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Los términos o conceptos más buscados este 2012 en Google reflejan a las claras la crisis financiera y la necesidad de las personas de conseguir un empleo y salir adelante.

Google reveló los términos más buscados y de mayor crecimiento en 2012. En España, particularmente, fueron, entre otros: prima de riesgo, la reforma laboral, Andrea Fabra, el Servicio Público de Empleo, Santiago Carrillo, Instagram y la canción Gangnam Style.

También figuraron entre los más buscados cómo ganar dinero, cómo ahorrar o cómo encontrar trabajo lo que refleja claramente el sentir y las necesidades de nuestra sociedad en este período de crisis y alto nivel de paro, según publico el sitio 20minutos.es

Prima de riesgo, reforma laboral 2012 y Gangnam Style fue lo más buscado por los españoles. No obstante, lo más popular fue Bankia.

La imagen más buscada fue la de Pokémon, flores, fondos de pantalla, paisajes, Cristiano Ronaldo, Mario Casas, Selena Gómez, corazones, tatuajes y Samsung Galaxy. En materia cinematográfica, "Ted" fue lo más solicitado aunque también indagaron sobre "Lo imposible 2 y "Carmina o Revienta".

En televisión, lo más popular fue "Gran Hermano", el programa "Gandía Shore" y "La Voz". Y, en literatura, "Juego de Tronos", "50 Sombras de Grey" o "Misión Olvido". Los deportistas que despertaron más interés en los internautas fueron Sergio Ramos, Fernando Torres y Gerard y en lo que respecta a clubes el Sevilla, el Barcelona y el Valencia. En política, lo más buscado fue Mariano Rajoy, Andrea Fabra o Santiago Carrillo. Whitney Houston, Paula Echevarría, Adele, Michel Telo, Esperanza Aguirre, Dani Montesinos, Manolo Preciado, María de Villota, Andrea Fabra y Manuel Fraga fueron los personajes cuyas búsquedas tuvieron un mayor crecimiento en 2012.


Universia España
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Se llama Annie Hawkins Turner, mejor conocida por su seudónimo de Norma Stitz, mostró sus atractivos físicos talla XXXXL, que pesan casi 50 kilos, haciendo que ella entre en el libro Guinness de los récords por los senos más grandes y pesados.


A sus 52 años de edad, ha sido constantemente fastidiada, desde que su busto comenzó a crecer cuando tenía nueve años. Annie, de Atlanta, Georgia, siempre pensó que era una chica normal, hasta que sentaba en el salón de clases y no cabía en el pupitre.



Diario El Periodiquito
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El 17 de diciembre de 1903, los hermanos Wright, Wilbur y Orville pasaron a formar parte de nuestra historia realizando, lo que hoy en día se considera, el primer vuelo a motor tripulado de la historia.

Entusiasmo, inteligencia y prudencia fueron algunas de las virtudes que les acompañaron en su camino, cosa que queda reflejada en su método de trabajo, preciso y conciso, que consistió en aprender de los errores. De este modo, y empezando con una cometa, seguida de una sucesión de tres planeadores consiguieron sus primeros logros. La culminación de estos fue el Flyer de 1903. Cada uno se construyó a partir del anterior, siempre investigando a conciencia para corregir errores y añadir mejoras.

El Flyer de 1903 tenía 12,29 metros de envergadura, 6,43 metros de fuselaje y un peso de 225 kilos. Equipado con un motor de 12 CV y un sistema de mandos, tuvo capacidad para despegar, volar ascendentemente y además a voluntad del piloto, objetivos que se habían propuesto alcanzar los hermanos y que hicieron realidad el 17 de diciembre de 1903.

Dos de las geniales ideas que tuvieron los Wright fueron, por un lado, investigar en un túnel de viento de fabricación propia y, por otro, dotar al Flyer de tres ejes de movimiento y no sólo dos como se venia haciendo hasta entonces. Evidentemente, todo aparato volador debía estar dotado de un timón de profundidad, para poder ascender y descender; y un timón de dirección, para poder girar a derecha y a izquierda. Pero, además, los Wright diseñaron unas alas con la capacidad de torsionarse que permitían alabear el aparato, de modo que el Flyer también podía inclinarse hacia un lado o al otro, de la misma forma que lo hacen las bicicletas o los pájaros cuando quieren girar. Combinando los dos movimientos de giro, dirección y alabeo, dotaban al Flyer con la capacidad de hacer giros suaves y cerrados a la vez.

Después de tal hazaña, que ha merecido un rincón en las páginas de nuestra historia, los Wright siguieron trabajando y perfeccionando el modelo de 1903, haciéndolo más seguro y con la capacidad de hacer vuelos cada vez más largos. Pero lo más increíble seguirá siendo que dos mecánicos de bicicletas, sin más estudios que los de la escuela primaria, lograran en tan sólo cuatro años solucionar el problema del vuelo que tantas vidas antes había consumido.

La gran hazaña de estos dos estadounidenses consistió en lograr con éxito el primer vuelo propulsado y controlado de la Historia en un aeroplano con motor, un hecho que, junto con las mejoras posteriores que consiguieron los Wright, significó un enorme impulso para el desarrollo del transporte aéreo.


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Extraído de: Réplica del aeroplano Wright 1903 FLYER
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Varios textos romanos antiguos describen el asesinato de Julio César, ocurrido en el año 44 a.C en la Curia de Pompeyo, un hecho, fruto del complot de un grupo de senadores para eliminar al general, que desembocaría en la formación del segundo triunvirato y en el estallido final de las guerras civiles.

Ahora, dos mil cincuenta y seis años después, un equipo del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) de España ha descubierto el punto donde cayó asesinado el militar, informó la institución en un comunicado.

Una estructura de hormigón de tres metros de ancho por más de dos de alto colocada por orden de Augusto, hijo adoptivo y sucesor de Julio César, para condenar el asesinato dio la clave a los científicos.

Este hallazgo confirma que el Cesar fue apuñalado justo en el centro del fondo de la Curia de Pompeyo, mientras presidía la reunión del Senado.

Actualmente, los restos de este edificio se encuentran ubicados en el área arqueológica de Torre Argentina, en pleno centro histórico de la capital italiana.

"Siempre se supo que Julio César fue asesinado en la Curia de Pompeyo el 15 de marzo del 44 a.C., porque los textos clásicos así nos lo transmiten, pero hasta ahora no se había recuperado ningún testimonio material de este hecho, tantas veces representado en la pintura historicista y en el cine", explicó el investigador del CSIC Antonio Monterroso.

Las fuentes clásicas aluden a la clausura, años después del asesinato, de la Curia, un lugar que pasaría a convertirse en una capilla-memoria.


"Sabemos con seguridad que el lugar donde Julio César presidió aquella sesión del Senado y donde cayó apuñalado se clausuró con una estructura rectangular organizada conforme a cuatro muros que delimitan un relleno de hormigón. Lo que desconocemos es si esta clausura supuso también que el edificio dejara de ser completamente accesible", aclara el científico.

En Torre Argentina, además de la Curia de Pompeyo, los investigadores comenzaron a estudiar los restos del Pórtico de las Cien Columnas (Hecatostylon).

El objetivo es conocer qué vías de conexión se pueden establecer entre la arqueología, la historia del arte y el cine en estos espacios de la muerte de Julio César.

"También pretendemos entender mejor ese sentido de clausura y lugar funesto que describen los textos clásicos", añadió Monterroso.

Los dos edificios forman parte del complejo monumental de unos 54 mil metros cuadrados que Pompeyo Magno, uno de los más grandes militares de la historia de Roma, construyó en la capital para conmemorar sus triunfos militares en Oriente hacia el año 55 a. C.

"Es muy atractivo, en sentido cívico y ciudadano, que miles de personas tomen hoy el autobús y el tranvía justo al lado de donde hace dos mil cincuenta y seis años fue apuñalado Julio César, o que incluso vayan al teatro, pues el principal de la capital, el Teatro Argentina, se encuentra muy cerca igualmente", según Monterroso.

El proyecto, con una duración de tres años, cuenta con la colaboración de la Sovraintendenza ai Beni Culturali del Comune di Roma, la Escuela Española de Historia y Arqueología del CSIC en Roma, y el Ministerio de Economía y Competitividad español.


EFE
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Si bien no está del todo claro el origen exacto de la Capoeira, la hipótesis siguiente es la más extendida: A principios de del siglo XVI, cuando los portugueses comienzan a llevar esclavos africanos importados de sus colonias africanas (Angola, Mozambique, Congo, etc) hacia las nuevas tierras conquistadas en América. El resultado es que más de cuatro millones de esclavos son obligados a soportar intensas jornadas de trabajo en los campos de caña de azúcar, privados de su libertad y sometidos por sus capataces a duros castigos corporales.

Es aquí donde la Capoeira hace sus primeras apariciones, convirtiéndose poco a poco en el patrimonio exclusivo del negro. Como dice Luiz Renato Veira en su libro O jogo da Capoeira: -"La dominación del blanco, colono, ejercida por la palabra y reforzada por el látigo, provoca que el negro, esclavo, haga de la Capoeira su lenguaje privado de oposición y revolución"-


Ya sea desarrollada exclusivamente por el negro esclavo o con la influencia determinante del aborigen, pero siempre como necesidad de La liberación, nace La Capoeira. Encontramos aquí el primer componente expresivo de este arte: "respuesta a la opresión".

El segundo, mucho más claro y elaborado, es el camuflaje que utilizan los esclavos para que no se sospeche que se preparan para la lucha. Es aquí donde aparece el disfraz de danza gestual, ya que si bien se representa un baile acompañado de cánticos y tambores (siempre presentes en su cultura) la realidad marcial está presente, de modo que el diálogo corporal está servido.

Posteriormente la Capoeira se va infiltrando en la cultura brasileña; participa de la lucha cuerpo a cuerpo en la guerra contra Paraguay, colabora en los atropellos e intimidaciones de la vida política de la época, y finalmente se confunde con la delincuencia por lo que es prohibida y perseguida. Gracias a Manoel Dos Reis Machado "Mestre Bimba", es aceptada por las autoridades normalizada y reconvertida en baluarte de la cultura popular de Brasil.


El desarrollo pormenorizado de esta historia nos llevaría mucho tiempo y por otra parte no es eso lo que nos interesa en este caso. Lo que sí nos ocupa es el desarrollo de La Capoeira como tal y su particularidad con respecto a otras artes marciales.

Desde su movimiento más básico, "la ginga", la Capoeira se presenta como un arte marcial coordinado con una lucha casi pactada en sus movimientos de ataque, defensa y contraataque. Aunque lo real y a la vez sorprendente es que todo es improvisación.

Pero esta improvisación se va a realizar dentro de un marco de referencia que da al espectador una sensación de coreografía, con dos personas que entrelazan sus movimientos con cadencia, ritmo y espectacularidad.




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Actividad Física y Expresión Corporal
Silvio Barberis Orozco
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La costumbre del Belén es muy antigua y proviene de la veneración a las reliquias del pesebre de Jesús, traídas a Roma desde Belén, si bien las características de algunos personajes como los pastores, los magos o Herodes provienen de las representaciones teatrales navideñas. A esto se añade la presencia de los signos que señalan el cumplimiento de las profecías sobre el nacimiento del Mesías o salvador de los judíos ("el buey", "la mula", la estrella, etc.), y las indicaciones derivadas de algunas visiones místicas.

Según los expertos, las primeras expresiones gráficas de nacimientos se hallan en las catacumbas romanas de Priscila en el siglo II. Hay una en la que se hace referencia al nacimiento de Jesús de forma directa, y muestra pintada una escena de la Virgen María sosteniendo en brazos al niño Jesús. Incluso en otras catacumbas, de los siglos III y IV, se pueden observar escenas de la Epifanía, con los Reyes Magos.

La tradición popular actual del belén, pesebre o nacimiento es mucho más reciente. Parece que fue San Francisco de Asís quien realizó la primera representación en Greccio. Después, Santa Clara la difundió por los conventos franciscanos de Italia y posteriormente la propia difusión de la orden contribuyó a la extensión del pesebre representado por seres vivos o figuras.


Desde el siglo XIII hasta el XVI, las representaciones del Misterio quedan prácticamente limitadas por los muros de los conventos, primando en ellas su contenido religioso sobre la belleza artística de la obra.

Los siglos XVI y XVII aportan unos antecedentes dignos de tener en cuenta y que abonarán el terreno para su explosivo florecimiento en el siglo XVIII, a partir del cual la costumbre arraiga profundamente, ayudando la mejora en el estilo de vida a que las gentes tengan tiempo y ánimos para disfrutar del arte, una vez que han visto cubiertas sus necesidades más primordiales. Con figuras labradas hacia 1480, el llamado "Belén de Jesús" de Palma de Mallorca documentado en el siglo XVI, es el más antiguo de España, por lo que también pudiera ser el más antiguo en uso de la Cristiandad. Sus autores son los Alamanno, familia que realizó varios de los primeros belenes en Nápoles, perteneciente por entonces a la Corona de Aragón.

Así pues, durante el XVI y XVII podemos distinguir dos escuelas perfectamente diferenciadas: castellana y andaluza, aunque es a partir del XVII cuando la figura exenta cobra importancia, ya que durante el siglo anterior el tema se trata, casi exclusivamente, en retablos. Como retablistas podemos mencionar a Alonso Berruguete y Diego de Siloé, en la castellana; siendo Juan Martínez Montañés quien mejor representa la andaluza. En cuanto a figuras exentas, tenemos a Fray Eugenio Gutiérrez de Torices, en la zona centro; destacando José Risueño, Pedro Duque Cornejo y Luisa Roldán "La Roldana", en Andalucía.

Las figuras del fraile mercedario Eugenio Gutiérrez de Torices, tienen la peculiaridad de la materia empleada en su confección: la cera. Les confiere ésta una finura y transparencia que las hace exquisitas y, a pesar de ser figuras de vestir, como las napolitanas, no admiten comparación, ya que los colores de de sus vestidos cortesanos, confeccionados en tela y papel, también son pálidos, como desvaídos, en contraposición con las de Nápoles que son modelos tomados del pueblo, con sanos colores en las mejillas y abigarrada espectacularidad en el vestir. En el Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid podemos admirar algunas de ellas, dispuestas en pequeños escenarios independientes (dentro de un mueblo relicario), representando seis escenas de la vida de María: Desposorios, Anunciación, Visitación, Adoración de los Pastores, Adoración de los Magos y Huida a Egipto.

Con respecto a los maestros andaluces de la época mencionaremos las preciosas figuras de barro representando al Niño Jesús en brazos de María o de San José, del granadino José Risueño; las de Pedro Duque Cornejo, de gran tamaño, algunas de las cuales se conservan en el Museo Nacional de Artes Decorativas; y, por último, las de Luisa Roldán "La Roldana", cuya obra se encuentra repartida por distintos museos, como el de Artes Decorativas de Madrid, Museo Arqueológico de Bilbao, e Hispanic Society of America, de Nueva York.


El Belén en España alcanza su auge y esplendor durante el siglo XVIII con la subida al trono español de Carlos III, las figuras procedente de Nápoles marcarán la pauta a seguir por los artistas españoles.

Decide el Rey continuar en España la costumbre, adquirida en Italia, de instalar durante la Navidad un belén en Palacio. Para ello, encarga al escultor valenciano José Esteve Bonet la confección de unas figuras que completen las que trae de Nápoles y que deberán ser de su misma hechura para no desdecir del conjunto; empezándose así el llamado "Belén del Príncipe", obra que continuaría más tarde el también valenciano José Ginés.

Los nobles de la Corte imitan rápidamente al Rey, y la moda se extiende, primero entre la aristocracia y, más tarde, entre la burguesía y el pueblo llano, que la hacen suya cuando artesanos más modestos la ponen a su alcance económico, perdiendo con ello las figuras calidad artística pero ganando popularidad.

En este siglo XVIII, aparte de los mencionados José Esteve Bonet y José Ginés, debemos destacar al catalán Ramón Andreu que, hijo de alfarero, aprende desde niño a trabajar el barro, prestándole a las figuras ese realismo tan propio de su región, situando junto a unos Magos cargados de lujo y majestad, unos paupérrimos pastores de remendadas ropas; creando escuela por su técnica y buen hacer.

Es obvio añadir que la representación por excelencia del arte belenístico en España, durante el siglo XVIII, la ostenta Francisco Salzillo, A lo largo del siglo XIX, la abundancia de excelente material, procedente del XVIII, hace que la producción artística se paralice algo, quedando prácticamente en manos de pequeños artesanos el privilegio de mantener un ritmo mínimo de fabricación, teniendo que llegar la segunda mitad del siglo XX para que, nuevamente, resurja con fuerza este arte, compitiendo escultores de gran talla en mejorar su obra belenística.

El belén tradicional se parece muy poco al actual, pues es simbólico en vez de realista, tiene las figuras a distintas escalas, según su importancia, y dos planos, el celeste y el terrestre. Se acompañaba por aparatos diversos de iluminación, velas y candiles, y podía contener elementos que hoy resultan extraños como conchas y caracoles, animales salvajes, ermitaños, Adán y Eva, símbolos de la pasión, la cuna- catafalco, etc., todo ello de acuerdo con las ideas que se querían trasmitir, ideas que indicaban el comienzo de una nueva era, la de la Redención, y que Jesús Niño había nacido para morir por todos. Por ello, el belén recibía ofrendas y era el eje de una intensa vida espiritual, de canciones, danzas y representaciones.

En Andalucía aún pueden verse hermosas imágenes que sirvieron a los grandes belenes del barroco, cuya complejidad era enorme y se manifiesta en belenes fijos como el del coro alto del monasterio de Santa Paula, en Sevilla, similar a otros españoles, portugueses y de la América hispana.


Posteriormente, el mundo simbólico del belén tradicional fue olvidado, sustituyéndose por el belén costumbrista o pintoresco, cuya más conocida manifestación es el Napolitano de figuras de maniquí, propias del siglo XVIII, con algunos ejemplos traídos por los Borbones españoles, que no alcanzaron el favor popular. El propio "Belén del Príncipe" se realizó a medias entre escultores italianos y españoles, quienes preferían esculpir figuras completas.

En el siglo XIX se puso de moda el orientalismo, gracias a los viajeros románticos por Oriente Medio y Egipto, decantándose después por representaciones realistas, pero más árabes y beduinas que propias de la Judea del siglo I bajo la ocupación romana.

El tamaño de las figuras de un belén depende del gusto de quien lo realiza, llegando incluso a ser de tamaño natural, si bien lo más general es que sean pequeñitas para poder montarlo en una sala o habitación del hogar. Este elemento invoca la fe de la familia y respondía a la originalidad de los encargados en montarlo.

Se hace uso de musgos para recrear los montes, utilizando trapos o cajas de cartón para dotar al belén de una orografía accidentada, papel de plata para simular riachuelos, y hojas y flores para hacer todo ello más natural. En ocasiones se recubre con harinas a modo de nieve. Las figuras principales se disponen en el portal, con el pesebre y completando todos los demás personajes, a excepción de la imagen del recién nacido que se reserva hasta la noche del 24 al 25 de diciembre y la de los Reyes Magos que se sitúan en escena en posición de viaje según el paso de los días navideños, hasta llegar el día de Reyes en que se simula su llegada al portal en posición de ofrenda y adoración al Niño Dios.

Hoy se ha extendido la elaboración de escenas fijas en cajones (los llamados dioramas), así como el belén de embocadura, mientras que en las casas pueden aún encontrarse belenes realizados con papel, corcho, vegetación del lugar y otras técnicas tradicionales.


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Hace cuatrocientos años apareció un libro con el siguiente título en latín: Artis auriferae quatn chetniatn vocant (Del arte de hacer oro, lo que se llama química). Este título circunscribe los afanes de los químicos de siglos pasados, a quienes se llamaba alquimistas: fabricar oro.

Los alquimistas sabían que las «materias naturales», como los metales, no se pueden fabricar artificialmente. Pero, al parecer, se podían transformar. Como quiera que siempre fracasaban los experimentos, se pusieron a buscar una fuerza misteriosa, un ingrediente que promoviera una transformación del metal vulgar, convirtiéndolo en metal noble, en oro. Esta fuerza, buscada desde hace siglos y no encontrada todavía, era la piedra filosofal, llamada lápiz philosophorutn en el lenguaje especializado. Sólo con su ayuda se podría conseguir la «transmutación».

Los principios de la alquimia se remontan a la Antigüedad, y se pierden en las tinieblas de la mística y la mitología. Entre los egipcios ya fue un arte y una ciencia misteriosa. Sobre ello nos informan numerosos papiros. Hermes Trismegistos, el «tres veces grande», fue considerado como el fundador de todas las artes y ciencias. ¿Era la idea personificada de la fuerza e idéntico a Thot, la antigua divinidad egipcia? No sería extraño, pues la alquimia fue considerada como un arte sagrado y divino.

Se hicieron visibles las influencias de otros pueblos. Los astrólogos de Babilonia mezclaron la alquimia con la astrología y la magia, y las correlaciones que existieron durante siglos entre el sol, los planetas y los metales son de origen babilónico.

Durante la Edad Media la alquimia fue una curiosa mezcla de conocimientos químicos empíricos, magia, astrología y teología. Pero la idea del ennoblecimiento de los metales siempre aparecía en un primer plano. Ernst von Meyer dice al respecto: «Durante siglos existió tal convicción de que esto se podía realizar que casi todos los que dedicaron sus fuerzas a la química, además de muchos otros no profesionales, se esforzaron por conseguir este objetivo tan anhelado. El aditamento de las insensateces astrológicas y cabalísticas a los esfuerzos alquimistas permite reconocer claramente el grado de degeneración a que llegaron los no profesionales.»


Los alquimistas se habían dado cuenta de que algunos metales podían ser mezclados con otros, de forma que aparecían aleaciones, como por ejemplo la del bronce. Sin embargo, no creían en los metales elementales. En su opinión, los metales «puros» no eran más que mezclas de diversos componentes. Así pues, para fabricar oro solamente se necesitaba descubrir la mezcla correcta. Se experimentó, pues, en este sentido. Sin embargo, no se consiguió oro, sino metal vulgar de color dorado. Numerosos charlatanes se aprovecharon de este truco. Mientras tanto, los alquimistas se esforzaban por descubrir la piedra filosofal.

Los productos naturales de todas clases sirvieron como material en bruto y se elaboraron las más misteriosas recetas bajo el más estricto secreto. Los hombres de la Edad Media, en parte temerosos, en parte poseídos por la curiosidad, se fueron enterando de que para la consecución del plan era necesario realizar toda clase de misteriosas operaciones con dragones, leones rojos y verdes, cisnes blancos y otros animales selectos.

Roger Bacon (), un franciscano inglés, se atrevió a afirmar que la piedra filosofal era capaz de transformar en oro una cantidad un millón de veces superior de metal vulgar. Arnoldus Villanovus (), autor del Rosarius philosophorutn, una de las principales obras de la alquimia, se contentó con una cantidad cien veces superior. Ramón Llull (), del que se decía que en vida había acordado un pacto con el diablo y que posteriormente fue canonizado por la Iglesia (fue lapidado siendo misionero entre los mahometanos), escribió en su Testatnentutn novissimutn:

«Toma un pedacito de esta exquisita medicina, tan grande como una judía. Échalo en mil onzas de mercurio y todo se transformará en un polvo rojo. De este polvo echa una onza en mil onzas de mercurio, que se transformará en polvo rojo. De este polvo, coge nuevamente una onza y échala en mil onzas de mercurio y todo se convertirá en medicina. Coge una onza de la misma y échala en mil onzas de mercurio nuevo, y todo se convertirá nuevamente en medicina. De esta última medicina echa una onza en mil onzas de mercurio y entonces se transformará en oro, que será mejor que el oro de las minas.»

La enigmática fuerza maravillosa de la piedra filosofal no conocía límites. Era considerada como medicina milagrosa que conservaba la salud y prolongaba la vida por cuatrocientos años y más ¿O es que la larga vida de los patriarcas no se debió a la circunstancia de que debieron encontrarse en posesión de esa joya? Los alquimistas árabes creyeron que el oro fabricado artificialmente, incluso en forma líquida apto para beber (aurutn potabile), tenía poderosos efectos curativos.

¿Se podía dudar, pues, del hecho di que la piedra filosofal poseía una maravillosa fuerza médica? Durante la Edaa Media, esta creencia estuvo estrechamente unida a la esperanza del auxilio divino, e incluso ciertos pasajes de la Sagradas Escrituras permitieron llega a la conclusión de que tanto Moisés como su hermana Miriam y Juan Evangelista habían sido alquimistas. Por lo tanto, todo estribaba en encontrar la oración adecuada.


La alquimia alcanzó su máximo esplendor hacia finales de la Edad Media cuando todavía se consideraba posible engendrar seres vivos con la ayuda de la piedra filosofal. Por aquel entonces la alquimia comenzó a separarse gradualmente de la química, para desplegar una vida propia que ya no tenía nada que ver con la ciencia. Sin embargo, se mantuvo durante una época extraordinariamente larga. En este mismo siglo, por ejemplo, se llevó cabo un congreso alquimista en París.

No obstante, los alquimistas no han encontrado la piedra filosofal, aunque sus esfuerzos no fueron del todo inútiles. Uno de sus descubrimientos casuales por ejemplo, fue la destilación del alcohol. La porcelana también fue descubierta por un «fabricante de oro Johann Friedrich Bóttiger, que quiso hacer oro a principios del siglo XVIII descubrió «oro blanco». Finalmente, se considera que la pólvora fue descubierta por un alquimista, el monje franciscano Berthold Schwarz, que vivió hacia el año 1430.


José Ferrer - editorialbitacora
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En este punto, queremos remarcar que la calidad de un Cava no se mide por lo que pone en la etiqueta. Por ejemplo, "Brut Nature" no significa siempre el mejor Cava para degustar, sino que esta designación nos indica tan solo una de las características del producto: su grado de dulzor.

Se trata de un tema muy subjetivo que dependerá del hábito en el consumo de este tipo de producto y de la gastronomía que acompañe. Existen consumidores convencidos de preferir el Brut Nature porqué es sinónimo de producto caro, por su larga crianza y coupage de las mejores variedades. Lo curioso es que, si en realidad lo prueban, no es ni mucho menos el tipo de sabor adecuado para su paladar, por tratarse de un producto demasiado seco, al que, en general, cuesta más acostumbrarse. Seguramente les encajaría más un tipo Extra-Brut o mejor aún, un Brut.

En primer lugar, los cavas se diferencian en función de los gramos por litro de licor de expedición añadido antes de tapar definitivamente la botella.


Con un máximo de 3 gramos por litro de azúcar residual de la fermentación es, como se ha explicado anteriormente, el producto más seco, sin adición de licor de expedición en el momento del degüelle. Esto nos permite obtener la esencia gustativa del Cava auténtico. Según la crianza y tipos de variedades utilizadas, puede variar la sensación de sequedad que nos ofrezca en boca.


Este producto tiene unos pocos gramos de azúcar añadidos, casi imperceptibles al paladar, que redondean su sabor, haciéndolo más afrutado y agradable. Suelen ser los productos mejor compensados dentro de la gama de los cavas más secos.


Los Brut suelen ser muy suaves en boca, con un buen equilibrio entre acidez y su punta de dulzor, que le da cierta ligereza al Cava y lo dota de un paso más goloso. Resultan frescos en nariz y en boca.

A partir del tipo Extra-Seco, aumenta progresivamente el dulzor en los cavas de forma que cada vez el azúcar añadido es más perceptible al paladar. Suelen ser los cavas aceptados principalmente por un público poco acostumbrado al consumo de este producto. Son muy indicados para acompañar los postres. En general, resultan menos ligeros y no tan frescos como los anteriores.

Así pues, el licor de expedición tiene la siguiente función: - Redondear el sabor característico de cada tipo de Cava, compensando su acidez, mediante un dulzor más o menos intenso. La tendencia actual de consumo se orienta hacia los cavas más secos, en la gama de los Brut, Extra-Brut y Brut Nature, contrariamente a lo que sucedía hace unos años, cuando el mercado se decantaba por el consumo de cavas más dulces

Por otro lado, según su tiempo de crianza, obtenemos los siguientes tipos de cavas:

* Cava "joven": (de 9 a 18 meses de crianza) En general son productos con un marcado recuerdo afrutado y un punto de acidez. Su color es dorado pálido debido al poco tiempo de evolución en botella y su burbuja poco armoniosa, grande y con un desprendimiento irregular y muy vigoroso.

* Cava "Reserva": (de 18 a 30 meses de crianza) Ya ennoblecidos por una crianza considerable, suelen ser productos más equilibrados. Su color amarillo dorado y sus aromas de fruta madura lo hacen inconfundible. En ellos, encontraremos ya unas burbujas de tamaño más pequeño con un desprendimiento regular. Se apreciarán también ciertos aromas terciaros.

* Cava Gran Reserva: (más de 30 meses). Su color amarillo paja nos denotará su larga crianza, así como sus aromas con matices tostados, producto de un prolongado contacto con las levaduras. La burbuja estará muy bien integrada, y será de tamaño pequeño, con un desprendimiento muy suave y ordenado. En algunos casos, puede dar la sensación que el producto ha perdido carbónico; no es así, se halla tan íntimamente disuelto en el líquido que no nos resultará tan efervescente en boca.


Hay un punto a tener en cuenta y es que un Cava con más crianza no esconderá los posibles defectos del vino base, todo lo contrario, los acentuará debido al gas carbónico. Así, pues, los cavas de larga crianza tienen que ser compensados ya que además acostumbran a destinarse finalmente para los tipos más secos.

Existe un tercer factor, el coupage o mezcla de variedades del vino base, que influirá en las características finales de un Cava. Normalmente, las variedades autóctonas permiten tiempos de crianza menores; los cavas resultantes son, contrariamente a lo que podría esperarse, muy equilibrados y redondos en boca.

En el caso de aplicar un pequeño porcentaje de Chardonnay o elaborar un tipo varietal, podrá tener una crianza superior, puesto que se trata de una variedad que permite más tiempo de maduración en botella. La concentración de licor de expedición acabará de afinar el producto.


Fuente: Heretat - Mastinell

La celebración del sorteo de la Lotería de Navidad se ha convertido a lo largo de su dilatada historia en un rito con el que da comienzo la Navidad. Incluso las personas no jugadoras suelen participar en este sorteo. Pero, ¿es realmente esta lotería un juego rentable? Para comprender su rentabilidad podemos realizar distintos cálculos probabilísticos que nos informen de la posibilidad de que un número resulte premiado. El sorteo se realiza por el sistema tradicional, un bombo para números y otro para premios en el que se cuida especialmente la equiprobabilidad de cada número.



Puesto que en el bombo se encuentran las bolas de los 85.000 números que participan, y todas tienen la misma probabilidad de obtener el primer premio, participando con un sólo número se dispone de una probabilidad de 1/85.000 de obtener el máximo premio. Esta probabilidad es del orden de 12 a 1.000.000, es decir, muy baja. Expresado de otro modo, si quisiéramos asegurarnos de que nos tocara el gordo, deberíamos comprar un décimo de cada número que participa, es decir, invertir 85.000 x 20 =1.700.000 Euros, obteniendo en este caso una recompensa de tan solo 530.000 Euros con los premios importantes. Un mal negocio a todas luces.


El premio del reintegro consiste en la devolución de la cantidad jugada en el sorteo si hay coincidencia entre el número final con el que se juega y el que obtenga el primer premio. Como el número con el primer premio terminará en alguna de las cifras 0, 1, 2,...9 y entre los 85.000 números distintos que participan hay 8.500 números acabados en cada uno de estos dígitos, la probabilidad de obtener el reintegro es de 1 a 10. Como hay 180 billetes que tendrán la misma terminación que el gordo, y cada uno cuesta 200 Euros, en cada sorteo se devuelven 36.000 Euros.


Algunas administraciones de lotería parece que están tocadas por el hada de la suerte y, en sucesivos años, en ellas se reparte alguno de los grandes premios. Esto hace pensar al jugador que comprando un número de los que venden estas afortunadas administraciones hay más posibilidad de obtener un premio. No es así. Los números que vende cada administración de lotería son igualmente probables, es decir, el número premiado con el gordo no tiene ninguna dependencia con el lugar que lo vende. Lo que ocurre es que estas administraciones, por la demanda originada por su fama, pueden comprar muchas series de muchos números distintos, aumentando la probabilidad de que alguno de ellos salga premiado. Por ejemplo, la Navidad pasada (había 66.000 números), una famosa administración compró nada menos que 5.000 números distintos, lo que le proporcionaba una altísima probabilidad de casi el 8% de obtener el gordo.



Lolita Brain - www.lolitabrain.com
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Pero sus amigos y parientes probablemente se preguntarán si podría suceder. Aquí tiene lo que puede contarles.

El año 2012 está actuando como una celebridad que se porta mal. Rumores y chismes espantosos se extienden. Ya hay más de media docena de libros que se están comercializando, para los admiradores impacientes, con astronómicos temores sobre el final de los tiempos en el 2012. Se ha estrenado, el pasado 13 de noviembre, 2012, una película de catástrofes de 200 millones de dólares que parece diseñada para romper todos los records de desastres espectaculares, con continentes que se rompen, caída de asteroides, ciudades ardiendo, y un tsunami que lanza un portaaviones hacia la Casa Blanca. El lema siniestro de la película: "Averigüe la verdad". Se están haciendo otras dos películas sobre el día del juicio final en el 2012.

Quién navegue por Internet o escuche la radio conoce el origen de todo. Los antiguos Mayas de México y Guatemala conservaron un calendario que está a punto de acercarse al final de su tiempo, desplazándose el sistema solar en una alineación transcendental con el corazón de la Vía Láctea, convirtiendo a la Tierra en una boliche sobre el que se va a hacer un strike.

Nada de esto es cierto. La gente que usted conoce, sin embargo, probablemente se atemoriza un poco al creer que la astronomía moderna y los secretos Mayas conspiran de verdad con nuestro destino. Si la gente sabe que usted es astrónomo aficionado, entonces le preguntarán sobre este asunto.

Aquí tiene lo que necesita saber.


Hemos tenido situaciones similares en el pasado reciente, pero ninguna igual que ésta. La última vez que el mundo se puso a pensar en una fecha mística fue con el fin de Milenio del 1 de enero del año 2000. Verdaderos creyentes autores (y sus imitadores) publicaron libros asustadizos y/o esperanzadores sobre el potencial profético del momento en el que íbamos a chocar con una inmensa onda cósmica y todo cambiaría para lo bueno o para lo malo. Tomando prestada una previsión de Nostradamus, el enigmático autor francés del siglo XVI Charles Berlitz, predijo en su libro escrito en 1981 que la catástrofe del Día del juicio final ocurriría en el año 1999. Berlitz (escritor de libros sobre la Atlántida y el Triángulo de las Bermudas), advirtió que en 1999 podrían suceder inundaciones, hambre, contaminación, y un cambio de los polos magnéticos de la Tierra. También se refirió a la alineación planetaria del 5 de mayo de 2000, y advirtió que ésta podría traer erupciones solares, terremotos, "cambios en la Tierra", y "explosiones sísmicas".



Una inscripción de una antigua cuenta Maya grabada en una estela de piedra de Quiriguá en Guatemala, erigida en el siglo 8 D.C., conmemora el inicio de la era de los 13 Baktun, cuyo final se supone tememos que llegue ahora. En el pequeño glifo (ver arriba), que marca el lugar del baktun en la fecha, los tres puntos y dos barras verticales son, en escritura maya, el número 13. El resto de los intervalos en esta fecha son ceros, por lo que los académicos mayas especifican la fecha como 13.0.0.0.0. (La designación de los días en el equivalente a 260 días es de 4 Ahau, y en el equivalente de 365 días el recuento es de 8 Cumkú.)





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KIT de Defensa contra el "efecto" 2012
Escrito por E.C. Krupp, redactor colaborador de Sky&Telescope.
Fuente: archivo PDF y otra

Una interesante tradición -en parte historia, en parte leyenda-, popular en Alemania, afirma que el árbol de Navidad se remonta al siglo VIII.

San Bonifacio (675-754) era un obispo inglés que marchó a la Germania en el siglo VIII (concretamente a Hesse), para predicar la fe cristiana.

Después de un duro período de predicación del Evangelio, aparentemente con cierto éxito, Bonifacio fue a Roma para entrevistarse con el papa Gregorio II (715-731).

A su regreso a Alemania, en la Navidad del año 723, se sintió profundamente dolido al comprobar que los alemanes habían vuelto a su antigua idolatría y se preparaban para celebrar el solsticio de invierno sacrificando a un hombre joven en el sagrado roble de Odín.


Encendido por una ira santa, como Moisés ante el becerro de oro, el obispo Bonifacio tomó un hacha y se atrevió a cortar el roble sagrado. Hasta aquí lo que está documentado históricamente.

El resto pertenece a la leyenda que cuenta cómo, en el primer golpe del hacha, una fuerte ráfaga de viento derribó al instante el árbol. El pueblo sorprendido, reconoció con temor la mano de Dios en este evento y preguntó humildemente a Bonifacio cómo debían celebrar la Navidad.

El Obispo, continúa la leyenda, se fijó en un pequeño abeto que milagrosamente había permanecido intacto junto a los restos y ramas rotas del roble caído. Lo vio como símbolo perenne del amor perenne de Dios, y lo adornó con manzanas (que simbolizaban las tentaciones) y velas (que representaban la luz de Cristo que viene a iluminar el mundo).

Como estaba familiarizado con la costumbre popular de meter en las casas una planta de hoja perenne en invierno, pidió a todos que llevaran a casa un abeto. Este árbol representa la paz, y por permanecer verde simboliza también la inmortalidad; con su cima apuntando hacia arriba, se indica, además, el cielo, la morada de Dios.


Fuente: archivo PDF

Desconfíen de quienes alardean de sinceridad, como el autor de esta cinta, cuyo título comienza con la expresión "Toda la verdad..." Se trata del primer falso documental célebre de la historia y también de uno de los intentos de fraude científico más lamentables que se conocen. ¿Su responsable? Frederick Cook, un médico estadounidense que en 1891 participó en una fallida expedición al Ártico comandada por Robert Peary.

Pero en 1902, sorprendió a propios y extraños al anunciar que había coronado con éxito dicha hazaña, justo un año antes de que Peary lo lograra realmente. Hay que decir que la noticia produjo cierto escepticismo, pero Cook presentó como prueba de su heroicidad una película corta que había filmado durante su estancia en el Polo Norte.

Y entonces el escepticismo se troncó en carcajadas. La breve película muestra al explorador en un entorno nevado, con varios perros y algunos compañeros de aventuras. Se supone que están descansando en su campamento ártico. Pero la imagen es más falsa que un billete de dos euros.

En aquellos tiempos no existían métodos como los actuales para desmontar la supuesta veracidad de una filmación (como ha ocurrido, por ejemplo, con aquella delirante autopsia de un extraterrestre), pero quienes vieron la película de Cook se dieron cuenta de que aquello era un burdo montaje por hechos tan simples como que los exploradores no mostraban síntomas de agotamiento ni cansancio y sus rostros no estaban curtidos por el sol y los vientos polares.

En realidad la película se había rodado en una sierra nevada no demasiado alejada de Nueva York. Pero Cook no escarmentó y en 1903 se inventó otro montaje, afirmando que había sido el primero en escalar el monte McKinley en Alaska. Como prueba adujo una foto que también se demostró que era falsa.


En 1957, un programa de la BBC titulado Panorama, emitió un reportaje sobre ¡una plantación de espaguetis en Suiza! El espacio mostraba las imágenes de una familia recogiendo hilos de pasta de los árboles, mientras el presentador Richard Dembley, comentaba: “La cosecha de espagueti aquí en Suiza, no tiene nada que ver con la que se realiza a gran escala en Italia. Muchos de ustedes habrán visto fotos de las vastas plantaciones de espagueti en el Valle del Po.

Para los suizos, por el contrario, tiende a ser un asunto más familiar”. La narración continuaba con declaraciones tan delirantes como: “Otra razón por la que este año podría ser extraordinario está relacionada con la desaparición del gorgojo del espagueti, la diminuta criatura cuyas tropelías han causado tantas preocupaciones en el pasado”.

Para rizar el rizo, en el estudio había un colaborador que preguntó, ¿por qué, si los espaguetis crecen en los árboles, siempre tienen una longitud determinada? La respuesta de Dimbley fue realmente alucinante: “este es el resultado de muchos años del paciente esfuerzo de los cosechadores del pasado, quienes lograron producir el espagueti perfecto”.

Por supuesto, la emisión era una tomadura de pelo, pero poco después de que finalizara el programa, se comenzaron a recibir cientos de llamadas de televidentes desconcertados. Querían saber si realmente los espaguetis crecían en los árboles. Otros preguntaban como podrían plantar su propio árbol. Desde la emisora les decían que debían “colocar una ramita de espagueti en una lata de salsa de tomate, y esperar lo mejor”.

La verdad del montaje no se hizo pública hasta el día siguiente, y Richard Dimbley confesó que la idea se le había ocurrido al acordarse de un profesor que una vez, siendo niño, le dijo: "Eres tan tonto que hasta te creerías que los espaguetis crecen en los árboles".


Aunque la legalización del cine pornográfico estaba a punto de producirse en Estados Unidos, al comienzo de la década de 1970 la única manera no delictiva de estrenar un filme de contenido erótico era camuflándolo bajo la apariencia de un falso documental. Se rodaron entre 1960 y 1973 docenas de presuntas "cintas sexualmente educativas", pero probablemente, la que aquí reseñamos sea la más burda, torpe y chiripitiflautica de todas.

Dirigida por un fulano llamado Eric Jeffrey Haims, la cinta nos conduce a la consulta de una supuesta sexóloga, la doctora Ann Foster. En realidad la presunta terapeuta era una aspirante a actriz llamada Linda Ginness. Detalle insignificante que no impide que la supuesta doctora Foster nos presente a tres de sus pacientes, todas ellas mujeres sexualmente insatisfechas.

Y así, combinando la charla paracientífica, con las entrevistas entre la "terapeuta" y sus pacientes, la película aprovecha para meter los inevitables insertos eróticos, que eran lo que realmente importaba. Argumentalmente se justifica, diciendo que las pacientes han dado permiso para que la doctora y su equipo las graben en la intimidad de sus dormitorios.

La cosa podría tener hasta gracia... pero lo que es capacidad de excitación, ninguna. Jamás en un filme erótico o pornográfico se vio actores tan lamentables como los de esta cinta. Además el presupuesto y la realización son tan pobres y torpes que todo adquiere un aire de cutrez salchichera. Por cierto, el consejo científico más serio que da la supuesta doctora Foster da a sus pacientes es "que enciendan la luz", para así excitarse mejor.


Orson Welles se hizo mundialmente famoso en 1939 con su fraudulenta retransmisión radiofónica de La guerra de los mundos, narrándola como si fuera un programa informativo para tratar de convencer a la audiencia de que la Tierra estaba siendo realmente invadida por los extraterrestres. De forma muy coherente, el genial creador de Ciudadano Kane, cerró su carrera profesional en 1973 con una película titulada Fraude. Y pocas veces un título ha descrito de forma tan sincera lo que realmente es la película.

Con el pretexto de denunciar los montajes de la industria del arte, Welles realizó un documental en el que pidió a dos célebres estafadores, Elmyr d´Ory (el más famoso falsificador de cuadros del momento) y Clifford Irving, el autor de las falsas memorias de Howard Hughes, que crearan un falso Picasso y la documentación que acreditara la procedencia del cuadro. El propósito era mostrárselo al pintor español y conseguir que este lo autentificara.

Y lo lograron, haciendo creer al artista malagueño que el cuadro era realmente suyo. Lo que ocurre es que ni el Elmyr ni el Clifford que aparecen en el filme son los auténticos, sino dos dobles. Incluso Picasso es en realidad un actor. Curiosamente, lo único veraz en el filme es el cuadro, que si estaba realmente pintado por el artista andaluz. Lo dicho, una película que es un... Fraude.


Tras el circo mediático montado alrededor de los crímenes cometidos por Charles Manson y los miembros de su siniestro clan, un matrimonio de cineastas amateurs llamados Michael y Roberta Findlay, intuyeron que la utraviolencia era un buen negocio. Por eso, se fueron a Brasil para filmar un falso documental sobre el mito de las snuff movies (esas películas donde supuestamente se asesina a las personas en realidad).

La pareja de directores sostenía la tesis de que sudamérica existían redes de mafias dedicadas a ese negocio y así, tras reconstruir ante las cámaras su "investigación" (un recorrido por antros donde se entrevistan con individuos de aspecto patibulario que tienen toda la pinta de ser actores), Michael y Roberta logran localizar una de estas cintas, en la que se ve el supuesto descuartizamiento de una chica joven.

La película se estrenó en EE UU con un eslogan tremendista y xenófobo a más no poder, que decía: "Un filme que solo podía hacerse en Sudamérica, donde la vida humana no vale nada".

Y montaron de paso su propio circo mediático en el que los directores insistían en que la gente fuera a ver: "lo más sangriento jamás filmado por una cámara". Hasta se contrató a varias personas para que protestaran en los medios y en contra de la película. La película fue un éxito, a pesar de que, por supuesto, la chica asesinada era una actriz representando su papel.

La cinta está rodada de un modo tan torpe, que los errores de continuidad permiten ver como las heridas infligidas a la víctima, desaparecen en la escena siguiente. Así una mano amputada y cortada en trozos volvía a verse totalmente sana en el siguiente plano.

Como dato curioso, hay que señalar que uno de los directores, Michael Findlay, falleció dos años después decapitado por las aspas de un helicóptero. Y en este caso no hubo un plano siguiente en el que volviera a crecerle la cabeza.


En 1962, los italianos Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi lograron un éxito inesperado con un tremendista documental titulado Mondo cane (Este perro mundo, se tituló en España). La cinta, que ganó incluso un Oscar y es muy recordada por su bellísima banda sonora, era un catálogo de escenas de impacto, un recorrido por algunas de las costumbres más alucinantes (para la mentalidad de la época) de nuestro planeta: operaciones de cambio de sexo en Hong Kong, crucifixiones humanas en Filipinas, nativas de Papua dando de mamar con sus pechos a cerdos... En este caso no puede hablarse propiamente de falso documental.

La expresión documental preparado sería más apropiada, ya que nada de lo que muestran las cámaras sucede de forma espontánea; todo fue organizado por los propios directores. Pero lo importante es que el éxito de la cinta motivó el nacimiento de un subgénero bautizado como cine mondo, o lo que es lo mismo: documentales sobre atrocidades.

Lo que pasó es que como cada nueva cinta tenía que ser más fuerte que la anterior, y al no encontrar atrocidades suficientemente atroces (valga la redundancia), los directores comenzaron a inventárselas.

Los propios Jacopetti y Prosperi lo hicieron en Adiós, África, un macabro paseo por el continente africano en el que se ven fusilamientos, matanzas cometidas por el Mau Mau, ritos en los que un nativo le corta los testículos a un perro con una navaja de afeitar y luego se los come... Pero no se asusten. Todo son montajes.

Con todo, la cima del descaro la alcanzó Hombres salvajes, bestias salvajes (1975). Esta película fue muy famosa y polémica en su momento por una escena en la que un turista en un autosafari de Kenia, se baja del coche para fotografiar a unos leones y acaba devorado por ellos. Hoy, cualquier espectador un poco atento se da cuenta perfectamente de que lo que los leones destrozan es un vulgar maniquí.

Pero la cinta se cierra con otro plato fuerte. Una cacería humana en América del Sur en la que un grupo de mercenarios contratados por una multinacional agarran a un indio, le amputan los genitales y luego le introducen el mondongo en la boca. Nuevamente, todo era un burdo montaje. Pese a ello, el éxito de los filmes mondo siguió siendo imparable hasta que en 1979 se inició su decadencia. Y es que ese año... Bueno, lo que sucedió dicho año lo cuento en el siguiente apartado.


Si El Quijote fue la novela de caballerías que acabó con todas las de su especie, Holocausto caníbal fue el filme mondo que terminó con todos los de su género. En teoría este falso documental muestra a un célebre antropólogo recibiendo en su despacho de la Universidad de Nueva York a un grupo de tres reporteros que buscan información sobre una tribu amazónica para ir a filmar un reportaje. Meses después, al no tener noticias de ellos, el sabio viaja a la jungla para tratar de localizarlos y lo que encuentra son sus cámaras y el material que rodaron.

La segunda parte del filme es el visionado de dicho material. Primero se ven las bizarras y crueles costumbres de los indígenas, matando y torturando animales, empalando a una mujer adúltera... Y luego se ve el cruel final de los reporteros, que son asesinados, despedazados y devorados delante de las cámaras. La película se estrenó haciendo creer que todo aquello era un documental real, y el éxito fue increíble.

Aunque en realidad todo era una patraña ideada por el director, el italiano Ruggero Deodatto, quien llegó incluso a hacer que los actores firmaran un documento comprometiéndose a no aparecer en público hasta tres meses después del estreno del filme, para así contribuir a aumentar su aureola de "producto real".

El caso es que casi todo el mundo se lo creyó. Incluida la magistratura italiana, que cursó una orden de detención contra Deodatto acusándole de hacer negocio con asesinatos reales. El director fue llevado a juicio, en un proceso surrealista que podría haberse solventado con la simple aparición de los actores demostrando que estaban vivos. Pero estos, cumpliendo con lo pactado, se encontraban en Suiza esquiando, sin ser conscientes de lo que le pasaba a Deodatto. Finalmente, alguien localizó a los intérpretes y el montaje fue por fin destapado.

Hay que decir que, por contra, las muertes de animales que se muestran en el filme si son reales. Por eso, una Asociación de Defensa de los Animales, quiso denunciar de nuevo al director acusándole de maltrato animal. Pero la situación ya se había vuelto tan grotesca, que los jueces no quisieron marear más la perdiz, y rechazaron la denuncia.


Si me permiten mi opinión personal, considero que esta cinta de la cadena británica Anglia TV es la obra maestra de todos los falsos documentales jamás realizados. Al menos de los que yo he tenido ocasión de ver. Su temática: ciencia ficción. Su trama: Unos reporteros televisivos reciben la visita de un científico británico que les entrega un dossier titulado Alternativa 3. En él, se detalla como la vida en la Tierra se está haciendo insostenible y se barajan tres alternativas para solucionar el problema.

Vivir bajo el mar, hacerlo bajo tierra, o colonizar un nuevo planeta. El supuesto científico muere en un misterioso accidente antes de que tenga ocasión de volver a hablar con los periodistas, que inician una investigación en la que llegan a entrevistar al astronauta Buzz Aldrin quien (prestándose a la broma), relata que cuando aterrizaron en la Luna, rusos y americanos ya tenían instalada una base en la cara oculta, con un finalidad: la colonización de Marte.

Finalmente, los reporteros descubrían que el plan para trasladar a Marte a un grupo de humanos escogidos con los que iniciar una nueva civilización había comenzado, y mostraban además las auténticas imágenes del planeta que lejos de ser ese desierto rojizo que conocemos, aparecía como un auténtico vergel. Alternativa 3 era una inocentada televisiva, no hace falta decirlo. Pero está tan bien rodado y montado y cuenta además con la colaboración de tantos personajes ilustres y reales, que hay momentos en que resulta difícil no dejarse convencer por la poderosa capacidad de sugestión de sus imágenes.

Como curiosidad, permítanme decir que TVE lo emitió en 1982, en el programa La puerta del misterio, que dirigía y presentaba Jiménez del Oso. Por supuesto, en ningún momento se dijo o se insinuó que todo lo que se mostraba en el documental no era real. Spain era different en aquellos años del Mundial y Naranjito.


Mucho antes de hacerse famoso con la trilogía de El señor de los anillos, el neozelandés Peter Jackson se dio a conocer con esta maravillosa cinta. Editada en España en DVD con el título de La "verdadera" historia del cine, las comillas ya dejan claro lo que hay de auténtico en ella. Forgotten silver relata la inventada historia de Colin McKenzie, un pionero del cine neozelandés, un creador a la altura de Meliés, que a principios del siglo XX habrían inventado ya el cine sonoro y en color, y que además habría filmado el primer vuelo tripulado en una fecha (la que da el "documental") varios años anterior a que dicho suceso se produjera realmente.

En la segunda parte, Jackson se embarca en una expedición al interior de la jungla de Nueva Zelanda para encontrar los restos de la llamada Ciudad perdida, unos fabulosos decorados en los que el tal McKenzie supuestamente habría filmado su obra maestra, una espectacular versión de Salomé. Lo que Jackson y su equipo encuentran son los restos de una antigua ciudad de cartón piedra cuya monumentalidad deja a los decorados de Intolerancia o King Kong convertidos en simples maquetas.

El éxito del falso documental fue tal que rápidamente alcanzó la categoría del filme de culto y recibió numerosos premios. Pero, a día de hoy, es frecuente que Jackson tenga que desmentir aún que Colin McKenzie no existió jamás. Salvo en su imaginación.


No hay duda de que los autores de esta cinta vieron Alternativa 3, y trataron de ir un poco más lejos aún. Operación Luna, rodado para el Canal francés ARTE, fantasea con la posibilidad de que la llegada del hombre a la Luna fuera un colosal fraude ideado por el entonces presidente Richard Nixon. Para filmar las imágenes de dicho acontecimiento se habría contratado nada menos que a Stanley Kubrick, quien entonces estaba filmando la mítica 2001, Una Odisea en el Espacio.

Para hacer más creíble la el montaje, se entrevistó personajes reales como los secretarios de Defensa y Estado Donald Rumsfeld y Henry Kissinger, el astronauta Buzz Aldrin (uno que ya salía en Alternativa 3 y que parece que le cogió el gusto a este tipo de bormas) y la viuda del director, Christiane Kubrick. Pero las declaraciones de dichos personajes estaban intencionadamente sacadas de contexto cuando no claramente manipuladas para ilustrar la tesis de la cinta.

De hecho, al final del documental se ven "tomas falsas" en las que muestra lo que realmente dicen o querían decir los entrevistados. Como guiño a los espectadores cinéfilos (para que pudieran detectar que aquello no iba en serio) algunos personajes del documental tienen nombres sacados de películas de Stanely Kubrick.


Fuente: quo.es

José Larralde nació un 22 de octubre de 1937 en Huanguelén, Provincia de Buenos Aires (Argentina), escribió sus primeros versos a los siete años de edad, iniciando así un camino vasto y fecundo que lo llevaría inexorablemente al corazón de los Argentinos. Descendiente de vascos y árabes, don José ha sido trabajador rural, tractorista, albañil, mecánico, soldador y, como él mismo se define, guitarrero y cantor.

Vivió frente a la casa de don José Dip y allí escuchaba continuamente a Jorge Cafrune. Un día le pidió a don José Dip que le presentara a Jorge Cafrune. Durante una noche de 1966, en un asado en casa de don Eduardo Saad, tío de Larralde, don José Dip le dice que allí le presentará a Jorge Cafrune.

Allí, José le pasa a Jorge los temas que había compuesto, el último de los cuales, era "Sin pique". Luego de escuchar la interpretación de Larralde de "Sin Pique", Cafrune quedo prendado del tema y le pide a don José Dip que al día siguiente llamara a Hernán Figueroa Reyes, director de grabaciones de CBS, porque quería grabarlo en esa semana. Hernán le dice a don José Dip que ello es imposible porque estaba listo para salir el LP "Yo digo lo que siento". Pese a todo, Jorge se empecina y lo graba enseguida. Conjuntamente con "Permiso", "Sin Pique" apareció en el siguiente LP de Jorge, titulado "Jorge Cafrune" (CBS 8745), en 1967.

Veinte días después, Cafrune regresa a Huanguelén pues tenía que actuar en una localidad cercana, muy pequeña, llamada Girodías. Jorge hizo invitar a "Pepe" Larralde para que le acompañe.


En aquella oportunidad, Cafrune interpretó 3 temas, presentó a Larralde y ya no cantó más. Toda la noche quien cantó fue Larralde. Desde entonces, en todas sus actuaciones, Cafrune siempre mencionaba "a un chango de Huanguelén", promocionando a Larralde.

En el año 1967, José Larralde grabó el primero, de una serie de treinta y un discos editados en la Argentina. Su intensa actividad discográfica sufrió interrupciones sobre todo por el contenido crítico de la mayoría de sus canciones. En todas ellas, están presentes las vivencias de oficios, situaciones y personajes que conoció y vivió a lo largo de su vida. Personalmente, además, ejercicio las más diversas ocupaciones en el medio rural. A sus versos, tal vez por desconocimiento del medio geográfico y social en que nació y creció, suele endilgárseles cierto hermetismo y rebuscamiento.

No obstante ello, si se analiza globalmente toda su producción, es fácil entender el porqué de la adhesión y fidelidad del público. Este quizás, valorice el desprecio del intérprete hacia la maquinaria comercial que, las mayoría de las veces, ha sido principal causante del bastardeo y desvirtuación del género.

En efecto, Larralde, desde hace años, desarrolla su labor artística lejos de los circuitos comerciales masivos de festivales y casi sin apoyo promocional y publicitarios de las grandes empresas de comunicación. Ello no le impidió, no le impide, ni le impedirá seguir concitando la atención y el apoyo de nutridos núcleos de seguidores en cada uno de sus recitales.

Su canto trascendió nuestras fronteras para llegar a países como Alemania, Australia, México, Brasil, Colombia, Venezuela, Uruguay, Paraguay, Chile y España entre otros. Como dato elocuente de su popularidad, baste decir que las ventas de sus discos han superado largamente los doce millones de unidades y que su obra más popular "Herencia pa'un hijo gaucho", lleva vendidas, ya, más de cinco millones de placas.


Fue uno de los pioneros en difundir los loncomeos y cordilleranos de origen y ambientación patagónica recopilados y/o compuestos por los hermanos Berbel. Ocasionalmente abordó canciones del Litoral y Cuyo, o rescató viejos valses criollos como "Temblando" (Alberto Acuña - Gualberto Márquez "Charrúa" ; "Cardo" (Pedro Noda - Enrique Uzal).

Recientemente lo han reivindicado, como modelo, algunos músicos del rock pesado local, en particular Ricardo Iorio, ex líder del grupo Hermética.

En 1995 se le otorgó el premio Konex al mejor cantante masculino de música de raíz folklórica, y en 1995 y 1996 obtuvo sendos premios ACE (Asociación de Cronistas del Espectáculo). Como compositor, tiene en su haber más de seiscientas obras, trescientas de las cuales no han sido editadas hasta el momento.

Cantor orillero, tal como él gusta que le llamen, exhibe hoy una trayectoria tan notable como digna, pues se ha alejado voluntariamente del consumismo perverso tan característico de nuestra sociedad. Sin embargo, y a pesar de ello, su gente no lo olvida. Así lo demuestran la concurrencia a cada una de sus presentaciones y las sostenidas ventas de sus discos. Su éxito artístico esta bien sustentado en la auténtica y sincera expresión campera tanto como por el permanente testimonio que ha dado, a lo largo de toda su obra, de sus convicciones.

En 30 años, José Larralde, ha forjado una mística acaso única en el folklore argentino. Su clara y potente voz y su estampa de patriarca contrastan respecto de su obra, que siempre recurre sólo a lo imprescindible para mostrar las cosas más comunes de la vida cotidiana.

Larralde dice sus verdades (dice verdades), y las dice con una convicción tal que las mismas trocan en universales. Canciones como "A las once menos cuarto", "Patagonia", "Y otras cosas fuleras" o sus monólogos, que regala entre tema y tema, muestran un Larralde sagaz, agudo y atento observador de la realidad del hábitat circundante. Pero Larralde no se queda allí, también es testimonial (muy testimonial), cuando arremete denunciando las desigualdades entre pobres y ricos, entre peones y patrones o entre los "todopoderosos" señores instruidos de la ciudad y los, aún hoy, desprotegidos trabajadores rurales.


Capaz de cantarle una bella despedida al cigarrillo (o al mate) como narrar poéticamente la envidia del pájaro preso ante la algarabía de los gorriones libres, Larralde observa, escribe y canta aquellas cosas que, en la premura por "vivir" lo nuestro, pasamos por alto.

Allí, en sus canciones y en su poesía de neta y auténtica raigambre campera, está el secreto de este autor de obras que recorren el país de punta a punta dejando, en cada pueblo, un poco del hombre que les dio vida.

José Larralde es, hoy en día, el único compositor del folklore nacional capaz de mostrar bellamente la esencia del hombre de nuestras llanuras.










Fuente: taringa.net/posts/musica/1668084/Jose-Larralde_-Un-grande.html

Muy pocos tienen noticia de la visita de José Alfredo Jiménez a Chiapas en 1972, meses antes de su muerte. Tenía cuarenta y seis años. Se tiene una idea vaga del suceso y sólo en Villa de Acala pudieron obtenerse datos más precisos de ese acontecimiento verificado entre el 31 de enero y el 3 de febrero de aquel año, durante una gira en la que intervinieron también otros artistas menos conocidos o que se hallaban en el comienzo de sus carreras, como Paquita la del Barrio.

Escribir sobre este evento tan apartado en el tiempo y en la geografía mexicana implica retos y dificultades en ocasiones insalvables, pues no existen documentos al respecto, libros, periódicos de la época ni tampoco registros radiofónicos. Por ello, este libro quisiera dejar constancia de esa memoria, siempre falible y en ocasiones contradictoria, dejar por escrito el testimonio de lo que ayer fue para que lo sepan los lectores, no sólo de hoy, sino también de más tarde.

Observar la obra de José Alfredo significa formar parte de la polémica —iniciada desde los años treinta del siglo xx con la publicación de El perfil del hombre y la cultura en México, de Samuel Ramos acerca de lo que caracteriza al mexicano, lo diferencia y une con el resto de los hombres. La estética del autor de "La noche de mi mal" y su conocimiento conducen a respuestas como las que han propuesto el propio Samuel Ramos, Octavio Paz, Carlos Fuentes, Santiago Ramírez, Roger Bartra y Rodolfo Usigli, entre muchos otros, como el grupo Hiperión de los años cincuenta.

Los mexicanos continúan reconociéndose en las canciones de José Alfredo porque consigue revelar los sentimientos soterrados, ocultos pero vivos, mediante recursos literarios y musicales que lo hacen único en la expresión estética en lengua española. El compositor escribe sobre las heridas, las soledades, las angustias fundamentales, y constituye un manantial poético cuya voz ha rebasado el territorio mexicano. Al ocuparse de un momento de su vida transcurrido en Chiapas, se intenta hacer una pequeña contribución al conocimiento de uno de los símbolos de México; al mismo tiempo, se quiere llamar la atención sobre la investidura adquirida por el poblado que lo recibió en 1972: José Alfredo resignificó el lugar, a tal punto que se puede afirmar que hubo un Acala antes y existe otro Acala después de su presencia en la región.

Joaquín Sabina

Porque le puso letra a nuestras emociones, porque musicó nuestro fracaso, porque supo vengarnos de los malos amores, por Chavela Vargas, por Lola Beltrán, por Vicente Fernández; porque encarnó el alma de México (lindo y querido) como nadie en este siglo, porque quiso ver, y de qué manera, "puritito pueblo", porque nos siguen enseñando a querer como tú nos has querido; por "Vámonos", por "El último trago", por "Que te vaya bonito", por el caballo blanco de San Emiliano, porque está más vivo que tantos vivos, porque consuela, porque acompaña, porque redime, por sus clases de llanto, porque no hubo, porque no hay, porque no habrá quien lo calle, porque lo cantó mi padre, porque lo canto yo, porque (ojalá) lo canten mis hijos, y los tuyos y los hijos de mis hijos, por ganarle un paso al olvido, por hermosear nuestro idioma, por el tequila con sangrita, por el mariachi, por el Tenampa, por el desgarro, por su elegancia, por su tristeza, por su alegría, porque canta como nunca, porque gana batalla, como el Cid, después de muerto, por su altísimo ejemplo. PORQUE SIGUE SIENDO EL REY.

Fuente: archivo PDF

Diseñado y fabricado en 1894 por el ingeniero Henry Morris y el químico Pedro Salom en Filadelfia, EE.UU., el "Electrobat" fue el primer automóvil eléctrico funcional de la historia. Ambos creadores tenían antecedentes fabricando tranvías movidos a batería, y, cuando ese negocio comenzó a decaer, se enfocaron en el recién nacido automóvil (de hecho, este modelo, que crearon en sólo dos meses, fue el primer automóvil como tal visto en las calles de Filadelfia).

El "Electrobat", fabricado básicamente como una versión reducida de un tranvía a batería, era lento, pesado (solo sus baterías pesaban 700 kg y sus ruedas eran de acero para soportar tanto peso) e impráctico, pero funcionaba, logrando hasta 160 kilómetros de autonomía.


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Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth. No era un buen momento para la familia. El padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey, pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut artístico.

El fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898 murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil. En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.


A los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos. Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su productora, la Keystone.


Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana. Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos.

Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría de ellos su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.

La celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920 y el divorcio le costó a Charles 200.000 de sus preciosos dólares.

También en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life (Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan, la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagró como un genio del cine.


Ya en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de 1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle) y pagó un millón de dólares al divorciarse de su Lolita.

En esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en 1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una versión sonora narrada por su voz y con música propia. Ya en 1927 se estrenó la primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo), película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights (Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.

En 1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos modernos), una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del capitalismo.

Al desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940, The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del nazi-fascismo, en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en peluquero judío y un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah), fallecida en 1928. Chaplin y Paulette se distanciaron en 1941 y poco después el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo no le impidió casarse a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona, que permanecería a su lado el resto de su vida.


Tras rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en 1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York (Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.


Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong, 1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sofía Loren y Marlon Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el director de la fotografía, el español Néstor Almendros. Otro español, el cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente con el oficio de su padre. Éste murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Merimée; The Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga), 1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino), 1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.






Fuente: biografiasyvidas.com/monografia/chaplin