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La verdad es que Queen "no fue de mis favoritos" hasta que vi este concierto al completo, y tenemos que reconocer que Queen fue algo especial, algo que no podremos olvidar, algo que quedo en nuestra mentes, algo que nos marco, y que mas que decir... simplemente Queen.

En 1986, Queen estaba en su máximo absoluto. Se habían colocado allí con los grandes. Así que durante su Magic Tour, que decidió filmar su profesional de concierto de Wembley Stadium. Tocaron dos noches en el Wembley, 11 hasta 12 julio 1986, y cada noche se lleno en 70 mil más.

Queen es una banda de rock británica formada en 1971 en Londres por el guitarrista Brian May, el cantante Freddie Mercury, el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon. Si bien presentan las bajas de dos de sus miembros (Mercury, fallecido en 1991 y Deacon, actualmente retirado de la industria musical), lo cierto es que la sociedad artística nunca se disolvió.

El grupo gozó de un gran éxito en Gran Bretaña a mediados de los años 1970 con álbumes como Sheer Heart Attack en 1974 y A Night at the Opera del año siguiente. Este último álbum llamó la atención internacionalmente, colocando a Queen en un primer plano de la escena musical. Tuvieron una significativa repercusión en los Estados Unidos recién a mediados de los años 1980, ya con un numeroso repertorio de éxitos. Se destacaron por su diversidad musical, arreglos en múltiples capas y armonías vocales.

Se les considera una banda de gran influencia en el desarrollo del hard rock y el heavy metal, incorporando elementos del glam rock, rock progresivo, folk, blues y pop. Fue la primera agrupación musical en hacer de sus conciertos espectáculos muy vistosos mediante el uso bombas de humo, flashpots, luces móviles y el principal componente, el carisma de Freddie Mercury, además de hacer participar al público del recital. Precisamente, se han reconocido actuaciones como en el Live Aid en 1985 o el célebre concierto de estadio de Wembley de 1986 como los mejores recitales de rock de la historia. Aunque el cuarteto siempre se encontró con una grandísima aceptación, popularidad y éxito comercial, en su momento, la crítica no tomó en serio al conjunto, siendo uno de los casos más recordados cuando la publicación musical estadounidense Rolling Stone tildo al álbum Jazz de "fascista".


Tienen en su haber un total de quince álbumes de estudio, cinco álbumes en vivo y numerosas recopilaciones. Desde la muerte de Mercury y el retiro de Deacon del mundo musical, May y Taylor se han presentado juntos ocasionalmente en eventos especiales y programas televisivos como músicos invitados junto a otros artistas y/o bandas. Desde 2004 a 2009 trabajaron junto a Paul Rodgers, bajo el nombre de Queen + Paul Rodgers. Queen ha vendido más de 300 millones de copias a nivel mundial. Queen fue nombrado el decimotercer mejor artista de hard rock de todos los tiempos en una lista elaborada por VH.

Clasificación: Banda de rock británica formada por Freddie Mercury (voz), Brian May (guitarra), Roger Taylor (batería) y John Deacon (bajo).




Fuente: es.wikipedia.org/wiki/Queen

Vida de san Josemaría Escrivá de Balaguer (), fundador del Opus Dei.

Josemaría Escrivá de Balaguer nació en Barbastro (Huesca, España) el 9 de enero de 1902. Sus padres se llamaban José y Dolores.

En 1915 quebró el negocio del padre, comerciante de tejidos, y la familia hubo de trasladarse a Logroño, donde el padre encontró otro trabajo. En esa ciudad, Josemaría, después de ver unas huellas en la nieve de los pies descalzos de un religioso, intuye que Dios desea algo de él, aunque no sabe exactamente qué es. Piensa que podrá descubrirlo más fácilmente si se hace sacerdote, y comienza a prepararse primero en Logroño y más tarde en el seminario de Zaragoza.

Recibe la ordenación sacerdotal el 28 de marzo de 1925 y comienza a ejercer el ministerio primero en una parroquia rural y luego en Zaragoza.

En Madrid, el 2 de octubre de 1928, Dios le hace ver lo que espera de él, y funda el Opus Dei. Desde ese día trabaja con todas sus fuerzas en el desarrollo de la fundación que Dios le pide, al tiempo que continúa con el ministerio pastoral que tiene encomendado en aquellos años, que le pone diariamente en contacto con la enfermedad y la pobreza en hospitales y barriadas populares de Madrid.

Al estallar la guerra civil, en 1936, Josemaría Escrivá se encuentra en Madrid. La persecución religiosa le obliga a refugiarse en diferentes lugares. Ejerce su ministerio sacerdotal clandestinamente.

En 1946 fija su residencia en Roma. Obtiene el doctorado en Teología por la Universidad Lateranense. Es nombrado consultor de dos Congregaciones vaticanas, miembro honorario de la Pontificia Academia de Teología y prelado de honor de Su Santidad.

Fallece en Roma el 26 de junio de 1975. Varios miles de personas, entre ellas numerosos obispos de distintos países —en conjunto, un tercio del episcopado mundial—, solicitan a la Santa Sede la apertura de su causa de canonización.

El 17 de mayo de 1992, Juan Pablo II beatifica a Josemaría Escrivá de Balaguer. Lo proclama santo diez años después, el 6 de octubre de 2002, en la plaza de San Pedro, en Roma, ante una gran multitud. «Siguiendo sus huellas», dijo en esa ocasión el Papa en su homilía, «difundid en la sociedad, sin distinción de raza, clase, cultura o edad, la conciencia de que todos estamos llamados a la santidad».


Algunos miembros del Opus Dei llevan a cabo en los distintos países -junto con Cooperadores de la Obra y muchas otras personas, creyentes y no creyentes- labores educativas, asistenciales, culturales, que poseen una marcada finalidad de servicio y formación: escuelas, hospitales, universidades, centros de formación profesional, etc.

Estas actividades tratan de responder a las necesidades reales de su propio país o ambiente. Sus promotores las sostienen con plena autonomía económica y funcional. La Prelatura únicamente se ocupa de la vivificación cristiana de esas iniciativas de interés social, proporcionando orientación doctrinal y atención sacerdotal a quienes libremente lo desean.

En estas instituciones, el Opus Dei asume distinto grado de responsabilidad. En las llamadas “obras de apostolado corporativo”, el Opus Dei garantiza moralmente la orientación cristiana de la actividad que se desarrolla (educación, investigación...). En otros casos, facilita ayuda espiritual en mayor o menor medida, sin que la prelatura asuma oficialmente la garantía moral de la formación que allí se imparte. Esa ayuda espiritual puede revestir formas muy variadas: atención sacerdotal, responsabilizarse de las clases de religión, etc.


Fuente: archivo PDF

Por años, las grandes canciones de rock solventaron su éxito en apasionados solos de guitarra, virtuosos, maniáticos, creativos y rabiosos que, incluso, sobrepasaron el tema para transformarse en iconos de la cultura pop contemporánea. Gibson, la marca de guitarras más importante del mundo, elaboró una lista con los 50 mejores solos de las seis cuerdas en una canción de rock, y los 10 primeros lugares son todas previsibles joyas del género que inmortalizaron a los héroes indiscutidos de este instrumento. Esta es la selección Gibson que Terra Stereo aprueba sin discusión.



1.- “Stairway to Heaven” de Led Zeppelin (solo de Jimmy Page). En muchas tiendas de guitarras de los Estados Unidos había un cartel que decía: “Prohibido tocar el solo de Stairway to Heaven” debido a que todo principiante ensayaba esa solemne construcción de acordes que Jimmy Page dejó para la posteridad. Pero el éxito de este tema de 8 minutos se debió precisamente a su prolongada duración. Según refiere Charles R. Cross en su libro biográfico de Led Zeppelin, “Shadows Taller Than Our Souls”, “unos 100 DJ’s me juraron que sólo tocaban la canción porque necesitaban un descanso algo prolongado para fumar. Si hubiese tenido un minuto menos, no podrías fumar un cigarro completo; si tuviese un minuto más, hubiese sido demasiado larga”.



2.- “Eruption” de Van Halen (solo por Eddie Van Halen). Llamado como el mejor solo de guitarra de todos los tiempos por muchas publicaciones, Gibson decidió que esta improvisación vertiginosa de Eddie Van Halen quedara en el segundo lugar de su lista. El tema instrumental venía incluido en el primer disco del grupo y dejó firmado una carta de presentación luminosa de lo que esta banda tenía por ofrecer. La introducción de la canción está basada en el tema “Let Me Swin” de Cactus. Como muchas de las grandes canciones de la historia, este complicado diseño sonoro no iba a ser parte del disco, Eddie Van Halen siempre usaba estos acordes para calentar antes de grabar en el estudio, y fue el productor Ted Templeman quien sugirió registrarlo. “Yo ni siquiera toque bien. Hay un error en la parte final de eso. Al día de hoy, cada vez que lo escucho, siempre pienso: “yo pude haber tocado mejor”, dijo el guitarrista.



3.- “All Along the Watchtower” de The Jimi Hendrix Experience (solo por Jimi Hendrix) Este es, además, uno de los mejores covers de todos los tiempos, y la revisión que hizo Jimi Hendrix de esta vieja canción de Bob Dylan dejó un registro de guitarra insuperable. La versión original es de 1967 y un año después el guitarrista decidió reinterpretarla e incluirla en el disco “Electric Ladyland”. Hendrix supo darle su toque particular de rock psicodélico, metiendo -entre verso y verso- solos de guitarra casi imposibles de tocar, y experimentando (a fin de cuentas Hendrix fue un pionero) con todo tipo de efectos y sonido estéreo, una novedad del momento.



4.- “Hotel California” de Eagles (solos de Don Felder y Joe Walsh). Esta es una de las canciones míticas de la historia de la radio, un precioso tema de amor que fue acusado de ser satánico, debido una serie de mitos y leyendas que se tejieron en su entorno. Basado en la historia de un hotel ubicado en Baja California, la historia cuenta que fue compuesto ahí, aunque los miembros del grupo dicen que nunca fueron al lugar. Fue acusada de ser satánica, por hablar de una supuesta iglesia ocultista, que sirvió para el despegue de la banda que con la edición de este sencillo se convirtió en un éxito en muchos países. Las fábulas hicieron crecer más a este tema que cuenta con un solo de guitarra inolvidable y que muchos trataron de interpretar al escucharlo al revés diciendo que había mensajes encriptados.



5.- “Comfortably Numb” de Pink Floyd (solo de David Gilmour). El punto más alto e intenso de “The Wall”, el disco doble de 1980, es cuando David Gilmour trae abajo todo poder de contención con un solo de guitarra punzante. El dramático de la guitarra se posesiona de la persona de “Pink”, el personaje del filme dirigido por Alan Parker, para realizar una construcción armónica e inquietante de la guitarra que fue considerada por muchos años como el mejor solo de la historia de PInk Floyd, y en la encuesta realizada por la revista Guitar World quedó en el cuarto lugar. David trajo el demo a las grabaciones de “The Wall”, Waters escribió la letra y algunos arreglos, dándole su estructura característica, fácilmente diferenciable del demo original.



6.- “Free Bird” de Lynyrd Skynyrd (solos de Gary Rossington y Allen Collins). Enfrentada legendariamente con “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin, por su equilibrada y virtuosa progresión de acordes de guitarra, este sencillo de 1973 contiene un solo de guitarra de 4 minutos que fue un duelo entre los dos encargados de las seis cuerdas en el grupo. La versión en vivo de la canción, que cuenta con una duración de 16 minutos, tuvo más éxito que la versión de estudio. El tema es uno de los himnos del rock sureño y quedó inmortalizado como la canción de despedida a la banda cuando, lamentablemente, perdieron la vida varios de sus miembros en un accidente de aviación en 1977. Una auténtica tesis de cómo tocar la guitarra es también una de las canciones más sonadas en series de TV y películas.



7.- “Layla” de Derek and the Dominos (solos de Eric Clapton Duane Allman). Eric Clapton tiene que estar en cualquier lista de solos de guitarras gracias a este tema de 1970, que fue editado en el disco de Dereck and the Dominos llamado “Layla and Other Assorted Love Songs”. La canción fue escrita para Patty Boyd, la bella mujer con la que se casó tanto George Harrison como el mismo Clapton, motivo de disputa y distanciamiento entre los músicos y amigos. Por aquel entonces, el popular “slow hands” manifestaba una creciente adicción a la heroína, lo que le representaba un problema a la hora de pertenecer a una banda o mantener relaciones estables, pero todo esto cambió cuando Patty se acercó a él durante una crisis matrimonial pidiendo consejo, fue así que el guitarrista se enamoró profundamente de ella. De esos encuentros surgiría “Layla”, una canción dedicada encubiertamente a esta musa, y cuyo nombre se inspiró en la historia de amor árabe “La historia de Layla y Majnun”, del poeta clásico persa Nezami.



8.- “While My Guitar Gently Weeps” de The Beatles (solo de Eric Clapton). Nuevamente Eric Clapton figura en la lista de los 50 mejores solos de guitarra elaborada por Gibson con esta participación estelar en el “Álbum Blanco” de los Beatles. Llamado por muchos críticos como un solo de guitarra “extraterrestre”, George Harrison definió la participación del blusero de esta manera: “Eric lo grabó, y a mí me pareció que estaba realmente bien. Entonces lo escuchamos de nuevo y él dijo: ‘Creo que hay un problema: no es lo suficientemente beatle’. Así que la pusimos en el ADT [automatic double-track] para bambolearlo un poco”. Clapton no estuvo animado inicialmente en aceptar la invitación al estudio, ya que señaló en su momento: “Nadie toca con los Beatles”.



9.- “Johnny B. Goode” de Chuck Berry (solo de Chuck Berry). Se trata de una de las canciones más versionadas de la historia y sirvió para definir en 1958 cual debía ser la estructura y actitud de un rockero cuando todo estaba en la prehistoria. Según Joe Perry de Aerosmith: “Si quieres tocar rock & roll tienes que empezar aquí”, mientras que la Rolling Stone incidía “tiene la mejor introducción de la historia del rock: un explosivo y agudo punteo conducido por las punzantes notas de Berry”. Y Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones, la define como: “preciosa, sonaba natural y el tempo era perfecto”. La jocosa visión de la vida en la música fue la fuente de inspiración para una larga lista de grupos que tomaron esa actitud provocadora de Chuck Berry y que hicieron que nazca esa revolución cultural y social que se llamo rock.



10.- “Bohemian Rhapsody” de Queen (solo de Brian May). Grabada en el verano de 1975 para las sesiones del disco “A Night On The Opera”, esta es la tarjeta de presentación del magnífico Brian May. La canción es pura inspiración de Freddie Mercury, pero el sello personal y amplificado del guitarrista hizo de Queen una banda de estadios. La canción no posee estribillo y consiste en seis secciones: una introducción a capela, una balada, un solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock y una coda que retoma el tempo y la tonalidad de la balada introductoria. El solo de guitarra de esta canción ha sido considerado el vigésimo mejor de todos los tiempos por muchas publicaciones, pero Gibson decidió colocarlo en la décima posición. Cuando se puso a la venta como singles, “Bohemian Rhapsody” se volvió un éxito comercial. En 1977, dos años después de su lanzamiento, la British Phonographic Industry nombró a la canción como el mejor sencillo británico entre .


Fuente: terra.com.pe/terrastereo/noticias/mus27468/10-mejores-solos-guitarra-todos-tiempos-segun-gibson.html

La lista al completa de "Top 50 Guitar Solos Of All Time", es la siguiente:

01. Stairway To Heaven" – Jimmy Page (LED ZEPPELIN)
02. Eruption" – Eddie Van Halen (VAN HALEN)
03. All Along The Watchtower" – Jimi Hendrix (THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE)
04. Hotel California" – Don Felder and Joe Walsh (THE EAGLES)
05. Comfortably Numb" – David Gilmour (PINK FLOYD)
06. Free Bird" – Gary Rossington and Allen Collins (LYNYRD SKYNYRD)
07. Layla" – Eric Clapton and Duane Allman (DEREK & THE DOMINOS)
08. While My Guitar Gently Weeps" – Eric Clapton (THE BEATLES)
09. Johnny B. Goode" – Chuck Berry
10. Bohemian Rhapsody" – Brian May (QUEEN)
11. Crazy Train" – Randy Rhoads (OZZY OSBOURNE)
12. “Cause We”ve Ended As Lovers" – Jeff Beck
13. Sweet Child O” Mine" – Slash (GUNS N” ROSES)
14. Hot For Teacher" – Eddie Van Halen (VAN HALEN)
15. Since I”ve Been Loving You" – Jimmy Page (LED ZEPPELIN)
16. November Rain" – Slash (GUNS N” ROSES)
17. Mr. Crowley" – Randy Rhoads (OZZY OSBOURNE)
18. Whole Lotta Rosie" – Angus Young (AC/DC)
19. Like A Hurricane" – Neil Young
20. Sultans Of Swing" – Mark Knopfler (DIRE STRAITS)
21. Texas Flood" – Stevie Ray Vaughan (STEVIE RAY VAUGHAN & DOUBLE TROUBLE)
22. One" – Kirk Hammett (METALLICA)
23. Cortez The Killer" – Neil Young
24. Rock Around the Clock" – Danny Cedrone (BILL HALEY & THE COMETS)
25. Sweet Jane – Live" – Steve Hunter and Dick Wagner (LOU REED)
26. Purple Rain" – Prince (PRINCE & THE REVOLUTION)
27. Heartbreaker" – Jimmy Page (LED ZEPPELIN)
28. Jessica" – Dickey Betts (THE ALLMAN BROTHERS BAND)
29. Machine Gun" – Jimi Hendrix
30. Crossroads" – Eric Clapton (CREAM)
31. Time" – David Gilmour (PINK FLOYD)
32. Are You Experienced?" – Jimi Hendrix (THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE)
33. Race With the Devil" – Cliff Gallup (GENE VINCENT)
34. Don”t Believe A Word" – Brian Robertson (THIN LIZZY)
35. Purple Haze" – Jimi Hendrix (THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE)
36. Besame Mucho" – Wes Montgomery
37. Sympathy For The Devil" – Keith Richards (THE ROLLING STONES)
38. Blue Sky" – Duane Allman and Dickey Betts (THE ALLMAN BROTHERS BAND)
39. My Sharona" – Berton Averre (THE KNACK)
40. Marquee Moon" – Tom Verlaine (TELEVISION)
41. Hitch A Ride" – Tom Scholz (BOSTON)
42. The End" – Paul McCartney, John Lennon, and George Harrison (THE BEATLES)
43. Whole Lotta Love" – Jimmy Page (LED ZEPPELIN)
44. Train Kept A-Rollin” – Live" – Joe Perry (AEROSMITH)
45. Highway Star" – Ritchie Blackmore (DEEP PURPLE)
46. Dirt" – Ron Asheton (THE STOOGES)
47. Off The Handle" – Rory Gallagher
48. The Great Curve" – Adrian Belew (THE TALKING HEADS)
49. The Messiah Will Come Again" – Roy Buchanan
50. Beat It" – Eddie Van Halen (MICHAEL JACKSON)

Según: https://www.themetalcircus.com/noticias/los-mejores-solos-de-guitarra-de-todos-los-tiempos/

Fuente: dvice.com

De acuerdo al Comité Olímpico Internacional (COI), doping es la administración o uso por parte de un atleta de cualquier sustancia ajena al organismo o cualquier sustancia fisiológica tomada en cantidad anormal o por una vía anormal con la sola intención de aumentar en un modo artificial y deshonesto su performance en la competición.

Cuando la necesidad requiere tratamiento médico con alguna sustancia, que debido a su naturaleza, dosis o aplicación puede aumentar el rendimiento del atleta en la competición de un modo artificial y deshonesto, esto también es considerado doping.

Para implementar este concepto, el COI ha publicado una lista de sustancias prohibidas y ha desarrollado un programa de detección de drogas en las Olimpíadas y competencias relacionadas para detener el uso de estas sustancias.


El doping es un ejemplo de los numerosos intentos que a través de la historia el hombre ha realizado para mejorar artificialmente su propia resistencia a la fatiga al participar en la guerra, en la caza y en el deporte, mezclando para ello frecuentemente la terapia con la magia y la brujería.

Está relacionado en su misma esencia con el deporte de competición. Por lo tanto no es estrictamente correcto referirse al doping en un ámbito diferente al de la actividad deportiva. La humanidad, incapaz de aceptar libremente sus limitaciones físicas y mentales, siempre ha buscado formas mágicas en un intento de superar con el mínimo esfuerzo sus posibilidades naturales. En ese empeño ha utilizado diversos métodos alimenticios y medicamentos, no siempre lícitos, que pueden considerarse precursores de la práctica que hoy en día se conoce como doping.

Sobre la práctica del doping hay muchos antecedentes históricos. Una de las primeras referencias la brinda un cuadro chino que muestra un emperador masticando una rama de Ephedra.

La mitología nórdica cuenta que sus legendarios Bersekers aumentaban su fuerza combativa mediante la bufotenina, extraída del hongo amanita muscaria. Cronistas de la Grecia clásica narran que los fondistas, saltadores y luchadores participantes de los Juegos Olímpicos recurrían a ingestiones de extractos de plantas, extirpaciones del bazo y otros medios para mejorar el rendimiento. En la era precolombina, los incas mascaban hojas de coca en sus ritos, trabajos y luchas. Más recientemente, la cafeína es usada desde 1805 en natación, atletismo y ciclismo, donde se registra el primer caso mortal, el ciclista galés Linton, que fallece en 1866 durante la carrera París-Burdeos por tomar estupefacientes.

Le siguen el fútbol y el boxeo, y en 1950 aumentan súbitamente los casos de doping por lo que en la década del '60 las federaciones y asociaciones reglamentan el control antidoping.


La aparición y extensión del doping se debe en gran parte a factores externos a la misma esencia del deporte como el abuso de fármacos que se da en la actualidad y a la presión que ejerce la sociedad sobre el deportista al que le exige una superación continua de su rendimiento deportivo. En nuestra sociedad, el medicamento no sólo se usa para combatir la enfermedad, sino también como ayuda en estados fisiológicos límites (cansancio, dolor, sueño, ansiedad, frustración, etc.). El deportista también recurre a ellos para estimularse o sedarse, aumentar su fuerza y masa muscular, su capacidad cardíaca, concentración, calmar la fatiga, incluso la provocada por su entrenamiento. En definitiva usa el doping para obtener el triunfo o para conseguirlo con menor esfuerzo.

Tanto el deporte de recreación, amateur, como el competitivo, ocupan un lugar destacado en las sociedades modernas. EI profesionalismo impulsado por las empresas y la televisión llevan a los deportistas a esfuerzos tremendos y a una superación constante. También el atleta ante una expectativa de mayores beneficios se sube a esa carrera desenfrenada y como le resulta difícil mantener ese ritmo con medios naturales recurre al doping. También hay deportistas amateurs y recreacionales que se dejan seducir por promesas de cientos de productos que le pueden ayudar a practicar un deporte con más intensidad o a obtener resultados deportivos que otra manera no conseguirían y que buscan afanosamente por motivos de prestigio personal social.


Las siguientes clases de sustancias están prohibidas por el Comité Olímpico Internacional (COI):
• Estimulantes.
• Narcóticos.
• Beta bloqueantes.
• Diuréticos.
• Esteroides Anabólicos.
• Hormonas peptídicas y sus derivados.

Además están prohibidos los siguientes métodos de doping:
• Doping de sangre
• Manipulación farmacológica, física y química de la orina.
Y las siguientes sustancias están sujetas a ciertas restricciones:
• Alcohol.
• Marihuana.
• Anestésicos locales.
• Coricoesteroides.
Ciertas federaciones tienen su propia lista de sustancias prohibidas. Deben chequearse para saber si hay otras sustancias prohibidas en el deporte particular.



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Raul Berneri
Fuente: archivo PDF

Nació en Madrid, vinculado al barrio de Argüelles, donde vivió su infancia y juventud y permaneció la mayor parte de su vida. Fue el segundo de cuatro hermanos: Javier (el primogénito, vinculado también en sus orígenes al grupo Tos; actualmente continúa vinculado al mundo de la música), Álvaro (el tercero, actual líder y alma de Los Secretos tras la muerte de Enrique) y Lydia (nacida en 1972, mucho menor que sus hermanos, y que no está vinculada al mundo de la música).

Junto a sus hermanos Javier y Álvaro y su amigo del colegio F.E.M. José Enrique Cano (Canito), formaron el grupo Tos, que tras la muerte de éste último (como consecuencia de un accidente de automóvil ocurrido en la madrugada del día de año nuevo de 1980), denominaron Los Secretos. El concierto homenaje al batería desaparecido, conocido como Concierto homenaje a Canito, celebrado en el salón de actos de la Escuela de Ingenieros de Caminos de Madrid en febrero de 1980, se considera el inicio de la llamada Movida madrileña. Con su álbum homónimo Los Secretos inician su carrera, que incluye temas emblemáticos de la música española de los 80 como: "Déjame", "Ojos de perdida", y la versión "Sobre un vidrio mojado".

Durante su trayectoria musical, Enrique Urquijo Prieto dejó un legado de quince discos con Los Secretos y dos con Los Problemas. En su música se denotan diversas influencias, desde Neil Young a Jackson Browne, pasando por Joan Manuel Serrat, José Alfredo Jiménez o Warren Zevon. Con Los Secretos, Enrique contribuyó a introducir el Country rock en España.

El que fuera una de las piezas clave de la Movida madrileña, escribió algunas de las mejores páginas de la edad de oro de la música Pop rock española. Su hermano Álvaro, continúa presentando parte de la obra de Enrique con Los Secretos, que en el 2010 continúan en activo.

Con su grupo paralelo Los Problemas, Enrique daba rienda suelta a sus gustos más personales, tocando rancheras, versiones y temas propios. Actuaba en pequeños locales y se hacía acompañar de músicos amigos. Compositor de gran sensibilidad, transmitía emociones y sentimientos de una forma sencilla y directa, siendo considerado uno de los mejores compositores de su generación.

El último tema que compuso fue "Hoy la vi", al parecer inspirada por el reencuentro casual de su antiguo amor, Eloísa García Moreno, (cuya relación se vio truncada por parte de la familia de la muchacha y consistió en la musa de muchos de sus temas) cuya maqueta fue editada y arreglada por su hermano Álvaro e incluida en el álbum homenaje A tu lado (2000). "Hoy la vi" fue interpretada en directo por Los Secretos por primera vez en el Palacio de los Deportes de Madrid en diciembre de 2009.

Su última actuación en directo fue en Zaragoza, colaborando a la guitarra y la voz en el tema "Te debo una canción" del grupo aragonés Ixo Rai, a quienes acompañaba como invitado. Casualmente, el día de su fallecimiento poco más de un mes después, su hermano Álvaro recibió la noticia en esta misma ciudad, donde se hallaba realizando un concierto. Enrique fue encontrado muerto en el barrio de Malasaña en Madrid sobre las 9 de la noche del miércoles 17 de noviembre de 1999. Está enterrado en el Cementerio de la Almudena de Madrid. Dejó una hija (María Urquijo Navarro), a la que dedicó las canciones "Pero a tu lado" y "Agárrate a mí, María". María tenía 5 años cuando murió su padre.

La última aparición pública de Enrique fue en la ceremonia de entrega de los Premios Amigo, el jueves 4 de noviembre de 1999, menos de dos semanas antes de su muerte.

El Consistorio madrileño concedió el nombre de Enrique Urquijo a una calle que se ubicada en el distrito de Vicálvaro en Madrid.


El fin le llegó al mayor de los Urquijo en un pequeño portal de la madrileña calle del Espíritu Santo, en el céntrico barrio de Malasaña y a tan solo unos metros de San Bernardo. Se había desintoxicado unos meses antes por su hija María, pero volvió y se pasó. La muerte de Enrique en noviembre de 1999 fue la confirmación de la muerte de una sociedad que agotó sus formas de expresión; la despedida de una generación y de una forma de entender la vida muy ligada al límite, a las emociones extremas, a la pasión... Enrique Urquijo nos ofreció a lo largo de su vida no ya sus dos caras, sino las dos caras, las dos que componen la realidad humana y que ninguno de nosotros puede apartar de su existencia; de la estridencia a la pausada armonía hay solo un paso, del éxito al fracaso un lapso breve, un espacio tan quebradizo que a veces parece romperse pero que pervive gracias al quehacer mágico de poetas como él, siempre tan cercanos a nosotros y siempre tan distantes, por su altura lírica, por esa poesía de la calle anegada de voces discordantes, de altisonancias, de silencios, de recatos y de procacidades.


Nunca ocultó su adicción a la drogas desde los revoltosos ochenta. Vivió por y para la música, desde el lado más difícil de la vida, y creó las más bellas canciones del pop español. En su última aparición en público, en la entrega de los Premios Amigo, su aspecto era saludable y presumía ilusionadísimo de su más inmediato proyecto: el segundo volumen de grandes éxitos de Los Secretos. Este disco, editado por Dro, salía a la venta, como estaba previsto, justo dos días después de su muerte. La discográfica inmediatamente paralizó la campaña promocional y suspendió toda la publicidad prevista para estas semanas. Aun así, en los días siguientes a la noticia, la mayoría de las tiendas agotaron todas sus existencias de discos nuevos y antiguos de los Urquijo.

Durante la ceremonia de los Premios Amigo, los dos hermanos entregaron a Joaquín Sabina el galardón al mejor artista masculino español. Con él había compuesto Enrique la canción Ojos de gata que ambos popularizaron, cada uno en sus discos. En los últimos años, Urquijo fomentó la costumbre de intercambiar colaboraciones con colegas de la música, algunas de ellas joyas escondidas en discos exquisitos: con José Soto, Sorderita -su único acercamiento al mundo del flamenco- interpretó A la orilla del mar de Ray Heredia (1997), con Antonio Vega grabó una elegantísima versión con cuarteto de cuerda de Desordenada habitación (1998), con Jackson Browne, Sólo pienso en ti, de Rodrigo García Blanca, Manolo García fue invitado de honor del último gran concierto de Los Secretos, con María Dolores Pradera cantó en televisión...


Había compuesto además seis canciones nuevas para su próximo disco e incluso había grabado una de ellas y la interpretación de un tema de José María Granados. Álvaro y Enrique hablaban últimamente de actuar y grabar de nuevo, una vez que habían consolidado sus carreras en solitario, como Los Secretos. Esta vez, no será posible. Álvaro continuará abanderando la libertad, la valentía que siempre tuvo el sonido Urquijo, su sello de distinción: "Se está olvidando en el mundo de la música la vía de la sinceridad, eso que los americanos llaman feeling". Enrique se llevó una gran dosis del feeling Urquijo. El cielo, un cielo protector, no lo pudo esperar más. Lo citó la misma noche que a Paul Bowles.








Fuente: wikipedia

Nació con una enfermedad congénita del riñón causándole nefritis (una destrucción autoinmune del riñón), que detuvo su crecimiento a una edad temprana, llevándolo a desarrollar una estatura pequeña: 1,42 metros, lo que se convirtió en su característica más distintiva. Coleman tuvo dos trasplantes de riñón, uno en 1973 y otro en 1984, además requería diálisis constante.

Durante los ocho años de emisión del sitcom estadounidense Blanco y negro (personaje: Arnold Jackson), fue visto por millones de televidentes en todo el mundo en la década de los 80, siendo también uno de los más vistos en la historia de la televisión; su personaje se caracterizaba por su famosa línea que era ¿De qué estas hablando, Willis? o Kimberly según el caso de quien se tratase. Gracias a esa simpatía, Coleman fue una figura popular, protagonizando varios largometrajes y películas de televisión incluyendo On the Right Track, y The Kid With the Broken Halo. The Kid With the Broken Halo finalmente sirvió como la base para que Hanna-Barbera produjera la serie animada The Gary Coleman Show en 1982.

En el punto más alto de su fama con Blanco y negro, Coleman ganaba $70,000 USD por episodio. Como envejeció, no obstante, cayó en favor del público. Después de la cancelación con Blanco y negro, su carrera artística decayó repentinamente en los últimos tiempos.






Fuente: e-requiem

Bruce Lee nació en el Jackson Street Hospital de San Francisco, California el 27 de noviembre de 1940, motivo por el que Bruce Lee obtuvo la nacionalidad estadounidense, de padre chino y madre chino-alemana, en mitad de una gira de su padre por EE.UU. Su padre, Lee Hoi Chuen era actor en una compañía cantonesa de teatro chino. Al finalizar la gira, regresaron a Hong Kong.

Bruce Lee, cuyo nombre chino era Lee Jun Fan, fue llamado "Bruce" por la enfermera María Glover porque era el nombre de su tío, pareciéndole más oportuno que también tuviera un nombre occidental. El nombre de "Bruce" nunca fue usado dentro de su familia hasta que lo matricularon en el Colegio La Salle, un instituto de Hong Kong, hasta los 12 años, y luego otra vez en una escuela católica, el Colegio de San Francisco Javier.

Su imagen infantil fue usada en varias películas chinas, apareció en al menos veinte films, ninguno relacionado con las artes marciales. Su primera aparición fue a los dos meses de edad en la película "Golden Gate Girl". A la temprana edad de seis años ya actuaba en algunos filmes chinos y en ellos ya se evidenciaba su resuelto carácter y su carisma, el más conocido se llamaba The Orphan.

Bruce era un espigado joven y además fue campeón de Cha-cha-chá en Hong Kong. Empieza estudiando Tai Chi con su padre, y pronto dirige su atención hacia una variedad de Kung Fu ("Gung Fu" en cantonés) llamada "Wing Chun Gung Fu" que encontraba más práctica en el campo de la defensa personal, imprescindible para él, a causa de los numerosos altercados que protagonizó en su juventud.

Estudió Wing Chun con el maestro Yip Man para, años después, acabar fundando su propio estilo al que denominó Jeet Kune Do (aunque no quería ponerle un nombre, pues eso era limitarlo), que significa "El camino del puño interceptor".

Bruce Lee regresó a Estados Unidos a los 18 años, por decisión de su padre, motivado por sus altercados y también debido a que era necesario para poder obtener la nacionalidad definitiva norteamericana.

En 1961, mientras estudiaba en la Universidad de Washington en Seattle, Lee se financió su carrera de filosofía trabajando como asistente de cocina en un restaurante chino, posteriormente comenzó a impartir clases de boxeo chino en su propia universidad, mientras comenzó a desarrollar su particular estilo: el Jeet Kune Do. En ese ambiente fue donde conoció a quien sería su esposa, Linda Emery. En 1963, Lee se casó y formó su primera escuela oficial de artes marciales. Tuvo muchos problemas con la comunidad china local, que se negaba a que él enseñara a occidentales dicho arte marcial, el Kung Fu.

En 1964, Bruce Lee asistió como invitado a una exhibición que daba Ed Parker, fundador de la Kempo Karate en EE.UU. y sus demostraciones y habilidades dejaron sorprendido al público asistente, entre ellos a un productor de TV llamado William Dozier, quien le solicitó que realizara algunos castings para sus proyectos televisivos.

Una productora norteamericana le ofreció un papel en la serie televisiva "Kung Fu", pero a despecho de Lee ya que participó en la idea original de la serie, al final se designó a David Carradine para el papel, siendo discriminado por su ascendencia china, no bien vista en los foros americanos.

En 1971, estando de visita en Hong Kong, el productor Raymond Chow, de la Golden Harvest ofreció a Bruce la participación en uno de sus proyectos cinematográficos. El primer film se llamó Big Boss (Karate a muerte en Bangkok o El Gran Jefe) y fue de inmediato un tremendo éxito en Hong Kong acopiando beneficios de millones de dólares. Bruce Lee se ganó el top de la popularidad china quien le consideraba un héroe nacional.

Inmediatamente participó en su segundo film de artes marciales llamado "Fist of Fury" (Furia Oriental o Puños de Furia) donde se explotó la supuesta superioridad del Kung Fu sobre el Karate japonés como una forma literal de explotar el sentimiento de inferioridad chino frente a los japoneses. El éxito logrado en este film superó toda expectativa y Bruce Lee se transformó en una consolidada estrella de films de artes marciales.

En 1972, fue actor, guionista, co-productor y director en el film " The Way of the Dragon" ( El furor del Dragón o el Camino del Dragón) filmado en Roma junto a Chuck Norris. El film fue otro éxito de taquilla dentro del circuito chino, ya que Bruce no quiso que saliera de él. Esta película es considerada un clásico de las artes marciales y la lucha en el Coliseo es una de las más memorables de la filmografía de Bruce Lee, es conocida como el combate del siglo. Como dato curioso en el tema central de la banda sonora, él se encargó de tocar la percusión.

Lee trabajó en una película que quedaría inconclusa, sólo están rodados 11 minutos, llamada " Game of Death" (Juego de la Muerte) junto a sus amigos y discípulos Dan Inosanto y Kareen Abdul-Jabbar.

Sin embargo, una nueva oferta, co-participativa entre una productora americana y china para desarrollar la película "Enter the Dragón" (Operación Dragón) le fue ofrecida a Lee, quien aceptó con entusiasmo como co-director de las escenas de lucha y actor principal. En esta película Bruce Lee se granjeó una fama póstuma entre el público estadounidense y es considerada la obra cumbre de Lee. Fue finalizada en abril de 1973, 4 meses antes de su muerte. La película fue exhibida un par de meses después con un éxito de taquilla abrumador.














Fuente: bruceleeweb.com/biografia.php

Además de lo anterior, hay un hecho reciente que nos describe gráficamente la relación de la vid y el vino con la Ribera del Duero. Ocurrió en plena vendimia de 1972. Además de un hallazgo de gran importancia arqueológica, el descubrimiento significó por su paralelismo, todo un signo y casi una señal de partida para la comarca vinícola, entonces “Ribera” a secas. Como veremos a continuación, este hecho permitió que se llevaran a cabo las primeras “catas” de Ribera del Duero a las que asistió el mismísimo Dios Baco. Nos encontramos en la localidad burgalesa de Baños de Valdearados, a 26 kilómetros de Aranda de Duero; los últimos cestos de la vendimia tostaban sus mimbres al sol en la pared de la cooperativa del pueblo; era un día de noviembre y el mosto había dejado de cocer.


No muy lejos de la cooperativa, en los alrededores, un tractor excavador igualaba unos terrenos de un vecino del lugar; de pronto, la pala del tractor tropezó con algo que no era tierra; la excavadora había sacado a la superficie fragmentos de mosaicos, cerámicas y otros restos en el pago llamado de Santa Cruz; las teselas procedían de un mosaico romano de 66 metros cuadrados de superficie, con escenas figuradas y en muy buen estado de conservación; el personaje central del mosaico era el Dios Baco; a su derecha toma de la mano a Ariadna y con su brazo izquierdo abraza a Ampelos; en otra escena, de nuevo, aparece un Baco triunfante sobre un carro. Quién se iba a imaginar que en ese terreno se escondía uno de los secretos mejor guardados de la Ribera del Duero: el mosaico romano de alegorías báquicas más grande de la península y el mejor conservado. Pero este descubrimiento casi hubiese pasado inadvertido, si ese año del 72 no hubiera sido tan importante para la consolidación del vino burgalés; premisa decisiva para la creación provisional de la Denominación de Origen, siete años después; las 30 cooperativas vinícolas de esta zona de Burgos habían logrado rentabilizar la viticultura y salvar el viñedo; a aquellas primeras “catas” arqueológicas sucedieron otras que pondrían sobre la mesa la necesidad de elaborar y envejecer tintos en Ribera del Duero.


Consecuentemente, podemos pensar que el vino se bebía en Pintia, Rauda (hoy Roa) o en Baños de Valdearados, todas ellas, ayer comunicadas por vías romanas, y hoy pertenecientes a la zona de producción amparada por la Denominación de Origen Ribera del Duero.


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Hay diversas maneras de conectar dispositivos electrónicos entre sí, mediante cables, señales de radio y rayos de luz infrarrojos, y una variedad incluso mayor de conectores, enchufes y protocolos, por lo que el arte de conectar cosas es cada día más complejo, de ahí la necesidad de la tecnología inalámbrica (wireless). La tecnología Bluetooth es automática e inalámbrica, y tiene un número de características interesantes que pueden simplificar nuestra vida diaria.


El Bluetooth Special Interest Group (SIG), una asociación comercial formada por líderes en telecomunicación, informática e industrias de red, está conduciendo el desarrollo de la tecnología inalámbrica Bluetooth y llevándola al mercado.

La tecnología inalámbrica Bluetooth es una tecnología de ondas de radio de corto alcance (2.4 gigahertzios de frecuencia) cuyo objetivo es el simplificar las comunicaciones entre dispositivos informáticos, como ordenadores móviles, teléfonos móviles, otros dispositivos de mano y entre estos dispositivos e Internet. También pretende simplificar la sincronización de datos entre los dispositivos y otros ordenadores.

Permite comunicaciones, incluso a través de obstáculos, a distancias de hasta unos 10 metros. Esto significa que, por ejemplo, puedes oír tus mp3 desde tu comedor, cocina, cuarto de baño, etc. También sirve para crear una conexión a Internet inalámbrica desde tu portátil usando tu teléfono móvil. Un caso aún más práctico es el poder sincronizar libretas de direcciones, calendarios etc en tu PDA, teléfono móvil, ordenador de sobremesa y portátil automáticamente y al mismo tiempo.

Los promotores de Bluetooth incluyen Agere, Ericsson, IBM, Intel, Microsoft, Motorola, Nokia y Toshiba, y centenares de compañías asociadas.


El nombre viene de Harald Bluetooth, un Vikingo y rey de Dinamarca de los años 940 a 981, fue reconocido por su capacidad de ayudar a la gente a comunicarse. Durante su reinado unió Dinamarca y Noruega.


Las posibilidades son casi ilimitadas, pero a continuación enumeramos algunas de las posibilidades actuales:

* Eliminación de la necesidad de conexiones por cable entre los productos y accesorios electrónicos.
* Intercambio de archivos, tarjetas de visita, citas del calendario, etc. entre usuarios de Bluetooth.
* Sincronización y transferencia de archivos entre dispositivos.
* Conexión a determinados contenidos en áreas públicas.
* Como mandos a distancia funcionan como llave, entradas y monederos electrónicos.


La tecnología inalámbrica Bluetooth es única en su amplitud de usos. Los acoplamientos se pueden establecer entre grupos de productos simultáneamente o entre productos individuales con Internet.

Esta flexibilidad, además de que los productos con tecnología Bluetooth tienen que ser calificados y pasar pruebas de interoperabilidad por el Bluetooth Special Interest Group antes de su lanzamiento, ha hecho que una amplia gama de segmentos de mercado soporte esta tecnología, incluyendo técnicos de software, vendedores de silicio, fabricantes de periféricos y cámaras fotográficas, fabricantes de PCs móviles y técnicos de dispositivos de mano, fabricantes de coches, y fabricantes de equipos de pruebas y medidas.


Las tecnologías inalámbricas Bluetooth y Wi-Fi son tecnologías complementarias.

La tecnología Bluetooth se diseña para sustituir los cables entre los teléfonos móviles, ordenadores portátiles, y otros dispositivos informáticos y de comunicación dentro de un radio de 10 metros.

Un router típico con Wi-Fi puede tener un radio de alcance de 45 m en interiores y 90 m al aire libre.

Se espera que ambas tecnologías coexistan: que la tecnología Bluetooth sea utilizada como un reemplazo del cable para dispositivos tales como PDAs, teléfonos móviles, cámaras fotográficas, altavoces, auriculares etc. Y que la tecnología Wi-Wi-Fi sea utilizada para el acceso Ethernet inalámbrico de alta velocidad.






Fuente: masadelante

«Psicosis» se emplea para referirse a aquellos trastornos de la mente caracterizados por una cierta pérdida de contacto con la realidad. Cuando una persona sufre este tipo de trastorno se dice que ha tenido un «episodio psicótico».

La psicosis afecta principalmente a los jóvenes adultos y es bastante común. Cerca de 3 de cada 100 jóvenes sufrirán un episodio psicótico, lo cual significa que entre este sector de la población la psicosis es más común que la diabetes. La mayor parte de los afectados consigue una plena recuperación del trastorno.

La psicosis puede afectar a cualquiera, y como toda enfermedad, es susceptible de tratamiento.


La psicosis afecta a cada persona de diferente manera y durante las etapas iniciales no siempre es útil poner un nombre o una etiqueta a la enfermedad.

No obstante, cuando una persona padece psicosis, se le suele diagnosticar una enfermedad psicótica específica. «Diagnosticar» significa determinar la naturaleza de una enfermedad sobre la base de los síntomas que presenta el paciente, y el diagnóstico dependerá tanto de los factores que hayan provocado la enfermedad como del tiempo que duren los síntomas. En el caso de un primer episodio de psicosis, resulta particularmente difícil determinar con exactitud el tipo de psicosis de que se trata, porque aún se desconoce en gran medida cuáles han sido los factores que la provocaron. No obstante, conviene estar familiarizado con algunos de los términos que se suelen emplear al diagnosticar diferentes tipos de psicosis.

Psicosis inducida por las drogas: El consumo de drogas o de alcohol, así como la abstinencia tras un consumo prolongado, pueden provocar síntomas psicóticos. En algunos casos los síntomas se resuelven rápidamente al irse pasando los efectos de la sustancia, en tanto que en otros la enfermedad, aunque comenzó como una psicosis inducida por drogas, se hace más prolongada.

Psicosis orgánica: A veces los síntomas psicóticos aparecen a consecuencia de lesiones de la cabeza o enfermedades orgánicas que afecten el funcionamiento del cerebro, tales como la encefalitis, el SIDA, o un tumor. En estos casos, suelen presentarse junto con la psicosis otros síntomas, tales como amnesia o confusión.

Psicosis reactiva breve: En ocasiones los síntomas psicóticos surgen de repente como respuesta a una situación de mucha tensión en la vida de la persona, tales como un cambio importante en sus circunstancias personales, o la muerte de un familiar. Aunque los síntomas pueden ser agudos, la persona se recupera en pocos días.

Trastorno delirante: El síntoma principal es la firme creencia en cosas que no son ciertas.

Esquizofrenia: El término esquizofrenia se emplea para referirse a aquellas enfermedades psicóticas en que los cambios de conducta o los síntomas persisten durante un período no inferior a los seis meses. Tanto los síntomas como la duración de la enfermedad varían según el caso, y al contrario de lo que se suele creer, muchas personas afectadas de esquizofrenia llevan una vida plena y feliz, logrando muchas de ellas una total recuperación.

Trastorno esquizofreniforme: No se distingue de la esquizofrenia, salvo en que los síntomas han persistido durante menos de seis meses.

Trastorno bipolar (maníaco depresivo): En el trastorno bipolar, la psicosis se presenta como parte de un alteración afectiva más generalizada, caracterizada por alternancias violentas entre la gran excitación (manía) y la melancolía (depresión). En caso de presentarse síntomas psicóticos, suelen corresponder al estado anímico de la persona: por ejemplo, si está deprimida oye voces que le dicen que debe suicidarse, en tanto que si experimenta una excitación o euforia anormales, se cree un ser excepcional capaz de realizar grandes hazañas.

Trastorno esquizoafectivo: Este diagnóstico corresponde a la presencia simultánea o consecutiva tanto de síntomas de trastorno afectivo (tales como la depresión o la manía) como de psicosis. Es decir, el cuadro clínico no es típico ni del trastorno afectivo ni de la esquizofrenia.

Depresión psicótica: Consiste en una depresión aguda combinada con síntomas psicóticos, sin que en ningún momento de la enfermedad se lleguen a producir períodos de manía o excitación, por lo que se distingue del trastorno bipolar.


Existen diversas teorías sobre las causas de la psicosis, pero aún queda mucha investigación por hacer. Hay ciertos indicios de que se debe a una combinación, aún no bien comprendida, de factores biológicos que durante la adolescencia o los primeros años de la vida adulta crean susceptibilidad a los síntomas psicóticos, los cuales suelen desencadenarse en la persona susceptible como respuesta al estrés, al abuso de drogas o a los cambios sociales. La importancia de algunos factores será mayor o menor según el caso. En el caso del primer episodio de psicosis, las causas resultan especialmente difíciles de determinar, por lo que la persona debe someterse a un minucioso examen médico con objeto de detectar posibles causas orgánicas y realizar un diagnóstico que sea lo más preciso posible. Por lo general, este examen supone la realización de diversos análisis así como una entrevista pormenorizada con un especialista en el área de la salud mental, ya que existen muchos tipos de psicosis. La evolución y el pronóstico de la enfermedad varían según la persona.


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1912 fue uno de esos años que no aparecen en los libros de historia por acontecimientos que marquen el devenir de los tiempos y queden grabados para la posteridad. Dos años después comenzó la Primera Guerra Mundial, la llamada Gran Guerra. En 1912 el conflicto se veía venir y el mundo de preparaba para que las viejas naciones europeas resolvieran desacuerdos enquistados mucho tiempo atrás. La península de los Balcanes ya estaba encendida. Las reclamaciones prusianas a sus vecinos de norte, sur, este y oeste eran constantes. El Imperio Otomano daba sus últimos coletazos y renunciaba a perder peso y territorio. Todo eran agravios y la guerra podría estallar en cualquier momento.

Desde el punto de vista demográfico, la Europa era un continente muy dado a la emigración en esa primera parte del siglo XX. Polacos, irlandeses e italianos habían incrementado en varios cientos de miles la población estadounidense desde finales del siglo XIX. Los españoles, por afinidad lingüística, preferían embarcar rumbo a otros destinos en América (principalmente Venezuela, México o Cuba, destino de uno de los protagonistas de origen asturiano de nuestro libro).

Entender el significado del Titanic como símbolo de su tiempo exige un viaje a los albores de la segunda década del siglo XX. El mundo comenzaba a hacerse más pequeño para unos seres humanos ávidos de asombrarse con todos los descubrimientos y hazañas que regularmente aparecían en los periódicos de la época. La investigadora polaca Marie Curie afincada en Francia ganaba su segundo premio Nobel, esta vez en solitario, en 1911. Ese mismo año la expedición del noruego Roald Amundsen alcanzaba el Polo Sur el 14 de diciembre de ese mismo año. El cubismo alentado por la creatividad de Picasso se consolidaba como vanguardia en el arte. Al mismo tiempo, y pese a vivir una época de prodigios, el ser humano es incapaz de terminar con las guerras por más inventos prodigiosos que salieran de los mejores cerebros.

En ese sentido, la Primera Guerra Mundial se convierte en un punto de inflexión para la humanidad y la pérdida de su presunta ingenuidad previa. Existe un antes y un después, y justo antes de ese punto inflexivo se sitúa el año del hundimiento del Titanic. En 1912 Adolf Hitler tenía 23 años, Benito Mussolini 29 o Lenin 32. Muchas cosas estaban a punto de pasar pero todavía no habían ocurrido. 1912 y los años precedentes fueron también testigos del nacimiento del cubismo, la abstracción o el futurismo. Años de intensa actividad cultural que se verá ensombrecida por el cataclismo que se avecina y que supuso la muerte en los campos de batalla de nueve millones de personas, una generación europea diezmada por las trincheras, el gas mostaza, los nuevos tanques, los fusiles y las bayonetas.


La gran referencia universal de los naufragios «Mi madre decía que asegurar que un barco no se podía hundir era como dar una bofetada a Dios». (Eva Hart, superviviente del Titanic) (ver foto).

El hundimiento del Titanic tiene dos puntos de vista que han de convivir en la memoria colectiva: la visión de sus contemporáneos y la visión que se ha ido creando con el paso del tiempo hasta acumular una perspectiva de 100 años. Para los ciudadanos del mundo de 1912 la noticia del naufragio fue de lo más impactante que habían escuchado nunca. Era imposible, impensable, increíble que el barco insumergible pudiera irse a pique.


La sociedad de la época estaba embelesada por los nuevos tiempos de adelantos, viajes e inventos, y la noticia provocó un amargo despertar de aquella ensoñación de modernidad. Nadie daba crédito, nadie quería creer. Si aquella maravilla de la tecnología se había hundido en su viaje inaugural ¿qué sería del resto de avances y qué pasaría con todas las ilusiones y sueños que cabalgaban a lomos de las patentes y de sus inventores? Era la muerte súbita de un sueño muy acariciado. Esa fue, literalmente, la expresión de Jack Perry, uno de los supervivientes del Titanic, en un periódico de la época: «El mundo de hoy despertó de un sueño el día del hundimiento del Titanic».

El paso del tiempo revistió al acontecimiento de una patina de leyenda y un acercamiento mucho más anecdótico. La cifra de fallecidos, la singularidad de tratarse del primer viaje del barco más imponente de su tiempo, las historias de heroicidad o cobardía, las casualidades, las mentiras, la profundidad de la sima marina en la que yace el buque o la suma de todas estas circunstancias... Sea como fuere, convirtieron al Titanic en un mito, en una leyenda que también sería recurrentemente utilizada en el mundo de la ficción. De hecho, si todos los personajes de novelas, películas o series de televisión ambientadas en el primer cuarto del siglo pasado que según los autores o guionistas perecieron en el Titanic realmente hubiesen habitado sus cubiertas y camarotes, el barco habría tenido cuatro veces su tamaño real... Por lo menos. Y es que como buena leyenda, también ha sido un fantástico recurso para eliminar de todo tipo de tramas a un sinfín de personajes molestos o para traer y llevar de Europa a América al héroe o la heroína de turno. La mera referencia al barco evoca a una época y eso sólo ocurre cuando el objeto en cuestión está completamente incrustado en el imaginario colectivo del mundo civilizado.


Los españoles de aquella época Catorce años después de los desastrosos desenlaces bélicos de 1898, España continuaba conmocionada en 1912 por la pérdida de las úlimas colonias (Cuba, Puerto Rico y Filipinas) de un imperio que se había desmoronado antes en la economía y en la calle que en el mapamundi. El modelo colonial había vertebrado la idea del país durante varias décadas y todo se venía abajo de repente. Sin los suculentos negocios de ultramar comenzaron a aflorar algunas de las tensiones latentes entre las regiones ricas de la periferia como Cataluña o el País Vasco y la administración centralizada en Madrid. A aquel país que tuvo posesiones en cuatro continentes apenas le quedaba una presencia simbólica en el Sahara y Marruecos tras el reparto del territorio pactado con los franceses. Esas mismas zonas que protagonizaron años después, por ejemplo, el desastre de Annual (1921).

El rey Alfonso XIII había permitido que se produjeran algunos tímidos intentos aperturistas una vez que el tratado de París otorgaba la titularidad de los territorios españoles del Caribe y el Pacífico a los Estados Unidos de Norteamérica. Pero los políticos españoles iban o demasiado despacio, o demasiado deprisa, en sus reformas o planteamientos generales. La sociedad española dejaba de ser un referente internacional y comenzaba a vivir un proceso de anquilosamiento que ni siquiera mejoró con la posición no beligerante en la Gran Guerra de 1914. Nuestra industria no supo obtener todo el provecho imaginable de la neutralidad, ni durante el conflicto ni en el periodo de entreguerras. Posiblemente el mundo esperaba más de nosotros.

España se había convertido en tierra de emigrantes. Si antaño se marchaban a hacer las Américas algunos pioneros valientes que volvían de las colonias como ricos indianos, ahora la salida de españoles, especialmente hacia zonas muy concretas de América, era una constante en buena parte de las regiones peninsulares e insulares.

1912 es el año en el que Antonio Machado, insigne representante de la generación del 98, escribe Campos de Castilla. Habían pasado seis desde la concesión del premio Nobel de medicina a Santiago Ramón y Cajal, pero en medio de la zozobra de nuestra ciencia el galardón parece poco menos que una broma de la historia. Ese mismo año de 1912 es asesinado Canalejas, uno de los políticos más carismáticos del periodo al mismo tiempo que se funda el partido reformista (Melquiades Álvarez). El FC Barcelona se proclama campeón de España de fútbol (la actual Copa del Rey, habrá que esperar unos años para que se inicie la competición liguera). Y todo esto en un país que frisaba los veinte millones de habitantes, algo menos de la mitad de los 46-47 millones que componemos su censo un siglo después.

En ese contexto, la aventura del Titanic parece algo lejano para una sociedad preocupada en buscar una nueva identidad y un nuevo lugar en el orden mundial. Pocos son los españoles que suben al barco, cada uno con un bagaje muy distinto y unas perspectivas muy diferentes. Ninguno, como decíamos, sospecha que están a punto de vivir un viaje que cambiará su existencia para siempre. Todos se convertirán en pequeños protagonistas accidentales de una de las travesías marítimas más recordadas de la historia. El Titanic está a punto de zarpar.


Audio: Los diez del Titanic: la historia de los diez españoles que viajaban en él. Datos exclusivos de la mayor catástrofe marítima de la Historia.

Cinco hombres y cinco mujeres

María Josefa Pérez de Soto, Víctor Peñasco, Fermina Oliva, Encarnación Reynaldo, Emilio Pallás, Julián Padró, las hermanas Florentina y Asunción Durán (no se han encontrado imagenes), Juan Monrós y Servando Oviés eran sus identidades.
De ellos, tres murieron en el naufragio: Víctor Peñasco, miembro de una adinerada familia madrileña; Servando Oviés, un importante hombre de negocios asturiano, y Juan Monrós, único miembro español de la tripulación del transatlántico.

Aviso: Se han buscado estas fotos en distintos lugares de Internet, y creemos que la fiabilidad de los nombres correspondientes a cada uno/a de ellos/as es totalmente fiable, aún así, si alguien creyera lo contrario, puede aportar las correcciones pertinentes a través de pedro.com
Fuente: archivo PDF y diariodenavarra.es/noticias/mas_actualidad/sociedad/2012/03/31/diez_espanoles_bordo_del_titanic_75695_1035.html