientos acontecidos en el Líbano. Ocho años después recibe la Cruz del Orden de la Corona de Bélgica y en 1993 Adamo es nombrado Embajador de UNICEF. Después de realizar el espectáculo de gran éxito 'Adamo en sinfónico', celebra sus 30 años de carrera en Olimpia.

En 1998 saca un nuevo álbum con 14 nuevas canciones titulado "Regards", seguido de una gira de dos meses en Francia y de 24 conciertos en Francia, Bélgica y Alemania.


Su siguiente trabajo sale a la venta un 20 de febrero del 2001 con el nombre de "Par les temps qui courent" con el que empieza una nueva gira por Bélgica, Québec, Turquía, Francia y Alemania. Un año más tarde continua de gira por Hong Kong, Japón, Chile, Moscú y de nuevo, Francia y Bélgica; un año que se acabará cargado con el registro de un nuevo CD.

En el 2003, Adamo celebra sus 40 años de carrera musical, con un espectacular concierto, agradeciendo a todos aquellos que han seguido su recorrido musical, su camino y su carrera.

El 28 de Mayo 2004, Salvatore se ve obligado a parar su nueva gira debido una hemorragia cerebral que padece. Por suerte se recupera y vuelve a subir a los escenarios tras un año de descanso obligado, en el teatro de Mons (Bélgica) el 4 de mayo 2005. Puede decirse que recupero todas sus facultades quedando todo en un mal recuerdo.

Salvatore Adamo, es y ha sido uno de los grandes iconos de la música romántica, al igual que uno de los artistas más traducidos y versionados en todo el mundo. Su particular manera de cantarle al mundo, cándida, sencilla y directa para hablar de sentimientos universales – y en particular del amor – junto a su facilidad para traducir escenas de la vida cotidiana en poesía, le han servido, a este cantautor Ítalo – Belga, para ganarse el reconocimiento mundial a su gran aportación artística que nos ha dado a lo largo de su carrera.












Ángel Galán
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