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La primera aparición de Betty Boop fue en los dibujos animados "Dizzy Dishes" el 3 de agosto de 1930. Caricatura que protagonizo Bimbo, "Platos locos". Grim Natwick, fue el primer ilustrador que dibujo a Betty Boop, la cual no tenia un nombre oficial.

El ilustrador tomo como referencia para crear a Betty Boop, la portada de una partitura de una canción, donde figuraba una caricatura de la cantante Helen Kane.

Betty comenzó como una mezcla de humana y perro, nariz negra y orejas largas que le daban una apariencia canina.

Estas orejas con el tiempo se transformaron en sus característicos pendientes de argolla, en parte esto, por el hecho que los dibujantes de los estudios Fleischer, tenían el habido de cambiar los estilos de los personajes que dibujaban de una caricatura a otra, e incluso en la misma caricatura.

En la caricatura de 1931 "El gran bandido", la nariz de Betty, cambiaba de negro a blanco y otra vez a negro en la misma caricatura.

Su voz de bebe , muy aguda y sus rulos despeinados, fueron una imitación de Helen Kane.

Su primer protagónico en una caricatura, fue en "la educación de Betty" (1931) en esta caricatura es cuando se la llamo por primera vez Betty y se convirtió completamente en humana, sus orejas de perro fueron permanentemente pendientes de argolla. Con respecto a su famosa liga, Betty comenzó teniendo una en cada pierna, después, solo le quedo la de la pierna derecha, cuando ella se transformo en un personaje fijo en las caricaturas, sus características fueron siempre iguales, y oficialmente su liga se movió de la pierna derecha a la izquierda y allí se quedo.


Las caricaturas de Betty Boop terminaron en 1939, con "Yip, yip, Yippy". En los años que siguieron, ella apareció en reestrenos coloreados en televisión (1970), pero su real reaparición fue a finales de los 60 y principios de los 70, cuando sus caricaturas comenzaron a aparecer en muestras de trasnoche en los teatros de colegios de pueblo y también como parte de shows psicodélicos de luces.

Con esto ella volvió a ser nuevamente popular, con fanáticos que aumentaban día a día. En la década de 1990, se celebro su cumpleaños numero 60, lo que la hizo volver a la opinión publica nuevamente.

Para conmemorar el evento, el canal de cable A&E de los Estados Unidos, hizo una biografía de ella y de los Fleischer, y el canal de cable "Películas norteamericanas clásicas (AMC)", mostró varias de sus caricaturas.

Sus caricaturas están disponibles en cinta 8mm. De los estudios Películas Republic.


En 1934, Betty comenzó a aparecer en tiras cómicas graficas, dibujadas por Bud Counihan (que era el seudónimo de Max fleischer para estas graficas) Esta tira diaria, duro todo un año (1934/1935), después fue reeditada solo los Domingos hasta 1937.

En estas tiras cómicas graficas, aparecían con Betty Boop, un elenco de personajes regulares, los cuales, nunca aparecieron en las caricaturas de cine. Varios eran personajes masculinos, como "Van arruga" (un hombre de pelo oscuro con bastón y boquilla, Van arruga tenia un hermanito llamado Percy que era de la misma edad que Billy, el pequeño hermano de Betty). "Van Hart" (un rubio y "Val Velour" que aparecía mucho menos. Los personajes que mas aparecían en estas tiras cómicas graficas eran "Von Script" (el director de Betty), La tía Tillie (una mujer enorme, con un temperamento violento y tatuajes de anclas en sus antebrazos) y el hermano bebe de Betty, Billy, (cuando perdió la gorrita y comenzó a salirle pelo) Bubby o Bobby. Las tiras cómicas graficas, generalmente seguían las aventuras de Betty Boop como actriz, como también el trato con quien nunca se veía, pero siempre era nombrado como "El Jefe", de quien Betty y el director recibían las ordenes.

Pudgy aparecía en varias de las tiras graficas como un perro común, también llamado "Hugo" o "Spunky". También se mostraban las disputas por los contratos de Betty con sus abogados, un grupo de cuatro hombres con doble mentón, con lentes y calvos.


En 1932, Betty Boop se transformo en estrella de Fleischer, y Bimbo quedo relegado al rol de su compañero, y también se quedo como un perro, no tuvo ninguna modificación en su aspecto, incluso cuando ella cambio de perro a señorita humana. Otras estrellas que aparecían regularmente eran KO-KO el payaso y Pudgy, su perrito compañero (creado por Myron Waldman).

También aparecía Grampy en 10 caricaturas y el niño bonito Freddy, que estaba interesado en Betty, también aparecían otros animales personificados (muchos de los cuales, desaparecieron antes de 1934).

Solo una vez apareció con Betty Henry (el pequeño rey) y el pequeño Jimmy, todos tomados de las tiras cómicas graficas.

En asuntos románticos, Betty no se relaciono solo con Freddy, también con Bimbo (su novio oficial) y con KO-KO con menos frecuencia.

KO-KO, habitualmente, cuando cantaba, tenia la voz del músico y cantante negro norteamericano Cab Calloway.


La voz de Betty Boop, fue dada por Margie Hines, Kate Right, Bonnie Poe, Mae Questel y Annabell Little. Annabell fue la primera elegida, e hizo unos pocos capítulos, antes de comenzar a interpretar a Betty Boop en un acto de variedades en gira.

Mae Questel, gano en su adolescencia un concurso imitando a Helen Kane y fue contratada por Películas Paramount, quien tenia el contrato de Helen Kane para aparecer en la cadena de teatros RKO, para publicidad en 1931, Max Fleischer, vio a Mae y la invito a hacer la voz de Betty Boop, quien la hizo hasta 1939.

Muchas otras voces de estrellas aparecieron en las caricaturas de Betty Boop entre ellos Rudy Vallee (las memorias de Rudy Vallee), Louis Amstrong (I´ll be glad when you´re dead, you rascal you) (algo asi como me alegrare cuando mueras, esta en ti salvarte) y Cab Calloway en Minnie the Moocher, Blanca Nieves y el viejo de la montaña.


Distinto a los estudios Disney, los estudios Fleischer, el único competidor real en esa época, Fleischer usaba imágenes sexies y escenarios exóticos para poner los personajes de sus caricaturas.

En varias caricaturas Betty pierde la parte de arriba de su vestido (Algunos trapos-1932 y Pobre cenicienta- 1934) quedando al descubierto un pequeño corpiño sin breteles y en otras su falda se levanta (Caperucita roja mareada-1931 y Bill el granjero-1930).

También se puede ver un poquito de su busto al desnudo en Betty Boop logra la fama, cuando ella se coloca un traje Hawaiano de Hula, pero esto pasa muy rápidamente, la escena dura 1.24 segundos, en la misma escena, ella baila la danza Hula, con una estratégica guirnalda de flores llamada Lei, cubriendo su pecho.

En un par de caricaturas (Caso misterioso y el viejo de la montaña), Betty pierde su vestido completamente, pero esta convenientemente oculta detrás de un arbusto o en su cama.

Muchas veces se puede ver la curvilínea silueta de Betty Boop , a través de sus vestidos, cuando ella pasa delante de fuego o de otra fuente de luz. En 1935, en este tiempo en las comedias, las parejas de casados dormían en camas separadas, y Betty Boop era la nota desafinada para los censores. Por esto su falda fue alargada ya su vestido sin hombros, le fueron agregados, canesú entero y mangas cortas.

Gracias a que la censura se suavizo luego, hoy podemos ver a Betty Boop en todo su esplendor.


No todo fue vino y rosas para Betty Boop, en Abril de 1934, Helen Kane, la cual había sufrido una disminución drástica de su popularidad desde su debut en 1929, inicio acciones legales contra Max Fleischer y a Películas Paramount por 250.000 dólares americanos (una fortuna en los años 30), declarando que Betty Boop le había robado sus fanáticos. Max Fleischer dio testimonio, que Betty Boop no estaba basada en Helen kane (lo cual es completamente incierto, Kane fue una de las mayores inspiraciones al crear a Betty Boop con muchas características distintivas de Helen kane).

Cinco de las mujeres que hicieron la voz de Betty Boop, aparecieron en la corte para declarar que ellas no imitaban a Helen Kane cuando hacian la voz para Betty Boop. El juzgado vio varias caricaturas de Betty Boop para comparar con las películas de Helen Kane. Hubo testimonios que la frase "BOOP-OPP-A-DOOP" viene de mucho antes que Helen Kane fuera popular, un testigo declaro haber escuchado la frase incluida en una canción de Edith Griffith. El 2 de mayo, Películas Paramount, localizo un corto de otra cantante, Baby Esther, quien uso la misma frase en una canción en 1928.

Los primeros productos alusivos a Betty Boop fueron un éxito en las tiendas en 1934, decorando artículos con la imagen de Betty como abrigos, juegos de té , relojes de pulsera y muñecas.

Hoy en día, puede encontrar lo que sea con la imagen de Betty Boop, desde remeras y cortinas de baño, hasta pintura de uñas.

Una nueva línea de muñecas Betty Boop de la firma "Precious Kids" ha sido reeditada incluyendo algunas muñecas parlantes.

Sus caricaturas están disponibles en cinta de 8mm. Celebrando sus 60 años de vida ella se hizo popular en Europa y México, como también en otras partes alrededor del mundo.

Con sus grandes y redondos ojos, su boquita pequeña ella ha BOOP-OPP-A DOOPEADO su camino dentro de los corazones de miles, o mejor dicho de millones de personas en todo el mundo.

Betty Boop
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Fuente: devereaux.espacioblog.com/post/2007/12/03/la-historia-betty-boop

Esa es una frase que en más de una ocasión habremos oído. Y su significado no se nos escapa: es la noche donde no hemos podido descansar por uno u otro motivo.

Pero ¿De dónde procede la expresión? Como podéis imaginar, su origen es muy antiguo. De hecho son varias las teorías sobre el mismo. Una de ellas, de origen incierto, relaciona el dicho con los acontecimientos acaecidos en la ciudad en el año 797 (o quizás 807, la fecha varia según las fuentes), en que Amrú-ben Yusuf es nombrado gobernador de Toledo por Alhakén I (o Al-Hakam I), emir de Córdoba.

Recibida la orden de aplastar las sucesivas y reiteradas rebeliones de la ciudad, éste ideará una trampa en la que irán a parar buena parte de los más importantes personajes de la ciudad, y con el pretexto de una fiesta dichos personajes son invitados a la misma, y allí asesinados. Se habla de 400 a 700 muertos.

Sin embargo esta historia como origen de la frase tiene poca credibilidad. Así, según Gonzalo Correas Íñigo, () humanista, helenista, gramático, lexicógrafo, paremiólogo y ortógrafo español, en su libro Vokabulario de Refranes i Frases Proverbiales (1627) atribuye el origen a la costumbre de "las mozas toledanas, en la noche de San Juan, permanecían a la escucha de la primera palabra que oían en la calle a partir de las doce, pensando que con el que se nombrase se habían de casar".

Pero el origen considerado el más plausible es el que le atribuye Sebastián de Covarrubias y Orozco, () lexicógrafo, criptógrafo, capellán del rey Felipe II, canónigo de la catedral de Cuenca y escritor español, que en su Tesoro de la Lengua (1611) fija la proveniencia del dicho en el hecho de que los mosquitos que tiene el Tajo a su paso por Toledo, de gran tamaño, no dejan descansar a quien intenta dormir en verano, especialmente forasteros que desconocen las costumbres para evitarlos.


Fuente: archivo PDF

Me pareció una manera de ver la carga total del blog de una manera muy sencilla y elegante, además de ser bastante discreta pero vistosa al mismo tiempo, la podéis ver funcionando en este mismo blog, su configuración es super sencilla, con tan sólo tres códigos uno para darla estilo, otro sería el script y el último el div que hará la llamada.

Comencemos:

Entra en plantilla y expande artilugios, ahora encima de ]]>, pega estos estilos (CSS):

#load_barra {
position: fixed;
display: block;
z-index:999999;
top: 0px;
left: 0px;
background: #FF0000;    /* Color de fondo */
border-top:1px solid #0000FF;   /* Color superior */
border-bottom:1px solid #0000FF;    /* Color inferior */
border-right:1px solid #0000FF;    /* Color derecha */
width: 5%;
height: 4px;   /* Ancho del fondo */
border-top-right-radius: 3px;
border-bottom-right-radius: 3px;
}

Ahora encima de: , pega este script.



Y por último debajo de: , pega este div que hará la llamada.



Si quieres modificarla a tu gusto como por ejemplo darla más anchura y/o cambiarla los colores puedes hacerlo modificando los códigos marcados en azul (tabla de colores).

Una vez implantados los códigos haz vista previa y si todo funciona según lo esperado, puedes guardar plantilla.

Importante: antes de hacer cualquier modificación en tu plantilla haz una copia de la misma, por si surge cualquier problema que podamos restaurarla.

Algunas características:
* No afecta la velocidad de carga de tu blog.
* Compatible con distintos navegadores (Chrome, Firefox, Safari, IE, Opera, etc, etc).
* Da un estilo muy personal a tu blog.
* Múltiples configuraciones.


Fuente, modificación y personalización: Pedro PC

(Zanzíbar, 1946 - Londres, 1991) Vocalista, músico y compositor que fue conocido a escala internacional como líder de la banda de rock británica Queen, pero que también desarrolló una trayectoria paralela en solitario de innegable éxito.

Ni su verdadero nombre fue Freddie Mercury, ni llegó al mundo en el Reino Unido, el país que le vio triunfar. Se llamaba Farookh Bulsara y nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar (Tanzania), situada en la costa este de África y famosa por su producción de especias. Figura provocadora, versátil y carismática como pocas, su fallecimiento el 24 de noviembre de 1991 conmocionó al mundo de la música.

Farookh era un niño extraordinariamente guapo, tímido y muy apegado a su madre y a su hermana pequeña Kashmira, que había nacido en 1952. Sus padres, Jer y Bomi Bulsara, formaban un matrimonio de origen persa devoto del profeta Zoroastro, y decidieron enviar al niño a la India para que recibiera una buena educación. Allí quedó al cuidado de sus tíos y fue matriculado en la St. Peter's School, institución de enseñanza británica situada en Panchgani, a unas cincuenta millas de Bombay.

Muy interesado por los deportes, el joven Bulsara mostró buenas maneras como boxeador aunque, después de que su madre le animara a colgar los guantes porque resultaba una práctica demasiado violenta, cambió el ring por la mesa de ping pong y a los diez años ya era campeón escolar de la disciplina.

Como también en aquellos años de la infancia comenzó a despertar su afición por la música, siguió clases de piano e ingresó en el coro de la escuela. Convencido de sus tempranas habilidades musicales, fue el propio director del St. Peter's quien recomendó a los padres del joven que iniciara los estudios de piano. Durante este periodo de formación, el inquieto Farookh también empezó a demostrar ciertas aptitudes escénicas y participó en varias obras de teatro colegiales.

Muy pronto puso en pie su primer grupo musical, The Hectics, una banda amateur de rock and roll que prodigaba sus actuaciones en todas las fiestas y bailes del colegio. En esta formación, en la que ocupaba el puesto de pianista, le acompañaban Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani y Victory Rana. Las primeras influencias musicales de Farookh llegaron de la mística música hindú, de los sonidos clásicos y algo del rock and roll que por entonces se producía en otras partes del planeta. En aquella época, sus amigos del colegio comenzaron a llamarle Freddie, traducción más o menos fiel de Farookh al inglés, y, de hecho, el propio joven firmaba en ocasiones como Frederick.

Regresó a Zanzíbar en 1962 junto a su familia, pero un par de años después, los Bulsara decidieron emigrar al Reino Unido, para huir del estallido de violencia que sufría la isla. Curiosamente, Freddie jamás volvería a su tierra natal, ni tampoco a la India; una nueva etapa de su vida comenzaba entonces en una casa de Feltham (Middlesex), cerca de Londres.

Ingresó en el Isleworth Polythecnic y, durante las vacaciones, se empleaba en trabajos eventuales para ganar un dinero extra. Hacia 1966, Freddie era un alumno de la Ealing Art School, que estudiaba para convertirse en diseñador gráfico, aunque su interés por la música no había desaparecido. Abandonó su casa y alquiló un piso en Kensington junto a un compañero llamado Chris Smith.

Por entonces también trabó muy buena amistad con Tim Staffell, otro amigo de la Ealing que formaba parte de un grupo llamado Smile, en el que tocaban Brian May y Roger Taylor. Freddie se convirtió en seguidor y fan número uno de la banda. En 1969, dejó la escuela con su diploma en artes gráficas y diseño en el bolsillo y comenzó a compartir piso con Roger, con quien acudía a un puesto del mercadillo de Kensington para vender ropa y pinturas.

En el verano de ese mismo año, Freddie empezó a cantar en un grupo de Liverpool llamado Ibex, que se había trasladado a Londres buscando fama y éxito, pero que tuvo una efímera y complicada existencia. El 23 de agosto de 1969, Freddie debutó en público junto al trío formado por Mike Bersin, John Tupp Taylor y Mick Miffer Smith. Un mes más tarde, el grupo cambió de batería y de nombre. Miffer abandonó la formación y dejó su sitio a Richard Thompson, ex componente de 1984, la banda de Brian May.

Después de esta experiencia fallida, Freddie lo intentó en otra banda llamada Sour Milk Sea, con la que contactó gracias a un anuncio del Melody Maker en el que buscaban un vocalista. A finales de 1969, Freddie era el vocalista del grupo, en el que también estaban Chris Cheney y Jeremy Rubber Gallop a la guitarra, el bajista Paul Milan y el batería Rob Tyrell. Pero esta prometedora aventura tan sólo duró unos meses porque, en abril de 1970, Smile volvió a cruzarse en su trayectoria. Su viejo amigo Tim Staffell había decidido abandonar la formación y Roger y Brian le pidieron que fuera el vocalista del grupo.


Freddie insistió en renombrar a la banda y suya fue la idea de bautizarla como Queen. Al mismo tiempo, cambió su apellido artístico y se convirtió desde ese momento en Freddie Mercury. Tras las innovaciones, el trío probó con varios bajistas hasta que en 1971 se incorporó a la formación un personaje tranquilo y sosegado, John Deacon.

El logotipo, otra de las señas de identidad de Queen, fue también una creación del vocalista, que dejó patentes sus dotes como imaginativo diseñador. La imagen presentaba los cuatro signos del zodíaco de los miembros de la banda (dos leones por Roger y John, los dos leos del grupo, el cangrejo por el signo cáncer de Brian May y las ninfas que identificaban el signo virgo de Freddie) alrededor de una gigantesca Q y, sobre todo ello, el ave fénix, que saludaba el nacimiento del grupo de las cenizas de otras formaciones. También desde el primer momento fue Freddie el impulsor de la imagen visual de la formación, con su personalísima puesta en escena y su inconfundible vestuario. El resto pertenece a la historia de Queen.

Un hecho importante en la vida privada de Mercury tuvo lugar en 1970; fue entonces cuando conoció a Mary Austin, con quien convivió durante siete años y con quien conservaría una buena amistad hasta el momento de su muerte. Curiosamente, antes de que Queen editara su primer disco, Freddie lanzó en solitario un tema llamado I can hear music, bajo el nombre de Larry Lurex.

Casi una década después, cuando ya había paladeado las mieles del éxito con Queen, Mercury hizo realidad otro de sus sueños. Siempre había sido un apasionado de la danza y el 7 de octubre de 1979 actuó con el Royal Ballet, para interpretar y bailar Bohemian Rhapsody y Crazy little thing called love.

La vida de excesos derivada de la fama y el éxito fue una leyenda que acompañó inevitablemente a Freddie Mercury y sus fiestas fueron siempre sonadas, pero también se reconoció al músico por ser un gran amigo de sus amigos. Hacia finales de los setenta rompió su relación sentimental con Mary Austin y comenzaron a surgir rumores sobre su cambio de orientación sexual. Los comentarios arreciaban apoyados por el cambio radical de imagen que mostró el músico hacia 1980. Cortó al mínimo su larga cabellera y se dejó crecer un gran bigote, imitando la estética gay muy de moda en los bares de San Francisco y que fielmente habían reflejado los famosos Village People.

A finales de 1982, Queen hizo un paréntesis en su carrera y dio libertad a los miembros de la banda para que pusieran en marcha sus respectivos proyectos paralelos. Mercury alquiló los estudios Musicland de Munich y, junto al productor Mack, entró en ellos para grabar su primer álbum en solitario. Durante este período, conoció también a toda una leyenda en el mundo de la producción musical, el gran Giorgio Moroder, padre del "electro disco".

En aquellos días, Moroder trabajaba en la banda sonora de la versión restaurada de Metrópolis, película mítica dirigida por Fritz Lang, y le pidió a Freddie que colaborara en un tema; el resultado fue Love kills, compuesta por ambos e interpretada por Mercury. El single, el primero firmado en solitario como Freddie Mercury, salió al mercado el 10 de septiembre de 1984, logró un éxito importante y le sirvió como trampolín para su siguiente trabajo.

Pocos meses antes del lanzamiento del single se había producido otro encuentro casual en la vida de Mercury que derivaría, en el futuro, en una sorprendente colaboración musical. En el mes de mayo de 1983 asistió al Royal Opera House de Londres para ver una representación de Un ballo di maschera, del compositor italiano Giuseppe Verdi, y cuentan que quedó cautivado por la belleza de la voz de la diva catalana Monserrat Caballé.

El 9 de abril de 1985 llegó a las tiendas el adelanto de su primer disco de larga duración, el sencillo I was born to love you, y, tres semanas más tarde, se presentó el álbum Mr. Bad Guy, ambos editados por CBS Records. Los resultados comerciales fueron excelentes y el 13 de julio de ese mismo año los muchos seguidores de Mercury pudieron contemplar su memorable actuación durante el concierto Live Aid en el estadio de Wembley.

A comienzos de 1987, Freddie entró en los estudios Townhouse de Londres para grabar algunas canciones. De esas sesiones nació el remake de The great pretender, un gran tema que The Platters había popularizado años atrás. A la venta desde el 23 de febrero de ese año, el trabajo se anotó un nuevo éxito en la ya larga lista del triunfante músico.

Un mes después, Mercury voló a Barcelona para conocer personalmente a aquella diva del bel canto que le cautivó años atrás. Monserrat Caballé recibió con agrado una casete con algunos temas del polifacético Mercury e incluso llegó a interpretar uno de ellos en el Covent Garden londinense. Un mes más tarde, comenzaron a trabajar en la edición de su disco conjunto, y a finales de mayo, ambos cantaron en directo el tema Barcelona en la discoteca Ku de Ibiza. El 8 de octubre de 1988 repitieron actuación en el festival La Nit de la Ciudad Condal, excelente presentación para el álbum Barcelona que se editó dos días después.


Aquélla fue la última actuación en directo de Freddie Mercury. Aun sin anunciar la enfermedad, el deterioro de su estado físico era cada vez más evidente y Mercury se recluyó en su casa de Kensington, espaciando cada vez más sus apariciones. Ocultó su tragedia incluso a sus propios compañeros de grupo y tan sólo un día antes de su muerte anunció públicamente que desde 1986 padecía SIDA.

Murió en su cama a las siete de una fría tarde del día 24 de noviembre de 1991 como consecuencia de una neumonía que no pudo superar. Con tan sólo cuarenta y cinco años, el gran Freddie Mercury dijo adiós a la vida que tan intensamente había disfrutado y fue enterrado en una ceremonia íntima, conforme al rito Zoroastro.

La muerte de Mercury conmocionó el panorama mundial de la música y los homenajes se sucedieron uno tras otro. El 20 de abril de 1992 se celebró uno de los más emotivos en el Wembley Arena de Londres. Estrellas del firmamento pop y rock, como Elton John, Guns N' Roses, Seal, Metallica, David Bowie, Robert Plant, Roger Daltrey, George Michael y Liza Minnelli, se reunieron para rendir un cálido tributo al cantante desaparecido.

No obstante, sus seguidores recibieron el mejor regalo póstumo con la edición del Made in heaven de Queen, trabajo en el que pudieron escuchar las últimas canciones que Freddie compuso antes de morir. También en 1992 se editó The great pretender, un álbum en el que se mezclaba material de Mr. Bad Guy con algún tema inédito y alguna rareza de su discografía. En el año 2000 se desveló la intención de editar una mastodóntica recopilación de diez discos compactos, cuyo anticipo fue el triple Freedie Mercury Solo.

En septiembre de 2006, coincidiendo con el que sería el 60º cumpleaños del cantante, se llevaron a cabo varios homenajes, entre ellos una recopilación realizada por la discográfica EMI que, con el título de The very best of Freddie Mercury, hizo un repaso por la mejores canciones originales de Mercury, así como un segundo CD con rarezas y remezclas hechas por otros artistas.

Freddie Mercury, El rostro del SIDA

"Respondiendo a las informaciones y conjeturas que sobre mi han aparecido en la prensa desde hace dos semanas, deseo confirmar que he dado positivo en las pruebas del virus y que tengo el SIDA...
Es hora de que mis amigos y mis fans en todo el mundo conozcan la verdad, y deseo que todos se unan a mi, a mis médicos y a todos los que padecen esta terrible enfermedad para luchar contra ella."
Freddie Mercury (23-11-1991)

Aniversario

El mundo recuerda a la leyenda británica Freddie Mercury, voz y líder de la banda Queen, quien nació hace 67 años en Tanzania.

Fuente: biografiasyvidas

Mehmet Ali Agca, el hombre que en 1981 disparó contra el entonces Papa Juan Pablo II, aseguró que la autoría intelectual del atentado corresponde al propio Vaticano.

Agca aseguró, en una entrevista con el canal de televisión pública turca TRT, que el encargo de asesinar al Sumo Pontífice provino del entonces Secretario de Estado del Vaticano, Agustino Casaroli, quien habría dado la orden a través de una persona identificada como el "Padre Michele".


"Definitivamente, el Gobierno del Vaticano estuvo detrás del intento de asesinato. El cardenal Agustino Casaroli, el segundo hombre en el Vaticano, decidió esto", declaró Agca a la televisión estatal turca TRT. Sostuvo que Casaroli, por entonces secretario de Estado del Vaticano, se contactó con él a través de un sujeto al que identificó como el "Padre Michele". Esta vez, Agca descartó que la CIA estadounidense o el KGB soviético fueran los cerebros del ataque.


"Hice prácticas para el ataque junto con el Padre Michele y otro agente del Vaticano. Me reuní varias veces con él e, incluso, fuimos a la Plaza de San Pedro para planear el atentado", insistió el turco. Agregó que, cuando Juan Pablo II lo visitó en la cárcel dos años luego del fallido magnicidio, y que no le preguntó nada sobre la autoría del atentado, porque "sabía muy bien que el Vaticano estaba detrás de ello".

Juan Pablo II, de origen polaco, recibió tres impactos de bala de parte de Agca en la Plaza de San Pedro, cuando se desplazaba en un vehículo saludando a la multitud que allí se había reunido, el 13 de mayo de 1981. Las balas hirieron al Pontífice en una mano, un brazo y el abdomen.

Según Agca, durante la famosa visita que el Papa le hizo en 1983, en prisión, Juan Pablo II no le preguntó en ningún momento quién había estado detrás del fallido magnicidio, aunque Agca quedó con la impresión de que "sabía perfectamente que el Vaticano estaba detrás de ello".



Fuente: archivo PDF

Un anciano llamado Geppetto crea una marioneta de madera llamada Pinocho, deseando que ésta se convierta en un niño de verdad. El Hada Azul hace realidad el deseo de Geppetto y da vida a la marioneta, pero conservando su cuerpo de madera. Ahora Pepito Grillo deberá actuar como conciencia de Pinocho, para que lo aleje de los problemas y lo aconseje en situaciones difíciles, para conseguir que el muñeco se convierta en un niño de carne y hueso.


El cuento de Pinocho es la historia del alma humana en su viaje de evolución espiritual. Pinocho es creado bajo la influencia de dos personajes, uno masculino y otro femenino.

Es tallado por el carpintero Geppetto, y el Hada Azul le da vida. Al mismo tiempo, el Hada elige a un grillo llamado Pepito y le encomienda una misión: permanecer junto a Pinocho y ser su conciencia.

El mayor deseo de Geppetto es que Pinocho llegue a ser un niño de verdad. Y sabe que su deseo sólo puede hacerse realidad si Pinocho aprende y crece, por lo que lo envía a la escuela.

Pinocho sale por la puerta principal conducido por su padre, y lo hace cargado de propósitos, con el anhelo profundo de convertirse en algo superior: en un niño de verdad. Pero cuando sale al mundo surgen los problemas. Haciendo uso de su libertad recién descubierta, Pinocho toma algunas decisiones equivocadas, y sucumbe ante la tentación del orgullo. A pesar de las protestas de Pepito Grillo sigue a Juan el Honrado y se une a una compañía de circo.

En su representación teatral Pinocho recibe grandes aplausos, y está muy contento, pero después de la actuación lo encierran en una jaula.

El Hada Azul acude junto a él, preguntándole la causa de su encierro, y Pinocho intenta justificarse ante ella diciendo mentiras; pero con cada mentira que dice le crece la nariz. Entonces Pinocho descubre que el mal no puede ocultarse, y reconoce sus errores con honestidad, arrepintiéndose de ellos.

El Hada entonces le libera y recibe otra oportunidad. Pepito Grillo está decidido ayudar a Pinocho a no salirse del buen camino, pero tardan poco en presentarse nuevas tentaciones. Vuelve aparecer Juan el Honrado, que le invita a la Isla del Placer, un lugar donde los niños pueden divertirse todo el día y satisfacer todos sus deseos. Pinocho no puede resistir la atracción de viajar a la Isla y se une al grupo.

Y ocurre que cuando Pinocho y los demás niños llevan en la Isla demasiado tiempo, empiezan a convertirse en burros y a olvidarse incluso de hablar.

Pero Pinocho se da cuenta a tiempo. Cuando descubre que les están saliendo orejas y rabo de burro, se dirige a Pepito Grillo para pedirle ayuda. Esto le salva, porque Pepito Grillo sabe cómo puede escaparse de la Isla. En cuanto están libres empiezan a buscar a Geppetto. Pero vuelven a su casa y descubren que ha desaparecido; ha ido a buscar a Pinocho.

Pinocho recibe indicaciones sobre el paradero de su padre. Podrá encontrarlo en el fondo del mar, en el vientre de una gran ballena que se tragó la barca de Geppetto.

Cuando Pinocho y Pepito Grillo buscan a Geppetto en el mar, los traga la misma ballena. En el vientre de ésta tiene lugar una alegre reunión de Pinocho con su padre, pero pronto se dan cuenta que deben escaparse para seguir juntos a la luz del día y en tierra firme.

En el cuento, Pinocho tiene un plan. Se le ocurre un modo de escapar que requiere mucha fuerza y valor, y lo consigue. Pero cuando están en medio del mar, Geppetto parece que se va ahogar y Pinocho se sacrifica para salvarle.

Al volver Geppetto en sí en la playa, se encuentra a su lado el cuerpo sin vida de su hijo. Muy afectado se lo lleva a casa y lo deposita en la cama. Pero la acción de amor del niño, dando su vida por su padre, le ha hecho merecedor de ser un niño de verdad. Este resucita y se cumple así su destino; ser un niño verdadero.

El significado de la vida es que seguimos el proceso de reconocer nuestra verdadera naturaleza en Dios: Conscientes y co-creadores. Toda la clave para ello es el amor, la ofrenda desinteresada, que significa a su vez la renuncia al "yo" personal y egoísta. El propósito de la vida que compartimos todos los hombres es manifestar en lo finito lo infinito, llevar lo divino a lo humano, dar expresión individual a nuestras cualidades espirituales.

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Fuente: univision

Desde 1621 hasta 1863 se celebró esporádicamente y en distintas fechas, y por ser una celebración religiosa, algunos gobernadores consideraban que decretarla era interferencia estatal en la religión.

En 1789 George Washington, el primer presidente de la nueva nación, sugirió el 26 de noviembre como un día de agradecimiento a Dios, señalándolo así como el Día Nacional de Acción de Gracias.

En 1817 el estado de Nueva York adoptó la celebración anual del "Día de Acción de Gracias". A mediados del siglo 19 muchos otros estados ya celebraban el "Día de Acción de Gracias".

Muchos años después, el 3 de octubre de 1863 después de la larga y sangrienta Guerra Civil, Abraham Lincoln, proclamó por carta del congreso, un Día Nacional de Acción de Gracias, señalando El último jueves del mes de noviembre, como Día de Acción de Gracias.

Este día se celebra en las escuelas representando dramas con peregrinos, el barco Mayflower, y los indígenas y peregrinos cenando juntos.


Sección de Prensa y Cultura
Embajada de Estados Unidos en Bolivia
Fuente: archivo PDF

A menudo asociamos este término a las cámaras digitales o a la resolución de las imágenes. Entendemos que cuantos más megapíxeles tenga una imagen mayor es la calidad con la que cuenta. Pero, ¿sabemos lo que es?

Un pixel es la menor unidad en color que forma parte de una imagen digital, ya sea una fotografía, un fotograma de vídeo o un gráfico. El pixel es la abreviatura de Picture Element, y se puede observar al ampliar una imagen digital. Los pixeles aparecen como pequeños cuadrados o rectángulos en color, en blanco y negro o en matices de gris.

El número de colores o gamas de gris que son mostrados dependen del número de bits que representan un pixel. Así, en modo color de 8-bits, el monitor de color -cada pixel está compuesto por tres colores: ojo, azul y verde- utiliza 8 bits para cada pixel, permitiendo mostrar 2 elevado a 8 -256- colores diferentes o gamas de gris. Cuántos más bits se utilizan para representar un pixel, mayor es la resolución de una imagen.

Un megapíxel está compuesto por 1.048.576 píxeles y es comúnmente empleado para medir la resolución de las cámaras digitales.


Fuente: saberia.com/2010/10/que-es-un-pixel/

Los primeros aniversarios son de mucho antes que el cristianismo. Egipcios, griegos y romanos celebraban cumpleaños de dioses, nobles y gobernantes. Al ser una costumbre pagana, los cristianos no celebraron los cumpleaños hasta el siglo IV, e incluso el nacimiento de Jesús no se celebró por este motivo. Todavía hoy día existen religiones en las que no celebran los cumpleaños.

“Las varias costumbres que la gente observa hoy día al celebrar sus cumpleaños se remontan a mucho tiempo atrás en la historia. Nacen dentro del dominio de la magia y la religión. En la antigüedad, las costumbres de felicitar, dar regalos y hacer una fiesta  -con las velas encendidas que la completan- tenían el propósito de proteger de los demonios al que celebraba su cumpleaños, y de garantizar su seguridad durante el año entrante. Hasta el cuarto siglo, el cristianismo rechazó la celebración de los cumpleaños como una costumbre pagana.”

Con el ascenso del cristianismo, la tradición de celebrar los cumpleaños cesó por completo. Para los primeros seguidores de Cristo, oprimidos, perseguidos y martirizados por judíos y paganos, y que creían que los niños entraban en este mundo manchadas ya sus almas por el pecado original de Adán, el mundo era un lugar duro y cruel, en el que no había razón para celebrar el cumpleaños de nadie.

“La noción de una fiesta de cumpleaños era muy ajena a las ideas de los cristianos de este período en general.” (The History of the Christian Religion and Church, Duringthe Three First Centuries [La historia de la religión y la iglesia cristianas, durante los primeros tres siglos], Nueva York, 1848, por Augustus Neander, traducida al inglés por Henry John Rose; pág. 190.)

Los historiadores de la Iglesia interpretan muchas referencias cristianas primitivas a los aniversarios como el paso a la otra vida, el aniversario de un santo no es aquel en que nacieron en la carne, sino aquel en el que mueren. Había otra razón por la que los primeros Padres de la Iglesia predicaban contra la celebración de los cumpleaños. Ellos consideraban estas festividades, originadas entre egipcios y griegos, como reliquias de las prácticas paganas.



La costumbre de poner velas en una tarta se puede trazar hasta los tiempos de los griegos, cada 6º día del mes se ofertaban a la diosa Artemis (diosa de la caza y símbolo de fertilidad) unos pasteles de miel que se colocaban en el altar con velas encendidas.

Posteriormente el círculo de velas formaba parte de un ritual que protegía al homenajeado de los malos espíritus durante un año. Esto causó durante años que la Iglesia Católica considerase que la celebración del cumpleaños era un rito pagano. Fue hasta el siglo IV d.C. cuando se empezó a difundir la fiesta de la Navidad como cumpleaños de Cristo, el 25 de diciembre en occidente y el 6 de enero en oriente. Esto hizo que, con el tiempo, también los cristianos festejaran sus propios cumpleaños uniendose al de su Salvador (restos de este sentido cristiano del cumpleaños queda en una antigua tradición alemana que ponía en las tortas de cumpleaños la cantidad de velas que correspondían a la cantidad de años del cumpleañero más una vela grande que era la "luz de la vida" o la "luz de Cristo").


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¿Sé puede saber si una persona está mintiendo? A menos que sea muy malo, es difícil saber si la persona que tenemos frente a nosotros o nuestra pareja nos está diciendo la verdad o no. El psiquiatra del equipo de BienSimple.com, Marcelo Cubellun, entregó una serie de consejos para que logremos descubrir cuando alguien nos miente.

1. Mantente alerta a las contradicciones y conductas inconsistentes.
El experto recomienda hacer un “pantallazo” general de la persona que tienes en frente y así podrás descubrir si cae en contradicciones o inconsistencias. Además es importante fijarse en si las emociones que muestra se condicen con su discurso y estar atento a situaciones irregularidades de su conducta a medida que transcurre la conversación.

2. Analiza su discurso.
Cubellun aconseja buscar indicios de expresiones falsas o que consideres sospechosas, por ejemplo, las que se contradigan en detalles tontos, con contenido incoherente o interrupciones reiterativas. Además es importante mantenerse alerta si el interlocutor insiste con frases o palabras en torno a su honestidad como “francamente”, “sinceramente”, “confía en mí”, “yo jamás te mentiría”, etc.

3. Pon atención a los signos corporales.
Cuando alguien miente emite señales no verbales en las que debemos concentrarnos. Por ejemplo, si hay un ritmo de respiración agitado, transpiración, sonrojamiento del rostro, pequeños temblores, tartamudeo, si se rasca constantemente la nariz u otro signo de inseguridad, incomodidad o nerviosismo.

4. La mirada lo dice todo.
Una mirada franca siempre es directa. Si hay desviaciones o rodeos, si evita mirarte a la cara, pestañea demasiado, podrías estar frente a un mentiroso.

5. Realiza preguntas inesperadas.
Si hay un silencio sospechoso, preocúpate. Para detectar a alguien que te engaña, es importante cuestionar lo que te está diciendo y realizar preguntas inesperadas. Si notas que se demora en responder, comienza con rodeos o se enreda, probablemente está inventando otra mentira.

6. No interpretes gestos solitarios.
No interpretes cada gesto como un engaño. Si te obsesionas con analizar a cada persona con la que interactúas, podrías dañar tus relaciones. Sé precavido. Lo importante es hacer un sondeo general del individuo y no buscar expresiones aisladas y asumirlas como señal de una mentira.


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Muchas han sido las biografías que se han publicado, en un medio u otro, sobre la vida y la obra de Nino Bravo, un cantante que ha traspasado las fronteras del tiempo y el espacio para convertirse en un auténtico mito que cada día sigue más vivo que nunca.

En muchos de los escritos sobre su vida, la realidad del hombre se mezcla con la leyenda del mito. En ésta, su biografía oficial, se ha tratado de acercar la verdadera historia de Luis Manuel Ferri Llopis al lector de una forma objetiva, recurriendo a las fuentes más fidedignas para ofrecer una biografía correcta y sin errores. El presente texto es el fruto de muchas horas de conversación con músicos, amigos y familiares de Nino Bravo como Pepe Juesas, Consuelo Ferri, Amparo Martínez o Salvador Aranda.

Cuando Nino Bravo falleció, de forma repentina, a los 28 años de edad, ya había realizado un amplio recorrido por las experiencias que todo gran artista tiene en su haber. Había conquistado los primeros puestos de las listas, tanto españolas como hispanoamericanas, realizado multitudinarias giras, presentado a numerosos festivales, actuado en infinidad de ocasiones en la televisión...

La historia de Nino Bravo, la historia de uno de los mayores mitos de la canción moderna, se encuentra plasmada en esta biografía, dividida en tres intensos capítulos que separan épocas diferenciadas de su carrera artística.

Sus comienzos en Valencia, sus primeros grupos musicales, su éxito, la veneración por su tierra, el esfuerzo por triunfar, sus discos...


El 3 de agosto de 1944, en Aielo de Malferit, una pequeña población cercana a Valencia, nació Luis Manuel Ferri Llopis, futura figura del pop hispano. Su familia regresó a su vivienda de Valencia cuando él apenas contaba dos años. Se instalaron en el número 31 de la Calle Visitación, situada en el barrio de Sagunto. Su padre, llamado también Luis Manuel, se trasladó a la capital buscando nuevas oportunidades en su empleo como vendedor de seguros.

Tras una breve estancia en Carcagente, localidad en la que los dos pequeños Ferri reciben la Primera Comunión, la familia regresa a su domicilio valenciano. Desde muy tierna infancia, Luis Manuel (Manolito) muestra un carácter bastante tímido. En el barrio de Sagunto conoce a Vicente López, una persona que resultaría crucial en su futura carrera, y quien se convertiría posteriormente en el bajo de sus conjuntos. Vicente lo relacionó con sus amigos de la calle Visitación. Cuentan que una tarde, cuando Manolito apenas contaba con 15 años, cantó a pleno pulmón el tema 'Libero' de Domenico Modugno durante una visita a la casa campestre de su familia, sorprendiendo a amigos y familiares con su torrente de voz. Aunque en un principio el muchacho intenta restarle importancia al asunto, en su fuero interno sabía que le gustaba aquello, el repetir una canción y adaptarla a su estilo personal, sintiendo todas y cada una de sus palabras. Desde ese momento, Vicente y sus compañeros le dirían que "con tu voz hay que hacer algo más que hablar".

Entrada ya la adolescencia, Luis Manuel decide dejar sus estudios de bachillerato para trabajar de aprendiz en una joyería, propiedad de un viejo vasco amigo de su padre, cercana al Jardín Botánico de Valencia. Pero esto no supone una separación de la canción, pues todos sus ratos libres los dedica a su afición: cantar. El aprendiz de joyero progresa muy rápido, y pronto llega a oficial, para ser ascendido a pulidor de diamantes.

En otoño de 1961, Manolito forma el conjunto musical "Los Hispánicos" junto a Salvador Aranda y Félix Sánchez. Su primera actuación oficial sería en la Sociedad Coral "El Micalet", durante la presentación de su Fallera Mayor, y es entonces cuando fascina a todos sus conocidos con una maravillosa e impecable versión de "Only You", un tema de The Platters.

El éxito de la primera actuación de "Los Hispánicos" les abre las puertas para la contratación de más actuaciones, entre ellas la participación como grupo de relativa importancia en el Pabellón de la Juventud de la popular Feria de Julio valenciana. Su popularidad comienza a crecer en Valencia y alrededores, realizando actuaciones en Elche, Santa María del Campo Reus, Catarroja, Denia, Montaverrer, Játiva, Aielo de Malferit...

El conjunto de Luis Manuel, Salvador y Félix participa en el concurso radiofónico "Fiesta en España", patrocinado por una conocida marca de flan. Tras ganar la segunda fase regional, una injusta decisión del jurado les hace perder la final nacional frente a un rapsoda. "La mejor actuación ha sido la vuestra. No habéis ganado porque vosotros sois cuatro y el rapsoda uno, y sale mucho más barato hacerse cargo de la promoción de una persona", les comentaría el presentador del evento.

Es durante su etapa con "Los Hispánicos" cuando Luis Manuel se presenta por vez primera para obtener el carnet profesional de artista junto a sus compañeros de conjunto. El examen tendría lugar en el valenciano Teatro Alkázar frente a 8 examinadores del Sindicato del Espectáculo que, contra todo pronóstico, decidieron suspender a la que posteriormente se convertiría en una de las voces más importantes de la música pop española.

"Los Hispánicos" se disuelven en octubre de 1963, tras casi dos años de intensos éxitos. Salvador y Félix deciden labrarse un futuro profesional fuera de la música, pero Luis Manuel no cesa en su empeño de alcanzar su sueño y convertirse en un gran cantante. Así, con 19 años se incorpora al conjunto "Los Superson", en el que su gran amigo Vicente López ejerce como bajista. Salvador Pelejero a la batería, Saturnino Laredo como guitarra rítmica y Josep Bosch como guitarra solista completan la formación original. En un principio, Manolito comienza como sustituto de Carlos Lardíes, solista del grupo, pero pronto se convierte en miembro permanente. En 1964, Saturnino y Josep deciden no continuar con el conjunto, por lo que se incorporan los hermanos Pepe y Vicente Juesas (guitarra solista y teclados, respectivamente). Ese mismo verano, "Los Superson" actúan en la localidad costera de Benidorm, apasionando al público femenino con la cálida y sensual voz de su cantante.

En 1966, Luis Manuel es llamado a prestar el servicio militar en la marina de Cartagena. En esta época se hunde moralmente, e incluso llegó a escribir una carta a Vicente diciendo que "lo he pensado muy bien y esto de la música moderna, a pesar del dinero que ahorramos y de las fans, no es suficiente: yo nunca seré como Domenico Modugno, no cantaré más". Vicente comprende que estas líneas son consecuencia de la soledad vivida en el servicio militar. Lo que Luis Manuel necesitaba era una buena oportunidad...

Durante el servicio militar de Luis Manuel, Vicente contacta con un joven locutor de la emisora valenciana Radio Popular, y director de la revista "Mundo Musical", quien habla con el grupo para que acompañen a Toni Bernan, cantante del cual se ocupaba por aquel entonces, aunque Vicente le indica que sólo hasta que regresara el suyo, Luis Manuel. El locutor piensa que aún faltaban casi dos años para que regresara de la milicia, y en todo ese tiempo podrían pasar muchas cosas.

Al final logra imponerles como instrumentistas en la grabación del primer disco de Toni Bernan, en otoño de 1967, exigencia que acarreó más de un disgusto con el director de la discográfica Sayton, el fallecido Lluís Ferrer. Se llegaron a grabar dos canciones.

A su regreso de la mili, Luis Manuel decide darle una última oportunidad a la música. Vicente corre al Club donde el locutor pinchaba discos para decirle que su cantante ya había regresado. Debajo del brazo traía tres discos de los cantantes más conocidos del momento. "Vamos, Vicente, no irás a decirme que tu amigo canta como Tom Jones, Englebert Humperdinck o John Rowles...". Días después, tendría que tragarse sus palabras, ya que no cantaba como ellos, sino que lo hacía todavía mejor.

Un recién estrenado día de julio de 1968, frente a uno de los pabellones de la Feria de Julio, el contacto de Vicente López promete ocuparse de Nino, con la condición de escucharle primero en directo. Transcurridos unos días, consigue incribirle en el I Festival de Cantantes Noveles del Ayuntamiento de Vall D´uxó, con el nombre de Luis Manuel Ferri Llopis. En este festival surgió la primera discrepancia entre ellos, ya que Nino estaba ilusionado en cantar "Canzone per te", una canción italiana que iban a cantar otros dos concursantes antes que él. El locutor intenta disuadirle en vano. Cuando Luis Manuel salió al escenario, su ya manager queda tan maravillado por su voz que ni siquiera se fija en que no se clasifica para la final.

La siguiente cuestión era buscar un nombre artístico. El representante de Nino baraja miles de combinaciones distintas, hasta que un día de insomnio encuentra una perfecta: Nino Bravo. Luis Manuel daba la impresión de ser un duro pero si lo analizabas bien tenía un gran corazón. Era bravucón y, sin embargo, tierno... ¡ya lo tenía! Bravucón no, pero sí bravo. Nino Bravo.

Al día siguiente comunica la noticia a Luis Manuel. Al joven no parece agradarle el nombre: "Mira, lo de Nino no me parece mal pero lo de Bravo me suena a torero y no me gusta". Pasado un día, Luis vuelve con Vicente al despacho y le dice: "Sabes, ya me va gustando el nombre. Seré Nino Bravo".

El próximo objetivo del manager sería acudir a las compañías discográficas para que Nino firmara algún contrato. La primera en la que piensan es RCA, que andaba escasa de cantantes de producción propia. Ya en el edificio, Nino efectúa una prueba de voz acompañado por un piano. En palabras del propio representante, "su voz parecía envolver la séptima planta del rascacielos de la plaza de España". El manager pidió escuchar de nuevo la grabación, a lo cual se negó la asistente del departamento artístico, Julia Argerich. Muy enfadados, no dudan en coger un taxi y trasladarse hasta la avenida de América, donde se ubicaba la multinacional Fonogram.

Nada más llegar hablan con Luis Regatero, que se encontraba al frente de la editorial, el cual les recibe cordialmente. En cuestión de minutos se presenta allí el maestro Torregrosa, quien puso en un atril la partitura que le entregaron y efectuó la prueba de voz al piano. Luis Regatero y José Torregrosa se muestran interesados en el cantante, así que les dicen que podrían volver con el grupo y escucharle como si fuera en directo. Regatero quedó en que les llamaría en menos de una semana.

Manager y artista vuelven a Valencia. Allí, el manager de Nino inserta un anuncio en su mencionada revista, "Mundo Musical", donde le calificaba de espectacular, distinto, sensacional. Nino Bravo y Los Superson muy pronto en disco... Los músicos estaban de acuerdo en acudir a Madrid, y del transporte no había que preocuparse, pues les llevaría la misma furgoneta que les llevaba a las actuaciones.

La llamada de Fonogram no se hizo esperar más. Les daban fecha para grabar en el estudio grande. Y allá se marcharon. Ante sus ojos se abría un Madrid sorprendente. Al fin habían llegado a su destino. En los estudios de Fonogram les acogieron como si se tratara de artistas de la casa. Dentro del estudio, la prueba fue rápida y satisfizo a todos.

Aquella grabación iba a lanzar a la fama a un cantante que iba a sorprender y cautivar a los santones más influyentes de la radio, prensa y televisión, ya que la discográfica les entregó una cinta a cada uno sin referencia alguna con el objeto de que emitieran su juicio. Todos sin excepción coincidían en catalogar aquella voz como una de las mejores que habían escuchado en mucho tiempo.

Pasada la Navidad, el representante de Nino Bravo recibe una carta de RCA en la que se le comunicaba que en referencia a la prueba realizada en sus estudios por el cantante Nino Bravo, les era imposible incluirle en sus actividades discográficas. Lamentablemente, para la firma discográfica se convertía en algo más penoso, en la pérdida de cientos de millones por la incapacitación de su departamento artístico.

El 16 de marzo de 1969 se celebra en el Teatro Principal de Valencia la presentación oficial de Nino Bravo, organizada para impresionar aún más a los directivos de Fonogram. Hacia las diez de la mañana, la Calle de las Barcas era un hervidero de gente que se agolpaba a las puertas del teatro. Cuando se alzó el telón, los aplausos del público eran un clamor a los sones de la potente orquesta. Con traje impecablemente blanco y zapatos a tono, Nino conquistó al público desde la primera canción. Aunque todos los gastos de la presentación tuvieron que costearlos ellos mismos, el éxito fue tal que al día siguiente toda Valencia comentaba la actuación. La gente arrancaba los carteles que anunciaban la efeméride como recuerdo de aquel acontecimiento que sólo unos cientos tuvieron el privilegio de presenciar.

Después de ello, Nino Bravo firma su primer contrato discográfico. Aparte de un alto porcentaje de royalties solo comparado con Raphael, Nino cobraría gastos de desplazamiento y estancia mientras grababa o hacía promoción, más 5.000 pesetas por canción grabada.

A Fonogram le urge grabar el primer disco, para el que contrata a Manuel Alejandro, un prometedor compositor de Jerez que ya había trabajado anteriormente con Raphael.

Nino ya comenzaba a ser popular y, por consiguiente, tenía que viajar. La relación entre él y su manager funcionaba ya basada en el teléfono. A partir de entonces, su primer representante siguió la ascendente carrera de Nino apartado de él, sabiendo que ya no le necesitaría más. Fue a partir de 1970 cuando José Meri se convirtió en el manager de Nino Bravo...


En 1969, el dúo formado por Nino Bravo y el compositor Manuel Alejandro se estrenó con las grabaciones "Como todos" y "Es el viento", y presentó en 1970 "No debo pensar en ti" al Festival de Barcelona, aunque ninguna de las canciones tuvo muy buena acogida. Las relaciones entre Nino y Manuel Alejandro pronto se enfrían, pero esto no supone una ruptura. El cantante recibió muy buenos consejos por parte del compositor; Nino comenzó a crearse una propia personalidad y a vestir de otra manera.

En julio de 1970, Nino Bravo actúa en la III Olimpiada de la Canción de Atenas como representante español con el tema "El adiós", obteniendo el cuarto puesto del certamen

Este éxito en Grecia sirve para que los directivos de Televisión Española se fijen en él como posible candidato al Festival de Eurovisión. Nino, junto con cantantes tan populares como Karina, Junior, Rocío Jurado, Jaime Morey, Conchita Márquez Piquer, Encarnita Polo, Dova o Los Mismos, participa en "Pasaporte a Dublín", un programa televisivo en el que se pretende elegir al representante español en el eurofestival. Durante todo el otoño, los protagonistas del espacio musical interpretan cada semana un estilo musical distinto, y Nino muestra su versatilidad para cantar cualquier tipo de canción ante toda la audiencia española. Finalmente sería Karina la vencedora, obteniendo Nino Bravo el segundo puesto.

En octubre de 1970 participa en el IV Festival Internacional de la Canción de Río de Janeiro (Brasil) con el tema "Elizabeth", compuesto por el Dúo Dinámico. En esta ocasión queda nuevamente en cuarto lugar, pero promete volver en posteriores ediciones del festival para intentar conquistar el primer puesto.

Tras su participación en el programa "Pasaporte a Dublín", el disco más reciente de Nino comienza a adquirir una gran popularidad. El tema estrella del sencillo, "Te quiero te quiero", guarda una historia muy peculiar: Augusto Algueró, su compositor, se lo entregó a Lola Flores para la película "Kuma Ching", pero los productores del film cambian la letra original y lo titulan como "La niña ahogada". Ante esta alteración de la composición original, Algueró se la ofrece a Raphael, quien la graba. Por esta época, Raphael tuvo un disgusto con su discográfica y la grabación se archivó. Algueró se la entregó a Nino Bravo, quien la convirtió en éxito mundial y la incluyó en su primer LP. Posteriormente, Carmen Sevilla, esposa de Augusto, grabaría esta canción para una película.

Con su primer LP, titulado precisamente "Te quiero, te quiero", Nino cosecha un gran éxito, consiguiendo por fin auparse a lo más alto de las listas: su sueño se había hecho realidad. "Te quiero te quiero" fue un auténtico bombazo en todo el mundo de habla hispana y sus discos se vendieron por millares.

Pero Nino no cosechaba éxitos únicamente en el plano profesional, sino también en el personal. El 20 de abril de 1971 contrae matrimonio con María Amparo Esther Martínez Gil, una joven a la que conoció en la mítica discoteca valenciana "Victor's", y de la que quedó instantáneamente prendado. Aunque únicamente se invita al enlace a las personas más allegadas para evitar a la prensa, dos corresponsales de la revista "Mundo Joven" logran enterarse de la noticia e irrumpir en la iglesia para obtener su exclusiva.

Nino y Mª Amparo pasan unos días en Gullar, cerca de Zaragoza, antes de partir a Canarias, donde el cantante participa como artista invitado en el Festival del Atlántico. En mayo de 1971 también participa en el Festival de la Rosa de Oro de Montreux (Suiza), en el que interpreta los temas "Como todos", "Te quiero te quiero" y "Puerta de amor".

Una vez publicado su segundo álbum, realiza su primera gran gira latinoamérica, visitando la práctica totalidad de países: Colombia, Argentina, Venezuela, Argentina... En la mayoría es eufóricamente recibido y cosecha grandes éxitos.

Su llegada a Argentina fue sensacionalmente clamorosa, actuando en infinidad de shows televisivos de Canal 9. La anécdota de este viaje hubo de suceder en Bogotá (Colombia). Nino Bravo fue detenido en este país por culpa de una ley que obligaba a todos los artistas extranjeros a dar un concierto gratis en La Media Torta. El problema era que no sólo se obligaba a Nino a realizar la actuación, sino que debía pagar toda una orquesta, lo que suponía una importante pérdida económica. El asunto quedó zanjado tras pagar la multa impuesta por el gobierno colombiano. Dejando a un lado el incidente, Nino obtuvo un gran éxito en Sudamérica, tanto en sus actuaciones televisivas como en las galas que ofreció en el hotel Tequendama.

También en 1971 lanza otra de sus grandes canciones: "Noelia", un tema pop dramático compuesto por Augusto Algueró a la medida de la voz de Nino Bravo y en el que puede lucir sus tremendas facultades en el momento de mayor intensidad de la canción. El éxito del tema es tal que, tras publicarse la canción, hubo una auténtica explosión de bautizos con el nombre de Noelia.

El 24 de enero de 1972, la vida vuelve a sonreír al cantante valenciano: nace su primera hija, a la que bautizan con el mismo nombre que su madre, Amparo. Nino, hombre familiar por encima de todo, adora a su hija y no es difícil verle compartir juegos y caricias con la pequeña "nana", como él suele llamarla. El bautizo se realiza en la Iglesia Castrense de Santo Domingo (Valencia).

A principios de 1972 aparece el que sería el tercer LP de Nino Bravo, titulado "Un beso y una flor". De carácter marcadamente romántico, se trata de su álbum más personal hasta la fecha. El gran éxito que cosecha este nuevo disco propicia una nueva gira al otro lado del Atlántico, a la vez que se anuncian sus actuaciones por toda España.

Es en octubre de este mismo año cuando decide presentarse al V Festival Internacional de la Canción de Río de Janeiro. En su segunda incursión en este festival brasileño, Nino Bravo defiende "Mi tierra" como nunca antes lo había hecho, llega hasta la final, empata a puntos con el cantante David Clayton Thomas y... un "tongo" en la decisión del jurado le arrebata el premio. Al haber empatado con el representante estadounidense, el juez americano (que debía desempatar) tendría que haber otorgado a Nino su voto al estar prohibido votar al representante de su propio país. La injusticia hizo mella en Nino Bravo, que juraría no volver a participar en ningún otro festival.

A su vuelta a España se publica "Mi tierra", el cuarto LP de Nino Bravo que grabó antes de partir al Festival de Río. Este nuevo disco contiene el hit "Libre", gracias al cual termina 1972 en lo más alto de las listas de éxitos. Aunque Nino Bravo no tuvo ninguna intención política al grabar esta canción, algunos regímenes latinoamericanos adoptaron el tema como uno de sus himnos. Y es que cada cual entiende las canciones a su manera...

A finales de 1972, Los Superson acompañan por vez primera a Nino en un viaje al extranjero. Sería concretamente a Méjico, donde el intérprete de "Libre" realizaría algunas galas y grabaría varios programas para la televisión del país.

Nino Bravo comienza 1973 inmerso en la grabación del que sería su quinto álbum de estudio. Se traslada a Inglaterra para grabar la voz y la música a los temas que compondrían este nuevo LP. En marzo realiza una apoteósica gala en las valencianas festividades falleras. El Parador '73 se convirtió, sin que nadie lo supiera, en el escenario de la última actuación de Nino Bravo en su amada Valencia. Aquella noche, que muchos recuerdan con lágrimas en los ojos, el suelo acabó tapizado por rosas arrojadas por sus admiradores mientras el cantante interpretaba, por primera y única vez, el Himno Regional de Valencia.


Si de algo hizo gala Nino Bravo en sus intensos años de carrera artística, fue de valencianía. Siempre se negó a fijar su residencia en Madrid y abandonar su querida Valencia, a pesar de que ello supondría luchar más para alcanzar el éxito. Uno de sus sueños fue la creación de “Julio Verne”, una sala de fiestas en Valencia que constituyera una plataforma para dar a conocer a los artistas autóctonos. Su compromiso con los cantantes valencianos también se ponía de manifiesto cuando hablaba de fundar un estudio de grabación en Valencia para que los artistas de la tierra no tuvieran que trasladarse a la capital del país. Nino Bravo siempre pensaba en ayudar a los demás. En ello estaba cuando encontró la muerte, un funesto 16 de abril de 1973, en una aciaga carretera de Villarrubio. Se dirigía a Madrid con su guitarrista, Pepe Juesas, y el Dúo Humo, formado por Fernando Romero y Miguel Ciaurriz, para producir el primer disco de este nuevo conjunto valenciano. Quería convertirse en su padrino artístico porque había visto en ellos a unos “nuevos Beatles”. Nino murió como había vivido: ayudando a los demás. Más de 10.000 personas acudieron a su entierro. Habían transcurrido tres años desde su primera y su última grabación y en ellos había conseguido una intensa colección de éxitos.

Nino Bravo quiso potenciar el talento valenciano, y eso hizo promocionando al Dúo Humo. Esta relación surgió de una manera espontánea y altruista, por parte de Nino. Deseaba hacer lo que nadie había hecho por él y para ello no escatimó ningún tipo de gastos: el mejor fotógrafo, la mejor boutique, el mejor arreglista, el mejor estudio...

El gran compositor José Luis Armenteros dijo en una ocasión: "Vi a Nino por última vez en Barcelona cuando le entregaron su también último trofeo, el Olé de la Canción". Tras esto, Nino Bravo se iría a descansar a Canarias y realizaría su apoteósica actuación en el Parador '73 ya comentada.

Dentro de los proyectos de Nino Bravo estaban los de realizar una gira por Latinoamérica a mediados de junio de ese año, así como viajar a Tokyo para promocionar sus discos en el continente asiático. Nino también quería realizar un LP dedicado a América, tierra de la que contínuamente decía que era "el futuro del mundo". Este último deseo lo cumplió, pues justo antes de fallecer dejó diez temas grabados que se recopilaron en un LP titulado "... Y vol. 5", que contenía el gran éxito "América, América". Este disco también contenía el único tema en el que Nino Bravo participó como compositor. En un principio se lo quiso dedicar a su esposa, pero finalmente la letra fue alterada para lograr una bella y armoniosa canción, "Vivir".

Poco meses después de su fallecimiento, Nino conseguía un récord al vender más de 90.000 copias de su disco póstumo, “América América”, antes de salir a la venta. En septiembre de 1973, la Plaza de Toros de Valencia acogería un concurrido homenaje al cantante con figuras de la talla de Bruno Lomas, Julio Iglesias, Manolo Escobar, Formula V… El 27 de noviembre de 1973 nacería Eva María Ferri Martínez, la segunda hija de Nino Bravo, que nunca llegó a conocer a su padre.

En los últimos años, la figura de Nino Bravo ha resurgido con más fuerza que nunca en el panorama musical. Prueba de ello son las más de un millón de copias que vendieron los dos discos de duetos producidos en los 90, el musical sobre su vida que recorre España y Latinoamérica, la refundación de su Club de Fans Oficial, la apertura de su propio museo en Aielo de Malferit, la realización de un gran homenaje del Valencia C.F., las seis calles con las que cuenta en España y la reciente publicación de un disco en el que artistas como David Bisbal, Marta Sánchez, Luis Fonsi o Paulina Rubio rinden homenaje al inmortal cantante (y que en apenas unas semanas se convirtió en disco de platino).

Y es que, al fin y al cabo, Nino Bravo aún vive: en el corazón de miles y miles de personas que le recuerdan y admiran cada día.














Fuente: ninobravo.net

El castillo de Cardona, de estilo románico y gótico, está considerado como una de las fortalezas medievales más importantes de cataluña. En octubre de 2010 se convirtió en el primer parador-museo de cataluña. Construido por el conde de Barcelona Wilfredo el velloso a finales del siglo IX, el castillo de Cardona vivió sus años dorados en el siglo XV. Las minas de sal dieron un gran poder al recinto y a sus habitantes: los duques de Cardona fueron la familia más importante de la corona catalano-aragonesa después de la casa Real y popularmente se les llamaba «los reyes sin corona». La forma y posición del castillo, situado en lo alto de una colina que domina el valle salino y el río cardener, lo convirtieron en un baluarte inexpugnable. De hecho, fue uno de los últimos reductos en rendirse a las tropas de Felipe V en 1714.


Como todos los lugares emblemáticos, el castillo de cardona está lleno de historias y leyendas populares, una de ellas cuenta que Adalés, hija de unos condes de Cardona, fue encerrada en la torre más alta del castillo por sus padres, quienes se oponían a los amores de la joven con un noble sarraceno. A la torre (una de las joyas del castillo, junto con la preciosa colegiata de San Vicente), se la conoce actualmente como torre de la Minyona (torre de la doncella) en honor a esta triste historia de amor. Otra leyenda cuenta que en una de las habitaciones del castillo habita un fantasma… ¡Y es la más solicitada del Parador!.


Enlace externo: El parador de Cardona, misterio en la 712
Revista Club Torres
Fuente: archivo PDF

La ira, expresada apropiadamente, es una emoción saludable. Sin embargo, mucha gente maneja la ira suprimiéndola demasiado o expresándola de una manera hostil. Si usted creció en una familia donde no era "bueno" tener iras o donde la ira era usada para controlar otros miembros de la familia, cualquier señal de antagonismo posiblemente hace que usted se ponga nervioso o nerviosa. Usted teme que pueda perder control si a usted le da iras, de manera que se le hace difícil expresar iras de manera constructiva. Este peligroso patrón de comportamiento puede conducir a problemas de salud como dolores de cabeza, hipertensión, problemas Gastrointestinales, ansiedad o depresión. El expresar ira de una manera explosiva está al otro extremo del espectro. El explotar o el culpar a otros es contra productivo si quiere encontrar una solución a cualquier problema.

El expresarse de una manera firme, pero no agresiva, es la manera más saludable para poder manejar la ira. Su meta debería ser aprender como expresar clara y directamente sus preocupaciones y necesidades, sin herir a otros o sin tratar de infundir miedo sobre ellos. La ira incontrolable es un comportamiento aprendido que necesita ser cambiado. Consulte a un especialista en esta área para recibir ayuda. Mientras tanto, los siguientes consejos lo pueden ayudar:


* Tómese un respiro. Aunque suene simplista, el contar hasta diez y salir del cuarto ayuda a restaurar la paz. Cálmese respirando profundamente y con pensamientos positivos sobre usted mismo.

* Use técnicas de relajación. Respire profunda y rítmicamente mientras relaja sus músculos, un grupo cada vez, y visualizando una escena placentera.

* Repítase declaraciones que lo calmen. Frases reiteradas positivas dichas a usted mismo como: “Mantén la calma,” “Estoy enojado, pero lo puedo controlar,” o “no debo dejar que esto me moleste.”

* Haga ejercicios aeróbicos. Salga a caminar o a andar en bicicleta. Juegue basketball o levante pesas.

* Use el humor para aliviar la tensión. Piense en una historia o chiste jocoso. Imagínese a usted o a la persona con la que usted está con coraje en una situación ridícula.

* Mantenga un diario de iras. Identifique los tipos de situaciones que provocan su ira y registre sus reacciones.

* Hable con un amigo comprensivo o con su esposa/o, con su médico o terapeuta. El ser capaz de hablar sobre sus frustraciones puede ayudarlo a desactivar su ira. El decir, "estoy furioso; o "estoy tan enojado que podría…" lo ayudará. No espere que su interlocutor resuelva su problema, pero considérese con suerte de tener alguien que le permita desfogar.

* Perdone a la otra persona. Reconozca que no es realista esperar que todos se comporten de la manera que usted desea. Visualice deshacerse de la ira e imagínese que en usted existen sentimientos de quietud y calma.


Achieving Wellness
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