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Se hizo mundialmente célebre con el nombre de su personaje Cantinflas, al que dio vida en la mayoría de los filmes que rodó.

De orígenes humildes, se enroló en una compañía de cómicos ambulantes y recorrió todo México. En el circo desarrolló todo tipo de trabajos, entre ellos interpretar pequeños papeles.

A finales de los años veinte comenzó a actuar en los locales de Ciudad de México y creó la imagen prototípica con la que se haría famoso. En 1930 era ya el cómico más famoso del país. En 1934 conoció a la actriz de origen ruso Valentina Subarev, con quien contrajo matrimonio y tuvo a su único hijo, Mario Arturo.

En 1936, con el amplio bagaje acumulado durante su estancia en el circo de Jalapa, representando papelitos en pequeños montajes teatrales -excepcionalmente musicados al estilo del género chico- debutó en la película No te engañes corazón, a la que siguieron Así es mi tierra y Águila o sol (1937), El signo de la muerte (1939) y toda una serie de cortometrajes.

No obstante, no se consagró definitivamente como ídolo indiscutible hasta 1940, en el filme Ahí está el detalle -dirigido por Juan Bustillo Oro-, en cuya última escena y mediante su delirante discurso, Cantinflas se salta las convenciones sociales, logrando cambiar el veredicto del juez. Esta película le brindó la ocasión de fundar la compañía Posa Films, productora de Siempre listo en las tinieblas (Always Read in the Darkness) y Jengibre contra dinamita (Ginger versus Dynamite), fallidos intentos de penetrar en el mercado hollywoodiense. Pese a ello, a partir de su debut como protagonista en la película Ahí está el detalle (1940), el actor, con sus casi cincuenta filmes, batió récords de recaudación en las salas de exhibición hispanoamericanas durante tres décadas seguidas.

La popularidad de este monstruo sagrado del cine mexicano y, en general, del cine en español debe mucho a su trabajo en las películas Ni sangre ni arena (titulada en Estados Unidos Neither Blood and Sand) y El gendarme desconocido (1941), en las que descubrió a su director ideal, Miguel M. Delgado, ayudante del realizador Alejandro Galindo. La primera era una parodia de la obra de Vicente Blasco Ibáñez, cuya versión cinematográfica había sido recientemente estrenada en Estados Unidos, protagonizada por los actores Tyrone Power, Rita Hayworth y Linda Darnell. Con ambas obras, Mario Moreno esperaba amortizar el esfuerzo económico invertido en Posa Films, de la que llegó a ser único productor. No en vano Ni sangre ni arena recaudó 54.000 pesos en cuatro días durante su estreno en el Teatro Alameda.

Este éxito desbordante continuó con El gendarme desconocido (The Unknown Policeman), con Mapy Cortés y Gloria Marín, considerado como uno de los mejores filmes del actor mexicano. En él, la ridiculización de la policía, generalmente detestada por el público, se establece desde el mismo momento en que Cantinflas aparece con su habitual uniforme desastrado.

En 1944 entró a formar parte del Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica (STIC), fundado en 1919 con el nombre de Unión de Empleados Confederados del Cinematógrafo. Su aportación fue decisiva en la mejora de las condiciones de contratación del personal de los estudios, pues encabezó una proyectada huelga, secundada por Jorge Negrete y Arturo de Córdova (con quien mantuvo una fuerte polémica por la dirección de la Asociación Nacional de Actores - ANDA).

En los años cincuenta, sus cintas muestran un cambio: del personaje de la picaresca urbana y popular sólo quedaría un humor basado en el uso reiterativo del "cantinflismo", la habilidad para hablar mucho y no decir nada. En todas ellas, Mario Moreno se convirtió en un portador de juicios y críticas contra la sociedad "pueblerina", en particular, y contra la humanidad, en general. De este modo, arremetió con singular hincapié contra la "aristocracia desnaturalizada", haciendo que triunfara lo auténtico sobre lo falso. Se constituyó en el hombre que siempre decía la verdad, aunque en forma sarcástica, y sufrió las consecuencias de esa fidelidad a sí mismo.

Excepcionalmente, participó en la superproducción estadounidense La vuelta al mundo en ochenta días (1957). La película obtuvo una buena acogida, que propició que el actor rodara luego Pepe, dirigida por George Sidney en 1960. El fracaso del filme decidió a Mario Moreno a no volver a probar fortuna fuera de las fronteras de su propio país, con la única salvedad del largometraje español Don Quijote cabalga de nuevo, dirigido por Manuel Delgado, con quien había trabajado en filmes como El bolero de Raquel (1956) y El padrecito (1965), el primer largometraje que el actor rodó en color.

Si en sus interpretaciones denunciaba las desigualdades sociales y la insolidaridad, en la vida real realizaba obras caritativas y llegó a montar una oficina para los necesitados. La última etapa de su vida, después de enviudar en 1966, estuvo marcada por su participación en actos sociales y políticos (incluso llegó a pronunciar un discurso en la Asamblea de las Naciones Unidas).


Pero lo cierto es que Cantinflas será recordado por hacer triunfar a un pícaro de buen corazón que presenta cierto paralelismo con el personaje de Charlot de Charles Chaplin, si bien la clave del mexicano estuvo siempre vinculada a su disparatada e inagotable verborrea, que lo convirtió en el genio cómico más popular que México ha dado. Su personaje basó su comicidad en unas reacciones ingenuas, en su asombrosa naturalidad y en sus personalísimos y desvariados monólogos, continuos, embarullados, inagotables, auténtico flujo del más delirante verbalismo que empezaba con inusitada fluidez y terminaban en balbuceos y galimatías ininteligibles, en interminable verborrea, mientras movía incansablemente su mano izquierda para acompañar la insólita proliferación de sus muecas.

Su actuación era, ante todo, fruto de la soltura y la agilidad; las situaciones más disparatadas y extraordinarias brotaban con maravillosa sencillez. De Mario Moreno no pasarán a la historia del arte cinematográfico unas películas que no tienen, a decir verdad, nada de extraordinario, pero, en cambio, su personaje, su figura, su personalísimo estilo interpretativo y su singular sentido del humor ocupan ya, por méritos propios, un lugar relevante en el firmamento del séptimo arte.

Sus caídos pantalones, su aspecto descuidado y chabacano se convirtieron en el estandarte hispano de una clase de humor, teñido de absurdo, que tiene, tal vez, sus mejores representantes en los míticos hermanos Marx y que le permitió alcanzar una enorme popularidad en los países de habla española, aunque ponía trabas, simultáneamente, a sus posibilidades de atravesar las fronteras idiomáticas, pues, como ya se ha indicado, su personaje cinematográfico, debía buena parte del éxito que obtuvo a su libérrima utilización del idioma, una característica que, como es lógico, hacía muy difícil la penetración de su humor en ámbitos distintos al de la lengua española.

Su exagerada caricatura del "pelao" mexicano -miembro de la clase baja, equivalente al golfo madrileño o al "roto" chileno-, se apoyaba en unos calzones siempre a punto de caer, sujetos las más de las veces con un imperdible, que parecían exigir a gritos un cinturón o unos tirantes, en unos zapatos hechos trizas, una camisa arrugada (cuando la llevaba) saliéndose por todas partes, un raído sombrero de paja y un trapo que le colgaba del hombro, a modo de gabardina.

Esta indumentaria se convirtió en el signo distintivo de su humor y de su obra, hasta el punto que, desencarnada ya, abandonando los límites del actor Mario Moreno, pasó a configurar el personaje televisivo de una larga serie de dibujos animados, cuyo rostro sin afeitar y desgraciada estampa corresponden indistintamente a la de un vagabundo o a la de un pordiosero dueño, como su creador, de un lenguaje fluido, incontenible e incoherente, confuso y disparatado, incomprensible pero indispensable para poder salirse con la suya en las situaciones más dispares.

Considerado por muchos el sucesor de Charles Chaplin, Cantinflas heredó de aquél el corazón. Sólo que el pelao mexicano, tan pobre como Charlot, a diferencia de éste, no vivía obsesionado por su pobreza y se permitía el lujo de compadecer a los ricachones.












Fuente: biografiasyvidas.com/biografia/c/cantinflas.htm

La música Disco nace junto con el auge de las discotecas. Las cuales tuvieron inicio en París (Francia), durante la época de la segunda guerra mundial, en parte como consecuencia de la prohibición de los nazis hacia la música jazz.

Esta música marco el comienzo de lo que ahora conocemos como la música dance. Y no fue sino hasta los años 60 que se escucho por primera vez la palabra Disco, la cual se deriva de la palabra Discoteca. Que es el nombre que se dio a los bares o clubes nocturnos que ofrecían al público pistas de baile para disfrutar de la música. En estos lugares se tocaba una mezcla de Funk, Soul y Hip Hop y lo que en Europa llamaron Electronic Pop, ejemplos de grupos de este último género son: Giorgio Moroder, compositor italiano que hizo música para Donna summer, B52’s, etc.

Esta música se enfocaba primordialmente en resaltar el timbre del bombo (Beat Drum) sobre todos los demás instrumentos, aún sobre las voces.

Fue en las discotecas en donde por primera vez nació la necesidad de que un DJ estuviera detrás de las tornamesas tocando una pieza tras otra, solo que esta vez tocadas sin pausa entre una pieza y la otra.

Los disc jockeys o DJ’s nacieron con el surgimiento de la música dance, durante la década de los años 70, por la necesidad de escuchar música continua en las discotecas. De ahí surgió el género denominado música Disco.

El tema de las discotecas y los DJ’s era todo un nuevo concepto para esa época, ya que hasta entonces se iba a escuchar música tocada en vivo en grandes salones, o se escuchaba por la radio o se reproducía en casa a través de LP’s en los que las canciones estaban una tras otra pero siempre con una pausa entre canción y canción.

Con el surgimiento de este nuevo concepto musical, los DJ’s mezclaban la música en las discotecas buscando crear una continuidad que no se lograba con las interpretaciones de los grupos en vivo, ya que como sabemos, la mayoría de las veces hacen pausas entre una pieza y otra.

Los estilos en los años 70 y 80 variaron, algunos giraban alrededor del Rap, del Hip Hop, del Electronic Pop, del Funk, el New Age, del Sonido Industrial y del Disco, por mencionar solo algunos de ellos, y con todo esto, los DJ’s lograron tener un gran auge, porque en las discotecas se podían escuchar temas de diferentes grupos. El DJ era responsable de elegir las mejores piezas.

A finales de los años 80 y principios de los 90 los DJ’s comenzaron a adquirir un gran auge en la radio y en las discotecas. Sin embargo, en muchos casos, la música que hacían los grupos ya no satisfacía su modo de trabajo. Se requería una mayor compatibilidad entre las piezas y ésta no se daba en el repertorio existente.

Por lo mismo, hubo la necesidad crear nuevas formas, ritmos, sonidos y géneros ya que estaba naciendo un nuevo tipo intérprete, éste fenómeno postulaba nuevas necesidades musicales. El problema a resolver se resume de la siguiente forma: Para mezclar distintos trozos de música se necesitan estructuras musicales compatibles.

Es interesante observar como esta necesidad lleva a los compositores a utilizar un macro-ritmo de ocho compases que es muy común en la música clásica. Ejemplo 1



Por la necesidad de tener formas compatibles se iniciaron formas en donde el uso de un macro ritmo de 8 compases fuera constante. En el siguiente diagrama muestro la forma en la que se componen las secuencias básicas que constan de 8 compases a las que llamaremos loop 8 compases.

Como podemos observar, los compositores utilizaron secuencias, de la misma forma en la que un artista minimalista crea sus obras. Utilizando los mismos motivos de formas básicas, en este caso figuras rítmicas básicas, como el uso de notas blancas en la repetición de la tarola en el segundo tiempo del compás, notas negras en tiempo fuerte con el bombo y corcheas en el contratiempo con los contras.

Las secuencias pueden ir desde la repetición de una nota durante los 8 compases, hasta la repetición de melodías o figuras rítmicas que se repitan cada 8 compases, o en algunos casos hasta la repetición de 16 compases.


En el siguiente diagrama muestro la composición básica de un patrón, o una parte de la pieza. Los patrones se forman de secuencias de los loops, estos últimos se repiten 4 veces o en ocasiones 8 para crear múltiplos de 32 compases, aunque algunos compositores prefieren basarse en repeticiones de múltiplos de 16 compases para crear sus patrones.

Cada patrón es distinto en los ritmos y melodías de sus secuencias, aunque algunos instrumentos mantienen la misma figura rítmica para dar un sentido de continuidad a la pieza, mientras que otros cambian radicalmente para progresar la pieza, en otros instrumentos el cambio es mínimo.


El bajo lleva un papel muy importante en la instrumentación del House y por lo mismo es un instrumento que constantemente progresa en comparación a los demás timbres de la pieza.

En el ejemplo 4 se puede observar un análisis a gran escala de lo que es la forma básica del House.


Hay que recordar que esta música está diseñada para ser mezclada, y por esto, es que se ha buscado una manera para hacer más compatible la música entre sí y así poder mezclarla sabiendo que si la mezcla comienza en el tiempo correcto, las dos piezas podrán progresar al mismo tiempo haciendo parecer la mezcla una misma pieza, logrando así, que el cambio entre una pieza y la otra sea casi imperceptible para el publico.

Siendo lo anterior el propósito de este tipo de música, que la música siga y siga sin que haya silencio entre una y otra pieza haciendo parecer el set completo de un DJ una misma pieza, que como cualquier pieza musical tiene su introducción o comienzo, su desarrollo y su parte final, pasando por momentos de música más ligera hasta alcanzar el clímax en el set para después concluir.

Se puede decir que es una pieza que dura desde una hora y cuarto que es lo que dura un CD, puede durar 2 horas que es lo que normalmente toca un DJ en un evento o hasta 4 o 5 horas cuando un solo DJ es invitado para tocar toda la noche.

A partir de fines de los años 80 y principios de los 90 podemos marcar el inicio de la nueva generación de DJ’s. Los músicos involucrados en esta nueva corriente musical, comenzaron a experimentar más con los sintetizadores, cajas de ritmos y computadoras. Por otro lado, se desarrollaron nuevas tecnologías para ofrecer a los compositores una gama más amplia de sonidos y otras con efectos especiales para procesar cada sonido.

De esta manera nació el House, una música diseñada para mezclarse, creada por o para los nuevos intérpretes musicales. Esta nueva generación de música provocó euforia en las pistas de baile, ya que por su continuidad y repetición en los ritmos provocaba un estado de trance bailando, algo que definitivamente cautivó al público joven.

A partir del éxito que este estilo representó, nació la nueva generación de DJ’s, que no sólo se preocupaban por poner una pieza tras otra, sino que propusieron una nueva manera de mezclar.

Su propuesta consistió en tener como principal interés, la creación de una “nueva pieza” durante la transición de una a otra. Lo que quiero decir, es que en el lapso durante el cuál los dos temas están sonando, se crea una música nueva, diferente a la de cada tema por separado. Esto es producto íntegro de la interpretación del DJ.

En mi opinión, una de las características que debe tener un buen DJ es que “debe hacer música con la música que ya existe”.

Un DJ set es la conjunción de varias piezas musicales mezcladas entre sí, para hacer de todo una sola pieza que tiene un comienzo, un desarrollo y un fin, lo que dura aproximadamente de 2 a 3 horas en promedio.

Esto es algo totalmente distinto, ya que anteriormente los DJ’s tocaban toda la noche con el único propósito de musicalizar el ambiente y su trabajo no era muy complejo. Ahora, con el nacimiento de la música House y electrónica en general, el trabajo del DJ se vuelve mucho más complejo y exige que interprete y haga una creación única con su mezcla que puede durar dos o tres horas en forma continua como si fuera una sola pieza, con principio, desarrollo y fin. Por ello, en una misma noche se pueden llegar a presentar a varios artistas interpretando a través de las tornamesas.

¿Qué entendemos por disc jockeys?

Es aquél que mezcla y hace música a partir de sus mezclas con vinilos o LP’s, tocados en tornamesas o aparatos para mezclar con discos compactos, por otro lado, es el que también hace música o experimenta con aparatos análogos o digitales para crear sus propios sonidos o melodías.

Fuente: archivo PDF

El mayor misterio ligado a Merlín el druida, el bardo, el mago... o el hijo del Diablo, es que aún se discute si existió realmente.

Inspirador de casi todos los magos de la literatura universal, Merlín forma ya parte de la imaginería colectiva. Es el brujo por antonomasia y el señor de los acertijos, hasta el punto de que pronunciar su nombre se ha tornado un sinónimo de misterio, pero también de aventura, propiciado en gran medida por los ciclos artúricos, en los que su participación es la clave para el desarrollo de los acontecimientos. Durante siglos se creyó que había existido realmente, pero hoy se discute si es una figura histórica. Los folcloristas aseguran que jamás vivió un hombre con todas las características atribuidas a Merlín, pero que muy posiblemente el personaje literario se inspiró en uno real, nacido a mediados del siglo V o en el VI de nuestra era.

El primer texto en el que se menciona a Merlín es en la Historia de los reyes de Britania, de Geoffrey de Monmouth, que Se publicó en 1138. Su autor, un clérigo de origen galés, fue nombrado obispo en Londres y destacó como un apasionado defensor de las tradiciones celtas. De hecho, su tierra pasaba por ser el último reducto en toda Inglaterra que mantenía las leyendas y la forma de vida de esa cultura ancestral tras la invasión anglosajona. Su mente albergó la idea de escribir una historia de los reyes celtas más sobresalientes con el fin de evitar que aquella época gloriosa cayera en el olvido. De entre ellos destacaba poderosamente la figura de Arturo.

Al iniciar su proyecto, Geoffrey de Monmouth descubrió que apenas existían fuentes escritas de las que extraer documentación, por lo que recurrió a su inventiva y creó un relato que se desarrollaba durante varios siglos y en el que se mezclaban episodios y personajes reales con otros claramente ficticios. Uno de los libros que cayó en sus manos fue La profecía de Britania, obra del año 930 en la que se reunían diversos vaticinios que presagiaban la caída de los anglosajones y el resurgimiento de los celtas británicos. Uno de aquellos presagios se atribuía a un tal Myrddin, hombre que había gozado de una gran reputación siglos atrás y que era autor de otras profecías, en su mayor parte oscuras. Cautivado por esta figura, Geoffrey de Monmouth decidió incorporar el personaje de Myrddin a su Historia de los reyes de Britania bajo el nombre de Merlín y lo enlazó con el relato del rey Arturo. Así nació la leyenda, que, como hemos visto, se basa en un personaje real.

En la historia de Arturo y sus célebres caballeros, Merlín ocupa una posición primordial: es quien propicia el nacimiento de Arturo ayudando a su padre, Úter Pendragón, a conquistar mediante hechizos a su enamorada, además de quien cuida del joven rey, quien le asesora y quien le ayuda a vencer a sus enemigos. Tan grande fue el éxito de la obra de Geoffrey de Monmouth que se realizaron cientos de copias manuscritas para distribuirlas por toda Europa. Después, los nombres de Arturo y de Merlín serían recogidos por otros autores aumentando su leyenda. El más importante de aquellos libros posteriores: La muerte de Arturo, escrito en el siglo XV por Sir Thomas Malory.

Durante la Edad Media y algún tiempo después se creyó firmemente que Merlín había sido un personaje real del siglo V, autor de una serie de profecías que circulaban por el continente. Los comentaristas franceses sostenían que estas se habían cumplido con exactitud y los italianos lo elevaron a la altura de profeta bíblico, como Isaías. Hoy no es así, pero la pregunta sigue en pie: ¿quién fue realmente este personaje? La hipótesis más aplaudida sostiene que se trata de un profeta antiquísimo que actuó bajo un nombre diferente al de Merlín, por supuesto. Para corroborarla basta la existencia real de los vaticinios mencionados. Sus profecías, escritas a finales del siglo V, han sido recopiladas. Ocupan diez páginas escritas en latín y se dividen en dos partes sin transición visible entre ambas. Muchas de ellas describen cómo serán expulsados de la isla los anglosajones, así como la llegada de un libertador, El Jabalí de Cornualles –primera alusión al rey Arturo–, cuyas hazañas servirán “de alimento a los narradores”. Hasta el momento los estudiosos de su obra no han logrado alcanzar un acuerdo sobre la precisión de las interpretaciones y, mucho menos, sobre su cumplimiento.

El problema radica en que este profeta utiliza un lenguaje oscuro, abstracto, plagado de menciones a animales y seres mitológicos como el dragón. “Descenderá el zorro de las montañas, se transformará en lobo y, con el pretexto de mantener una conversación con el jabalí, se acercará taimadamente a él y lo devorará por entero”, reza una de ellas. Otras parecen más claras, como la que dice lo siguiente: “El Canal de la Mancha se hará tan estrecho que la gente podrá mantener una conversación de orilla a orilla”. Para los más entusiastas, se trata de una clara alusión al actual túnel trazado bajo el Canal. Sus profecías siempre terminan entre inundaciones y tormentas, lo que no equivale al fin del mundo. A pesar de esta falta de claridad, se ha comparado a su autor con Nostradamus. Incluso se ha llegado a aventurar que este no habría existido sin el primero o, al menos, que no habría gozado de tanta popularidad.

También se baraja la posibilidad de que Myrddin fuese en realidad un druida, quizá el más famoso en toda la historia de los antiguos celtas. Geoffrey de Monmouth era descendiente de los celtas británicos y que muy bien podría haber conocido la verdadera historia de Myrddin a través de la tradición oral. En el mundo celta, los druidas eran magos, jueces, médicos, líderes espirituales… Poseían la capacidad de detener o iniciar guerras y dominaban las propiedades de las plantas. Para convertirse en uno de ellos había que pasar años estudiando dentro de cuevas y bosques, que eran considerados santuarios. Druida podría significar “conocedor del roble”, el árbol al que los celtas conferían una importancia especial. De hecho, existe un lugar en el bosque bretón de Broceliande donde se dice que está enterrado el cuerpo de Merlín en medio de un mar de robles. Otros poderes que se les atribuían eran los de cambiar el tiempo, aparecer bajo forma animal, predecir el futuro y volverse invisibles.

Lo mismo que los ciclos artúricos cuentan que podía hacer Merlín. El final de esta casta sacerdotal llegó con la conquista del mundo celta por las legiones romanas. Escandalizados por la costumbre druídica de sacrificar a seres humanos como ofrenda a sus deidades, los romanos asaltaron en el año 60 la fortaleza de la isla de Mona, mataron a todos los sacerdotes que hallaron y destruyeron sus bosques de roble. Ese fue el inicio de su lenta pero inevitable extinción. Sin embargo, algunos de ellos sobrevivieron y perpetuaron sus creencias, pero ya en la clandestinidad. Y quizá uno de ellos fue Myrddin, que alcanzó una fama inmortal por sus altos conocimientos y por su especial capacidad de liderazgo entre las últimas tribus guerreras celtas.

Otra hipótesis identifica a Merlín como un dios celta cuyo nombre fue siendo modificado con el paso del tiempo. Durante la época en la que el cristianismo se fue imponiendo en su territorio los paganos enclavados en Britania e Irlanda no fueron perseguidos de la misma forma que sus equivalentes del continente. Esto propició que los dioses y las diosas de la antigua mitología celta sobrevivieran a través de la poesía y de los relatos populares disfrazados bajo la forma de reyes, santos o encantadores… y también de profetas. ¿Podría ser este el origen de Merlín? Además, se sabe que los celtas británicos tenían un dios primordial, semejante al Apolo griego. Su dominio era la isla entera, aunque estaba especialmente ligado a la ciudad de Moridunum, fundada por los romanos, cuyo nombre pudo dar lugar a Myrddin y, de ahí, a Merlín.

También los poderes que se le atribuyen al Merlín literario son los mismos que posee cualquier dios de la antigüedad: transfigurarse en animal, dominar los elementos, vaticinar el futuro… Por si esto fuera poco, el nacimiento de Merlín narrado en la Historia de los reyes de Britania corre parejo al de otros grandes dioses, como el propio Cristo. Su madre es descendiente de un linaje real, no nació como consecuencia una unión sexual humana y desde muy pequeño destacó por su inteligencia y sus sabias respuestas, impropias de alguien de su edad. La única salvedad es que a Merlín se le conocía como… ¡el hijo del Diablo! Pero incluso este hecho puede ser fácilmente interpretado desde la óptica de la religión celta, plagada de dioses sanguinarios que exigían tributos humanos y con días dedicados al encuentro con las almas de los difuntos, como la conocida festividad de Samain, celebrada el 1 de noviembre, que más tarde se convertiría en la popular noche de Halloween o en la fiesta de Todos los Santos para los cristianos.

En este sentido, esos mismos cristianos podrían haber visto en los dioses celtas a verdaderos demonios, con lo que la correspondencia Merlín-hijo del Diablo estaría más que justificada.

La última hipótesis sobre su verdadero origen lo describe como un bardo, otra figura propia del mundo celta. La tradición popular vuelve a hablar de un tal Myrddin o Lailoken, bardo al que se tenía gran respeto. Aunque no se conserva ningún poema atribuido a él, entre los galeses de la época de Geoffrey de Monmouth circulaban versos que supuestamente había pronunciado esta persona, lamentos nostálgicos de carácter semipolítico que más tarde fueron incluidos en la obra La profecía de Britania, que leyó el propio Monmouth.

La zona de Somerset (Reino Unido) también está asociada a la figura de Merlín y a las narraciones artúricas. Así sucede con la abadía de Glastonbury, lugar que, según la leyenda, alberga la auténtica tumba del rey Arturo, que regresará a Inglaterra “cuando esta más lo necesite”.

En la llanura de Salisbury se levanta uno de los monumentos megalíticos más importantes del mundo: Stonehenge. Los arqueólogos cifran su construcción entre los años 3500 y 1100 a.C. debido a que el complejo se erigió en tres fases. Sin embargo, una antigua leyenda celta relata cómo fue el mismísimo Merlín quien robó esas piedras a los irlandeses para transportarlas por el aire hasta su emplazamiento actual. Todo porque el mago afirmaba que quien se bañara a los pies de la construcción “quedaría sanado de todo mal”. Lo más importante es que los datos históricos confirman que este bardo sirvió como consejero a las órdenes del rey Gwenddolau hasta su muerte en el 574.

Entonces Lailoken se sumergió en la locura y se retiró a los bosques de Celidon, donde se dedicó a hacer profecías. Parece ser que Monmouth recogió este final para atribuírselo a Merlín reinterpretado de forma mucho más poética: muerto Arturo en la batalla de Calman, Merlín se retira al bosque a meditar mientras el rey es enterrado. Allí se enamora de una de las damiselas del lago, Nimue. La mujer no responde a su cortejo, pero acepta seguirle para aprender los secretos de su magia. Finalmente, cansada de su insistencia, Nimue le encierra en una prisión mágica dentro de una cueva a través de uno de los hechizos que el propio mago le ha enseñado. Son varios los arqueólogos y los aventureros que han buscado sin éxito esa tumba.

La tradición popular la sitúa junto a un riachuelo ubicado cerca de la localidad escocesa de Tweeddale que corre veloz colina abajo rodeando un promontorio entre árboles. No es la única opción. En Wiltshire encontramos otra tumba atribuida al mago en el Monte Merlín, un túmulo artificial con forma escalonada que fue construido en el siglo XVII. En su cima se erigen los restos de un castillo normando, levantado probablemente sobre las ruinas de un enclave mucho más antiguo. Otros emplazamientos relacionados con su figura son la Colina de Merlín, en el valle de Towy; la Arboleda de Merlín, también en este emplazamiento, y la Piedra de Merlín y la Cueva de Merlín, en el mismo lugar donde se sitúa el nacimiento de Arturo, Tintagel. De todas, la más famosa es la citada tumba de Merlín en el bosque de Broceliande, lugar de peregrinación para muchos seguidores del movimiento New Age. Porque Merlín es ante todo un adorador de los árboles, un ser respetuoso con las plantas y el poder de los elementos.

Por ello, esta tumba consiste en un túmulo de piedras colocado en un claro del bosque donde cientos de personas oran y realizan ofrendas a la Madre Naturaleza. También las ruinas de Stonehenge, ligadas a la figura del mago, fueron objeto de peregrinación hasta 1985, cuando las autoridades prohibieron la reunión que los druidas modernos realizaban allí cada solsticio de verano. Ejemplos de cómo, más allá de obras literarias y tradiciones orales, la figura de aquel hombre, real o ficticio, ha pasado a formar parte de la imaginería mundial como símbolo de lo natural, de lo mágico y de lo trascendente.



Existe un compendio de profecías de este mago que apuntan al fin de los tiempos. Aquí están los estractos, juzgue usted mismo.

Escritas cerca del año 400 de nuestra era, a este enigmático personaje se le atribuyen numerosas profecías, las que fueron recopiladas por Volta en el año 1450. En ellas hablaba de numerosos hechos históricos, como las Cruzadas, donde previene la muerte de numerosos cristianos, el descubrimiento de América, la esclavitud y la revolución francesa.

Según el sitio profetasyprofecias.com en todas ellas hay una precisión increíble y lo más escalofriante es que aún faltan varios hehcos más que pueden suceder. Entre ellos la “Pérdida del poder papal y la destrucción de Roma”.


“Antes de que la cosa nacida en Jerusalén llegue a su vigésimo año (Veinte Siglos) de edad, el país de Italia tropezará. Se llama Romana y una gran parte será acabada por el Apóstol (el Papa). Habrá un Papa que no osará mirar a Roma. Una cosa semejante que los romanos saben entre otras, que antes de que ese Papa cambie de siglo, hará sufrir a Nuestro Señor tal vergüenza que no se podrá aparejar. Y es entonces cuando los romanos sabrán que empieza su destrucción, como castigo de sus pecados”


“El mundo será un césped. Y en el césped tres muchachas jugarán. Pero bajo la Tierra yo veo el fuego. Y cuando una de las tres muchachas lanza la piedra, todas las tres muchachas serán alcanzadas. En el césped habrá fuego y en cada fuego se escribirá un nombre. Pero el nombre fue escrito para olvidarse. Cuando la madre del Señor aparezca en varios sitios y cuando el apóstol tenga dos nombres, será el momento de prepararse, pues la sexta hora estará próxima”

Las tres muchachas serían tres países capaces de “jugar con el mundo” es decir, muy poderosos. Por otra parte en los últimos años ha habido apariciones marianas y el papa Juan Pablo II, “el apóstol”, tenía dos nombres.


“El dragón aparecerá entre los mortales al finalizar el año 2000. Parecerán Victoriosos, llenos de honra. Pero será bueno que los hombres mantengan la mirada fija sobre la Toscaza, porque será de ese lado que aparecerá el dragón. Allí serán sacrificadas las vírgenes. El litoral de Cartago será tragado por el mar y se desfigurarán otras tierras. Es el tiempo del dragón de Babilonia. Cuando el dragón de Babilonia llegue al fin, muchas señales saltarán de la tierra africana. Las ciudades de los seguidores del dragón serán destruidas.

Próximo el fin del mundo, cuando el sol y la luna cambiarán, los grifos vendrán a comer trigo. Los países estarán llenos de lágrimas. El sol se demorará en el Este y la luna en el Occidente; y ellos no seguirán más su curso. En ese momento en que los hombres y mujeres tendrán los niños más raramente, las personas perderán la fe y el mundo será sumamente malvado: los pequeños se apretarán. Los grifos volarán en Egipto.

Próximo el fin del mundo, el Papa y los Cardenales tendrán que huir de Roma hacía un lugar donde ellos pasarán inadvertidos, bajo circunstancias difíciles. El morirá de una manera cruel en su sufrimiento, en el exilio. Los sufrimientos de la iglesia serán mayores que en cualquier tiempo pasado.




Fuente: eloraculodelosdioses

En 1985, el investigador Germán de Argumosa registró agresivas voces en una de las grabaciones más largas de la historia del misterio. Diez minutos de extraños sonidos que resultaron ser premonitorios. Importantes personalidades vinculadas a la política de la época estuvieron presentes en el momento de la grabación. Hoy en día es considerada una psicofonía maldita.

«La psicofonía del infierno»: Germán de Argumosa (), afamado escritor, fue protagonista en 1985 de uno de los episodios más sorprendentes de la parapsicología de nuestro país. Acompañado de un nutrido grupo de personalidades de la alta alcurnia española, se dispuso a realizar una innovadora experiencia de la que se obtuvieron sorprendentes resultados.

Como grandes interesados en el estudio de las ciencias, Germán y su equipo decidieron llevar a cabo una grabación psicofónica en la planta baja de un chalet a las afueras de Madrid. Un lugar en el que solían reunirse habitualmente y que por supuesto, conocían a la perfección.


Para llevar a cabo su experimento, Germán procedió a dejar un magnetófono en el piso inferior del domicilio durante diez minutos. Una vez trascurrido ese tiempo, acudió a recogerlo. Cuando posteriormente comenzó a escuchar al completo la grabación junto al resto de sus compañeros, no podía creer lo que allí había quedado registrado: diez minutos ininterrumpidos de gritos, voces y todo tipo de extraños sonidos que reflejaban mensajes de dolor.

Sin embargo, a pesar de la terrorífica experiencia vivida, Germán no dudó en compartir la misteriosa psicofonía con otros entendidos de la profesión, que también quedaron sorprendidos al escucharla. De hecho, pocos días después, el propio investigador concedía una entrevista al programa “La Otra Frontera” de la emisora local madrileña Radio Enlace, donde sus directores Ricardo Hernández y Luis Illana pudieron emitir algunos pequeños fragmentos.


Durante años, los enigmas en torno a los supuestos mensajes premonitorios de la psicofonía del infierno han sido objeto de numerosos estudios. Así pues, el propio profesor advirtió en más de una ocasión de los peligros que podría tener escucharla al completo. Quizá recordó durante toda su vida, la trágica noticia del fallecimiento de un joven diplomático chileno presente en el chalet, que tres meses después de la grabación, se ahogó en extrañas circunstancias.



Sinopsis de Carlos Largo y Fermín Agustí (Cadena SER).
Fuente: ikerjimenez

Halloween significa "All hallow's eve", palabra que proviene del inglés antiguo, y que significa "víspera de todos los santos", ya que se refiere a la noche del 31 de octubre, víspera de la Fiesta de Todos los Santos. Sin embargo, la antigua costumbre anglosajona le ha robado su estricto sentido religioso para celebrar en su lugar la noche del terror, de las brujas y los fantasmas. Halloween marca un triste retorno al antiguo paganismo, tendencia que se ha propagado también entre los pueblos hispanos.


La celebración del Halloween tiene su origen en una festividad céltica conocida como , antiguos pobladores de Europa Oriental, Occidental y parte de Asia Menor. Entre ellos habitaban los druidas, sacerdotes paganos adoradores de los árboles, especialmente del roble. Ellos creían en la inmortalidad del alma, la cual decían se introducía en otro individuo al abandonar el cuerpo; pero el 31 de octubre volvía a su antiguo hogar a pedir comida a sus moradores, quienes estaban obligados a hacer provisión para ella.


El año céltico concluía en esta fecha que coincide con el otoño, cuya característica principal es la caída de las hojas. Para ellos significaba el fin de la muerte o iniciación de una nueva vida. Esta enseñanza se propagó a través de los años juntamente con la adoración a su dios el "señor de la muerte", o "Samagin", a quien en este mismo día invocaban para consultarle sobre el futuro, salud, prosperidad, muerte, entre otros.

Cuando los pueblos celtas se cristianizaron, no todos renunciaron a las costumbres paganas. Es decir, la conversión no fue completa. La coincidencia cronológica de la fiesta pagana con la fiesta cristiana de Todos los Santos y la de los difuntos, que es el día siguiente, hizo que se mezclara. En vez de recordar los buenos ejemplos de los santos y orar por los antepasados, se llenaban de miedo ante las antiguas supersticiones sobre la muerte y los difuntos.

Algunos inmigrantes irlandeses introdujeron Halloween en los Estados Unidos donde llegó a ser parte del folclore popular. Se le añadieron diversos elementos paganos tomados de los diferentes grupos de inmigrantes hasta llegar a incluir la creencia en brujas, fantasmas, duendes, drácula y monstruos de toda especie. Desde ahí, se ha propagado por todo el mundo.

El 31 de octubre por la noche, en los países de cultura anglosajona o de herencia celta, se celebra la víspera de la fiesta de Todos los Santos, con toda una escenografía que antes recordaba a los muertos, luego con la llegada del Cristianismo a las ánimas del Purgatorio, y que ahora se han convertido en una ensalada mental en la que no faltan creencias en brujas, fantasmas y cosas similares.


En cambio, en los países de cultura mediterránea, el recuerdo de los difuntos y la atención a la muerte se centra en el 2 de noviembre, el día siguiente a la celebración de la resurrección y la alegría del paraíso que espera a la comunidad cristiana, una familia de "santos" como la entendía San Pablo.

Diversas tradiciones se unen, se mezclan y se influyen mutuamente en este comienzo de noviembre en las culturas de los países occidentales. En Asia y África, el culto a los antepasados y a los muertos tiene fuertes raíces pero no está tan ligado a una fecha concreta como en nuestra cultura.

Reza la leyenda que...

La noche de Halloween, la puerta que separaba el mundo de los vivos del más allá se abría y los espíritus de los difuntos hacían una procesión en los pueblos en los que vivían. En esa noche los espíritus visitaban las casas de sus familiares, y para que los espíritus no les perturbasen los aldeanos debían poner una vela en la ventana de su casa por cada difunto que hubiese en la familia. Si había una vela en recuerdo de cada difunto los espíritus no molestaban a sus familiares, si no era así los espíritus les perturbaban por la noche y les hacían caer entre terribles pesadillas.

Fuente: aciprensa.com

A nivel emocional, aunque Internet crea parejas a veces también las rompe. Aquellos que podrían ser considerados 'adictos', además de abandonar a sus amigos del 'mundo real', a veces ignoran a su pareja e incluso a sus hijos.

También puede acarrear muchos problemas físicos como los dolores de espalda, obesidad por la falta de ejercicio o trastornos del sueño. En casos extremos puede provocar la pérdida del puesto de trabajo por una bajada drástica en la productividad.

Así mismo, se cree que la Red podría producir una pérdida de la capacidad para relacionarse con los demás o timidez extrema. Los usuarios, acostumbrados al anonimato propio del ciberespacio, son incapaces de mantener relaciones cara a cara. Esta idea contrasta con un estudio realizado en Berlin en 1995, donde se afirma que los navegantes de Internet suelen ser más sociables y estar mejor integrados, ya que cuentan con mejores posibilidades de comunicación.

Aun existiendo la duda de si la 'adicción' a Internet existe como tal y de si ha de ser tratada como una patología, los centros, páginas web y psicólogos que ofrecen ayuda son cada vez más.

En cuanto a los Institutos que tratan este trastorno destacan como pionero el de Pittsburgh (EE UU) y el nuevo que se ha creado en Boltenhagen (Alemania), especializado en jóvenes de 10 a 17 años. Según ha declarado a elmundosalud.com su directora, Ute Garnew, tratan cualquier tipo de dependencia a los medios de comunicación e información. "Las niñas muestran más 'adicción' a la televisión y los niños a los juegos de ordenador".

También hay una serie de centros que tratan esta materia a pesar de estar especilizados en las adicciones en general. En este sentido, Alcohólicos Anónimos parece estar estudiando la posibilidad de abrir un departamento especial dedicado al abuso de Internet.

Irónicamente, la Red es la que alberga una mayor cantidad de recursos enfocados a solucionar el problema. Tests para medir el nivel de adicción, grupos de ayuda 'on line' o guías sobre el trastorno, son algunas de las soluciones que se ofrecen en la Web.

Como todo lo relacionado con la nueva tecnología, la adicción a Internet es un concepto difícil de abarcar por la cantidad de opiniones y factores implicados. Unos elementos llevan a otros, igual que ocurre en la red, lo que impide establecer una sóla dirección. Sin embargo, el consejo que se puede extraer, después de analizar todas las opiniones sobre el tema, es que lo fundamental es 'navegar' con prudencia y de forma inteligente para evitar posibles 'naufragios'.


Fuente: elmundo.es/elmundosalud/2003/09/05/neuropsiquiatria/1062774149.html

Edgar Allan Poe escribe en 1838 una novela “Las aventuras de Arthur Gordon Pym” y trata de 4 marineros náufragos que se salvan en una lancha... en su desesperación, echan suertes para decidir quien tiene que morir, para que los otros se lo coman y puedan sobrevivir. El desdichado que pierde, era el grumete Richard Parker a quien apuñalan para matarlo y comérselo.

En 1884 (46 años después), 3 ingleses fueron juzgados por el extraño asesinato de un grumete... Los 4 habían sobrevivido a un naufragio en una balsa... Decidieron matar a uno para comérselo y sobrevivir... El grumete al que mataron, se llamaba Richard Parker!


En 1973 la actriz inglesa Julie Christie filmó una película “Don´t Look Now” (No mires ahora)... Interpreta la madre de un niño que se ahoga en una alberca y lo encuentran flotando boca abajo.

En 1979 (6 años después), Jonathan y Leslie Heale (amigos de la actriz), le rentan a Julie su casa de campo para vacacionar... Días después, encuentran a su bebe ahogado en la alberca y flotando boca abajo!


El 14 de abril de 1912, el Trasatlántico Británico “Titanic” chocó contra un iceberg... solo 705 de los 2,207 pasajeros, sobrevivieron... En 1892 (20 años antes del Titanic) el periodista ingles W.T. Stead publico un articulo en una revista llamado “Del Viejo Mundo al Nuevo”. Trataba del rescate de los sobrevivientes en el choque de un Trasatlántico contra un Iceberg, en el Atlántico Norte.

La mayoría de los pasajeros se habían ahogado, porque no había suficientes botes salvavidas abordo. El nombre del capitán del barco en el cuento, era E.J. Smith... El Titanic se hundió en el Atlántico Norte y el nombre de su capitán era E.J. Smith... W.T. Stead (el autor del cuento) era uno de los pasajeros que murieron cuando se hundió el Titanic.

En 1898 (14 años antes del Titanic), Morgan Robertson escribió una novela llamada “Futility” (inutilidad)... Trata del choque de un Trasatlántico de Lujo contra un Iceberg... El barco se llamaba “Titán” y se decía que nunca se hundiría. El Titán (al igual que el Titanic) contaba con 3 hélices, 4 chimeneas y capacidad para 3000 pasajeros... Tampoco llevaba suficientes botes salvavidas.


El famoso Apollo 13 despego de Cabo Cañaveral, un 11 de abril a las 13 hrs. con 13 minutos ... 2 días después, el 13 de abril, una explosión destrozo prácticamente un panel lateral del cohete Saturno V ... Aunque la NASA dice que no es cuestión de suerte o de superstición, desde entonces, no ha vuelto a aparecer el #13 en ninguna de las instalaciones y/o de los proyectos de la NASA.


Una chica mexicana que vive en L.A. (no recuerdo su nombre), tenía pánico a los aviones y no se decidía a volar... Cuando finalmente la convencieron, en su primer vuelo abordó un avión de la Cia. Western Airlines que se estrello en Cerritos California... Ella fue una de los sobrevivientes...

Un par de años después, todavía con el trauma por el avionazo, se decidió venir a México en avión, pues el viaje era de urgencia. Era su segundo vuelo y abordó un avión de Mexicana... Llegando a México, se estrello el aparato en la pista 23 izquierda (que estaba en reparación) y habían dejado un camión de volteo en medio de la pista... También sobrevivió al avionazo... Nunca mas quiso subirse a otro avión.


El mayor Summerford, oficial del ejercito británico, fue tocado 3 veces por un rayo ... en 1918, 1924 y 1930. Cuatro años después de su muerte, un rayo destruyo su tumba.


En 1971, la copia original del libro "La niña de Petrovka" del autor George Pfeifer, fue robada de su auto en Londres. Por ser la original, había hecho anotaciones en el margen... 2 años después, decidieron llevar esta obra al cine y escogieron al actor Anthony Hopkins como el actor principal...

Cuando el actor firmo el contrato, fue a comprar una copia, la cual estaba ya agotada en todas las librerías... De regreso a casa, en el metro de Londres, encontró un libro olvidado en un asiento... El libro era "La niña de Petrovka"!!... Lo mas impactante del caso, es que el libro era la copia original llena de anotaciones que le habían robado a Feifer 2 años antes!


Cuenta la historia que hace varios años, un agricultor de apellido Flemming salvo a un niño que se estaba ahogando en un pantano. Como el padre del niño era muy rico, le ofreció dinero para recompensarlo, pero el Sr. Flemming se rehuso a aceptarlo... Sin embargo, el padre agradecido ofrecio entonces pagar los estudios del hijo del granjero, lo cual finalmente acepto.

Con el paso del tiempo, el hijo del granjero se graduó en la Escuela de Medicina de St. Mary's Hospital, en Londres... Pocos años después, el buen aristocrata cayó muy grave, enfermo de pulmonía. Solo un medicamento lo podía salvar: "La Penicilina"...

Pero, quien inventó La Penicilina? Alexander Fleming... Precisamente aquel niño humilde, hijo del granjero a quien él mismo había pagado su educación! ... y ... como se llamaba el noble ingles? Randolph Churchill, papa del niño que se estaba ahogando en el pantano, quien era nada menos que Sir Winston Churchill, Primer ministro de Inglaterra y Comandante en jefe de la armada inglesa durante la segunda guerra mundial!


Fuente: scribd.com

Mientras dormimos, nuestros cuerpos pueden estar descansando, pero nuestros cerebros están ocupados sacando la basura.

Un nuevo estudio citado por The Washington Post ha encontrado que el sistema de limpieza en el cerebro, responsable de deshacerse de productos de desecho tóxicos que las células producen con el uso diario, va a toda marcha en ratones que están dormidos. Las células incluso disminuyen de tamaño para hacer para facilitar la limpieza de los espacios que las rodean. Los científicos dicen que la autolimpieza nocturna del cerebro da una razón biológica convincente sobre el poder reparador del sueño. "Dormir pone el cerebro en un estado en el que limpia todos los subproductos de la actividad durante el día", dijo el autor del estudio, el neurocirujano Maiken Nedergaard de la Universidad de Rochester. Estos subproductos incluyen proteína beta-amiloide, grupos que forman placas en los cerebros de los pacientes de Alzheimer.

The Washington Post dice que salir todas la noche podría impedir que el cerebro se deshaga de estas toxinas de manera eficiente, y explica por qué la falta de sueño tiene consecuencias tan fuertes e inmediatas. Demasiado poco sueño causa confusión mental, irritabilidad y aumento del riesgo de migraña y convulsiones. Las ratas privadas de sueño mueren en cuestión de semanas, explica. El sueño, de acuerdo con los especialistas, juega un papel clave en la formación de la memoria: va mentalmente a través de los acontecimientos del día y están limpiando ciertos recuerdos en el cerebro. Pero dormir durante ocho horas o más sólo para consolidar los recuerdos parece excesivo, dijo Nedergaard. Sobre todo para un animal, como un ratón.

El nuevo descubrimiento tiene una importancia vital para los enfermos de Alzheimer: ¿Y si se descubre que un sueño reparador evita toda esa basura que causa la enfermedad? Los estudiosos están analizando esta información porque, en apariencia, la solución a esta lamentable enfermedad parece estar muy a la mano de todos: en la cama.


Fuente: sinembargo.mx/20-10-2013/789787

En el Génesis no se hace ninguna referencia al tipo de fruto que comieron Adán y Eva: "Puedes comer de todos los árboles que hay en el jardín, exceptuando únicamente el árbol del conocimiento del bien y del mal. De él no deberás comer, porque el día que lo hagas quedarás sujeto a la muerte".

Probablemente la invención del mito de la manzana viene de algunos pintores renacentistas como Lucas Cranach, el Viejo, o Alberto Durero.

Para fundamentar una conclusión, a veces, personas muy sabias en alguna materia citan una fuente sin revisarla, haciendo decir a la fuente lo que no dice y restándole credibilidad a su trabajo (También suelen difamar involuntariamente a la fuente). Tal es el caso del psiquiatra y psicólogo infantil Bruno Bettelheim en el texto que reproduzco a continuación:

"En numerosos mitos, así como en los cuentos de hadas, la manzana simboliza el amor y el deseo, tanto en su aspecto positivo como peligroso". La manzana que se ofreció a Afrodita, diosa del amor, dando a entender que era la preferida de entre las diosas, provocó la guerra de Troya. Por otra parte, la manzana bíblica fue el instrumento que tentó al hombre a renunciar a la inocencia a cambio de conocimiento y sexo. Aunque Eva fuera seducida por la masculinidad del macho, representada por la serpiente, esta última no podía hacerlo todo por sí sola: necesitaba la manzana, que en la iconografía religiosa simboliza, también, el pecho materno.

En el pecho de nuestra madre todos nos sentimos impulsados a formar una relación y a encontrar satisfacción en ella. En la historia de «Blancanieves», madre e hija comparten la manzana. En este relato, lo que dicha fruta simboliza es algo que la madre y la hija tienen en común y que yace a nivel incluso más profundo que los celos que sienten la una de la otra: sus maduros deseos sexuales. "(Bruno Bettelheim (1903 – 1990), psiquiatra y psicólogo infantil, de "Psicoanálisis de los Cuentos de Hadas", Crítica, Las Ideas, México, 1.995).

Sin cuestionar los conocimientos del señor Bettelheim en su materia específica, parece que nunca leyó la Biblia:

1.- La Biblia no habla de una manzana, sino de un fruto.*

2.- Adán no renunció a su inocencia a cambio de sexo, porque el sexo era un derecho y un mandato proveniente de Dios que ya había recibido:

"27 Y Dios creó el hombre a su imagen; lo creó a imagen de Dios, los creó varón y mujer."

"28 Y los bendijo, diciéndoles: «Sean fecundos, multiplíquense, llenen la tierra y sométanla; dominen a los peces del mar, a las aves del cielo y a todos los vivientes que se mueven sobre la tierra». (Génesis 1: 27 – 28, "El libro del Pueblo de Dios". "La Biblia", Armando J. Levoratti, Alfredo B. Trusso y ocho colaboradores, autorizada por Raúl Francisco Cardenal Primatesta, Fundación Palabra de Vida, fundación San Pablo, 12ª edición, España, 1.995)

3.- En la forma de hablar antigua, "conocer lo bueno y lo malo" no significaba un conocimiento, sino independencia para decidir qué era bueno o malo para él, en contraposición a la intención y el derecho de Dios de fijar las normas morales para el hombre.

4.- La serpiente no representa en la Biblia nada que tenga relación con el sexo, porque el sexo no era una cuestión conflictiva o no resuelta para la primera pareja. Se trató simplemente de un animal de los tantos que vivían en el jardín de Edén, del que se valió un ser invisible para engañar a Eva y hacerla partícipe de una rebelión iniciada por este ser. El pecado original nada tiene que ver con el sexo; se trata, más bien, de un pecado de soberbia, ingratitud y desconfianza hacia el Creador y de una rebelión contra su autoridad y su derecho de ser el Legislador de sus creaciones.

5.- Podemos discutir, lamentablemente no con Bruno Bettelheim, si la historia es o no es un mito; les doy un dato: la última costilla, de la que la narración dice que fue usada por Dios para crear a la mujer, es el único hueso del cuerpo humano que se regenera completamente si se tiene la precaución de dejar un fragmento de periostio. ¿Casualidad?

* Al parecer, fue el pintor Durero el primero que pintó una manzana en un lienzo. Si hubiera dibujado un fruto amorfo, nos hubiera ahorrado un montón de confusiones.

1.- Es la facultad de decidir uno por sí mismo lo que es bueno y lo que es malo, y de obrar en consecuencia: una reclamación de autonomía moral. El primer pecado ha sido un atentado a la soberanía de Dios. "Biblia de Jerusalén," «El árbol del conocimiento del bien y del mal»; la realidad representada por este símbolo no puede ser simplemente el discernimiento moral –prerrogativa que Dios no niega al hombre- sino la facultad de decidir por sí mismo lo que es bueno y lo que es malo, independientemente de Dios. Al desobedecer el mandato divino, el hombre reivindica para sí una autonomía que no se conforma con su condición de criatura y usurpa un privilegio exclusivo de Dios."

2.- Antiguamente existió una secta que fue condenada por un papa por enseñar la creencia de que el pecado original era de carácter sexual. La creencia de que la práctica del sexo entre Adán y Eva fue un pecado, no tiene apoyo bíblico. Algunos dicen que el pecado no fue el sexo para la reproducción, sino con el fin de sentir placer; compare con Proverbios 5:3-20, especialmente 5:19.












Fuente: Archivo PDF

Los últimos años de la dictadura franquista fueron extraordinariamente movidos. Hubo una intensificación de la oposición democrática al régimen, con abundancia de protestas, huelgas y manifestaciones. También hubo un rearme de las actividades represoras, volviendo a los años más duros del franquismo. Información y represión eran los dos pilares básicos en estos momentos para el régimen. En primer lugar hay que citar al TOP. El Tribunal de Orden Público fue un organismo judicial especial que se creó en los últimos años. Su objetivo era reprimir las actuaciones consideradas como delitos políticos. Completaban el complejo sistema de información y represión la Brigada Político Social, los servicios de inteligencia militar, la Policía Armada (los popularmente grises) y la Guardia Civil, cuerpo que se había mostrado fiel al bando nacional durante la guerra. Lo típico aquí eran las detenciones, los interrogatorios, las amenazas, las palizas, las torturas, las condenas y la separación del implicado de la vida pública.

Se inició la actividad terrorista de ETA, con atentados dirigidos hacia personajes del sistema. El primer atentado lo sufrió en 1968 Melitón Manzanas, jefe de la Brigada Político Social en el País Vasco, colaborador de la Gestapo durante la pasada guerra mundial, acusado por muchos de emplear la tortura en los interrogatorios.

El caso más sonado fue el asesinato de Carrero Blanco en 1973, en el atentado denominado "Operación Ogro". Con este atentado se frustraba la posibilidad de continuidad de la dictadura.

Hubo estos años también una gran actividad del sindicato clandestino CCOO. Fue tristemente famoso el proceso 1001, en el que se juzgó a dirigentes del sindicato ante el TOP con condenas de largas penas de cárcel (los condenados fueron amnistiados tras la muerte de Franco).

1975. Franco agonizante firma penas de muerte: tres del FRAP y dos de ETA. Hubo una ola de protestas dentro y fuera de España, con condenas internacionales del régimen franquista, incluidas las peticiones de clemencia del papa Pablo VI, la del primer ministro sueco Olof Palme o la del presidente de México Luis Echevarría. Incluso se llegó a pedir la expulsión de España de la ONU. En el País Vasco se decretó una Huelga General que era seguida mayoritariamente, en muchas ciudades españolas se multiplicaban los paros y las protestas y en el mundo no cesaba el clamor contra las ejecuciones. Irregularidades, falta de garantías procesales... Los juicios sumarísimos que se hicieron a los acusados fueron denunciados por observadores que habían asistido a los mismos. Se hablaba de simulacros, de farsa siniestra, de burla a la justicia.

En su último discurso, Franco, ya enfermo, y un mes y pico antes de su fallecimiento, dijo:

"Todas las protestas habidas obedecen a una conspiración masónica-izquierdista, de la clase política, en contubernio con la subversión comunista-terrorista en lo social, que si a nosotros nos honra a ellos les envilece."

Circulaban por España diferentes hipótesis sobre cuando ocurriría la muerte del general.
Había opiniones para todos los gustos. Incluso se llegó a proponer un ejercicio de aritmética:


(Hay quien piensa que la muerte real pudo sobrevenir antes de la muerte oficial).
El 20 de noviembre, un día después de la predicción, tras una larga enfermedad, fallecía oficialmente Franco. Los allegados al general prolongaron artificialmente todo lo que pudieron la agonía del dictador por razones poco claras y para dejar todo bien controlado -"atado y bien atado"- antes de la sucesión, lo que supuso una auténtica tortura infligida paradójicamente no por sus enemigos, sino por los suyos.


Extraido de "La tinaja de Diógenes"
Fuente: archivo PDF

Los años sesenta no pueden reducirse a pesar de lo que muchos piensan, a unos cuantos hippies rebelándose en contra de la guerra de Vietnam. Es obvio que fue una época de controversia, pero lo que sucedió y sobre todo, lo que cambió entonces, sigue teniendo repercusiones políticas y culturales aún hoy en día.

En el periodo de posguerra, se habían concebido un gran número de niños, lo que explica que en este periodo la proporción de jóvenes en la sociedad fuese especialmente elevada. Esto da respuesta a muchas de las variaciones que fueron produciéndose, ya que la subversión provenía de unos hijos que sentían la necesidad de rebelarse contra sus padres, la Iglesia y el Estado, como símbolo de proclamación de libertad, desarrollando así una contracultura paralela. Contemplaban a la sociedad burguesa como una cosecha de normas absurdas y anticuadas, contra las que había que oponerse para formar parte del camino hacia el futuro y un mundo mejor.

De este modo, toda la espontaneidad y relajación se plasmaba en la ropa, que tenía que ser distinta y acorde con la ideología, no representando por tanto ningún símbolo de estatus o similar. Uschi Obermaier, top model de la época, resumía de este modo el espíritu de su tiempo: "todo era nuevo: la moda, la música, la filosofía, y, evidentemente, la forma de vida. No queríamos las mismas relaciones que nuestros padres, y en la comuna estábamos con la familia que habíamos elegido. Vivíamos según el principio de placer, lo probábamos todo".

A todo esto, contribuía de forma simultánea el crecimiento económico que otorgaba independencia a muchos jóvenes que podían emanciparse y montar sus propios negocios; la revolución sexual, que tal vez fuese alentada por la aparición de la píldora anticonceptiva que facilitaba a las mujeres su relaciones, y los movimientos feministas, probablemente alentados por la anterior aparición, que hacía sentir a las mujeres encadenadas siempre a preocupaciones en contraste con los hombres que se liberaban de toda responsabilidad.


La música se convirtió también en un motivo de unión entre los colectivos revolucionarios, con independencia de fronteras, culturas, razas y clases, logrando expresar todo aquello que con palabras no bastaba. Los precursores fueron Bill Haley y Elvis Presley, y destacaron especialmente los Beatles, aunque también lo hicieron con posterioridad los Rolling Stones, The Who, The Kinks, Jimi Hendrix y Eric Burdo.

También surgieron los mods, caracterizados físicamente y de forma significativa por un corte de pelo a lo "champiñón" y por supuesto los hippies y su "flower power", una manera de utilizar las flores como símbolo para la protesta contra las diferencias entre clases sociales, la intolerancia, el racismo y la guerra.

En lo que a la moda se refiere, por primera vez la de la calle entró en la alta costura, y como no podía ser de otro, lo hizo de la mano de Yves Saint Laurent. La alta sociedad sin embargo, consideraba esta moda casi como algo vergonzoso y carente de elegancia, sin entender que era precisamente eso, lo que la juventud quería, ya que la otra moda representaba una de las muchas imposiciones de antaño.

Dada esta situación, no es de extrañar que Mary Quant y su minifalda encajaran a la perfección entre las numerosas y variopintas tiendas de King’s Road y Carnaby Street en Londres, ciudad donde comenzó a surgir todo este movimiento juvenil.

El nuevo prototipo de mujer ideal lo representaba Twiggy, que con tan solo 16 años y 45 kilos de peso, se convirtió en una de las primeras modelos en ser un ídolo de masas. De hecho, con 19 años había reunido tanto dinero, que podría haberse retirado para el resto de su vida.

En París, la alta costura seguía su curso con un ídolo distinto, Jacqueline Kennedy, que tampoco pudo resistirse a la minifalda que lució por primera vez en 1966. Es entonces cuando el New York Times comentaría que el futuro de esta prenda estaba asegurado.


André Courrèges también contribuyó de forma significativa a la moda, creando en 1964 el estilo Space Age, que se caracterizaba por botas blancas sin tacón, pantalones y vestidos de corte geométrico y todo de un color blanco reluciente o plateado.

Pierre Cardin tampoco pudo resistirse y acabó sintiéndose imbuido por todo este universo de formas geométricas, creando vestidos cuyos escotes, estaban incluso diseñados con regla y compás.

Paco Rabanne cierra el triángulo de los tres diseñadores más característicos de la época, con una moda utópica de plástico y metal, no siempre realista para las necesidades del día a día, aunque no por ello carente de arte.

El prêt-à-porter y la moda de boutique, era lo más innovador de los años 60, lo que se vio reflejado en las colecciones de muchos profesionales que lanzaron segundas y terceras líneas de precio más asequible, tratando de abastecer así a unos jóvenes que rechazaban todo, pero no el consumismo.

Gradualmente, las diferencias entre clases fueron desapareciendo, y finalmente se conformó una dimensión en la que todo convivía: mini y maxi, pantalones y faldas…

Balenciaga diría: "la moda se ha vuelto vulgar", y tras ello cerraría sus salones en París y España. Desde entonces, se sigue buscando a su sucesor.




Laura Searle
redactora a+D
Fuente: archivo PDF

La guitarra es un instrumento musical de cuerdas que son pulsadas con los dedos, antiguamente las cuerdas eran de tripa y hoy en día son de nylon, tiene una caja de resonancia con la parte posterior plana y suaves curvaturas que le dan un donaire especial, en contraste con los miembros de la familia del laúd, que se caracterizan por su fondo convexo. Su construcción es de primordial importancia para poder asignar a la guitarra su verdadero origen y posición en la historia de los instrumentos musicales, un sitial intermedio entre la cithara y el violín. Los instrumentos medievales de cuerdas con mástil se dividen en dos clases, caracterizados principalmente por la forma y construcción de la caja de resonancia:

Aquellos instrumentos que como su arquetipo, la cithara, tienen una caja compuesta por un fondo plano o ligeramente arqueado y una tapa armónica sujeta por una especie de costillas denominadas varetas, barras de refuerzo de madera.

Los instrumentos, que como la lira, tienen una caja que consiste de un fondo convexo sobre el cual se apoya la tapa armónica sin ningún tipo de costillas de madera. Este método de construcción difundido entre los instrumentos orientales es musicalmente inferior al primero.

La prueba más evidente de esta inferioridad se sustenta en el hecho que los instrumentos con fondo bombeado, como el rebab o rebec , a pesar de haber estado difundidos en la Edad Media por todo el continente europeo con diferentes formas y tipos, han mostrado poco o ningún desarrollo en el curso de los 12 siglos venideros, apagándose y alejándose uno a uno de la práctica musical sin quedar un sólo sobreviviente. La guitarra pertenece a la primera de estas clases.

El fondo y las varetas de la guitarra, que usualmente son siete dispuestas en forma de abanico, son de arce o palo santo de la India o de Río, frecuentemente embutidos con Palo de Rosa, mientras que la tapa puede ser de pino, abeto, cedro o incluso ciprés. La tapa armónica se halla perforada en la parte intermedia por un agujero llamado boca o tarraja. El puente situado en la parte inferior de la tapa, es donde va encordada la guitarra en ese extremo, suele ser de ébano o palo santo y soporta una cejuela de marfil, hueso o plástico que sirve de apoyo a las cuerdas para que vibren, mientras la cejuela al final del diapasón determina el otro apoyo.


El mástil y el diapasón se fabrican con maderas muy duras, como ébano, palo santo o cedro. El clavijero se dispone con un pequeño ángulo de inclinación con respecto al mástil, contiene clavijeros mecánicos de metal; éstos contienen dos cortes verticales que reciben pequeñas piezas de marfil o hueso para enrollar las cuerdas y afinar el instrumento. El diapasón posee pequeñas barras de metal de alpaca o latón, denominadas trastes y que tienen el propósito de posicionar correctamente los intervalos de cada nota. La guitarra moderna posee seis cuerdas, las tres primeras de nylon y otras tres de filamentos de seda entorchadas con hilos de plata o cobre. La afinación de estas cuerdas es E0, A0, d0, g0, b0, e1. La notación en el pentagrama es una octava más alta, es decir: e0, a0, d1, g1, b1, e2.

La guitarra moderna se toca siempre con los dedos. Las cuerdas superiores o bajos son pulsadas con el pulgar, mientras que las cuerdas de nylon se pulsan con el índice, medio y anular, dejando al meñique retraído en la mano - técnica moderna - ya que antiguamente se lo apoyaba en la tapa armónica. Se presume que la sexta cuerda o última cuerda fue añadida al instrumento en 1790 por Jacob Otto de Jena, quien fue el primero en construir guitarras en Alemania después de su introducción desde Italia en 1788, por la duquesa Amalia de Weimar. Según Otto, fue el Kapellmeister Naumann de Dresden quien le solicitó le fabricara una guitarra de seis cuerdas, de acuerdo a como se practicaba en Italia.

El alemán añadió el último Mi, una cuerda entorchada. La guitarra original traída desde Italia por la duquesa Amalia tenía cinco cuerdas, siendo sólo la quinta cuerda entorchada. Otto también cubrió la cuarta cuerda de metal, obteniendo de tal modo un sonido más brillante. Sin embargo, en España ya existían guitarras y vihuelas de seis cuerdas en el siglo XVI; Juan Bermudo y otros ya describieron estos instrumentos. La última cuerda solía estar afinada en Sol. Otras guitarras españolas de la misma época tenían cuatro, cinco, e incluso siete órdenes - o pares de cuerdas - al unísono. Estos instrumentos eran siempre tañidos con los dedos.

La guitarra se desarrollo a partir de la cithara, tanto estructural como etimológicamente. Frecuentemente se sostiene que los árabes fueron los que introdujeron la guitarra a España con las invasiones de los Moros. Sin embargo, no existe ninguna documentación específica y existen muchas dudas con respecto a esta postura. No existen indicios entre los instrumentos árabes de uno igual o similar a la guitarra en construcción y forma, aunque los antiguos egipcios conocían una guitarra con lados suaves y curvos.


La guitarra se desarrollo a partir de la cithara, tanto estructural como etimológicamente. Frecuentemente se sostiene que los árabes fueron los que introdujeron la guitarra a España con las invasiones de los Moros. Sin embargo, no existe ninguna documentación específica y existen muchas dudas con respecto a esta postura. No existen indicios entre los instrumentos árabes de uno igual o similar a la guitarra en construcción y forma, aunque los antiguos egipcios conocían una guitarra con lados suaves y curvos.

Existe también evidencias, y este es un claro ejemplo, de una guitarra con lados suaves y curvos, varetas y un mástil largo provisto de varios trastes, encontrada en un bajorrelieve de los Hititas en la colina de Euyuk (año 1000 a.C.) en Cappadocia, Siria (esta región hoy en día se conoce como Asia Menor). A menos que otros monumentos de menor antigüedad salgan a la luz con evidencias de guitarras con suaves curvaturas y soportes de madera en la tapa armónica, se puede sustentar que el instrumento, que requería de cierto grado de destreza en su construcción, murió en Egipto y guitarra 5 cuerdasAsia antes de la aparición de la Grecia Clásica, de tal manera este instrumento tuvo que evolucionar necesariamente de uno nuevo como la cíthara de los griegos en Asia Menor.


Que la evolución haya ocurrido durante el Imperio Bizantino o en Siria es razonable y se adecua a las tradiciones de los griegos y su devoción hacia la cíthara, lo cual los llevó a adaptar el mástil y hacer nuevas mejoras al instrumento, en vez de adoptar el rebab, el tanbur o el barbiton de los persas y árabes. De hecho, parece que esto es lo que ha acontecido en realidad. No obstante, en el siglo XIV, en una enumeración de instrumentos musicales realizada por el Archipreste de Hita, una guitarra morisca es mencionada y desfavorable a nuestro supuesto se la compara con la guitarra latina; pero, los árabes de hoy en día siguen tocando un instrumento cuyo nombre es kuitra (que en el Norte de África sería guithara), pero tiene un fondo bombeado, su caja tiene la forma de media pera y con un mástil bastante largo; las cuerdas son tocadas por púas o plectros. El instrumento árabe por lo tanto, pertenece a otra familia, y admitirlo como el ancestro de la guitarra española sería una hipótesis tan engañosa como aquella que asevera que la guitarra deriva del laúd.

La palabra guitarra puede ser una modificación de la palabra griega k i q a r a (kithara). La diferencia en la construcción de la guitarra y la cíthara no es tan sustancial como podría parecer a primera vista. Los dos pertenecen a la familia de instrumentos de cuerda pulsada que se distinguen por una caja de resonancia con fondo plano. La cíthara tiene sus cuerdas soportadas por un marco y la guitarra por el puente. Sin embargo, esta diferencia a la vista conspicua, no es de importancia acústica. Es posible, de hecho, que la guitarra sea un descendiente distante pero directo de la cíthara en su última forma romana. Durante la época del oscurantismo la lira clásica, en virtud de su fondo bombeado tenía afinidades con la familia del laúd, pero tendió a declinar en favor de la cíthara y los nombres empezaron a confundirse entre sí.


Por ejemplo, es evidente que los primeros instrumentos medievales que eran descendientes de la cíthara posclásica, como las varias formas de la chrotta o rota, frecuentemente fueron descritas por el nombre de lira. La lira durante el renacimiento aparentemente era un instrumento muy diferente, pero en realidad no era otra casa que la lira medieval sin marco y con cuerdas que eran soportadas sólo por el mástil. La hipótesis que la cíthara y la guitarra estén vinculadas por el mismo curso de evolución es en cierta magnitud apoyada por evidencia terminológica. Siempre se realizó una distinción entre la guitarra latina y la guitarra morisca o sarracena. A la primera se referían los instrumentos construidos con caja de resonancia plana como la guitarra y su pariente bastante cercano, la vihuela; mientras que la guitarra morisca fue siempre referida a los instrumentos de fondo cóncavo, común a la familia del laúd.

Con estas consideraciones se puede concluir que la guitarra es el descendiente en suelo europeo de un instrumento romano, es decir la cíthara que además tiene un nombre con una afinidad etimológica importante y que fue llevada a España por los romanos aproximadamente en el año 400 d.C.; teniendo en cuenta que el laúd siempre ha sido considerado por consentimiento común, un instrumento Oriental transferido a la Europa Medieval por la civilización pérsico-árabe durante la ocupación de los Moros en España en el siglo VIII.


Recopilando varios indicios que nos han legado diferentes escritores españoles, obtenemos una pista a la identidad de los instrumentos medievales que, en ausencia de una prueba absoluta, se pueden tomar en bastante consideración. De los escritos del español Juan Bermudo, citado anteriormente, aprendemos que la guitarra y la vihuela de mano eran prácticamente idénticas, difiriendo sólo en su afinación y de vez en cuando en el número de cuerdas. Se conocían tres tipos de vihuelas en la España de la Edad Media, distinguidas como vihuela da arco, vihuela da mano y vihuela da penola. Estudiosos españoles que han cuestionado este estado de identidad entre la guitarra y la vihuela manifiestan que la guitarra latina fue posteriormente conocida como vihuela de mano, una declaración totalmente apoyada por otra evidencia.

Como la kuitra árabe se tocaba con una púa, no nos alejaríamos de la realidad identificándola con la vihuela de pénola. La palabra vihuela o vigola está íntimamente ligada a la palabra latina fidicula o fides, un instrumento de cuerdas mencionado por Cicero, que era construido con la madera de cierto árbol semejante a un plátano silvestre y que poseía además varias cuerdas. Otra señal en esta cadena de identificación nos proporciona San Isidoro, obispo de Sevilla en el siglo VII, quien sostiene que fidicula es otra designación para citara, "Veteres aut citharas fidicula vel fidice nominaverunt". La fidicula era por consiguiente la citara, ya sea en su forma clásica original o en una de esas transiciones que la llevó a convertirse en la guitarra.

Se explica de esta manera la existencia de un instrumento de mayor supremacía como la guitarra latina en contraste con la guitarra morisca. La guitarra en consecuencia proviene directamente de la cíthara clásica que introdujeron los romanos a España; ese arquetipo de eminente belleza que sirvió de base además para las perfectas proporciones y delicada estructura del violín. En un inventario realizado por Philip van Wilder sobre los instrumentos que pertenecieron a Enrique VIII se encuentra la siguiente cita que aclara nuestra cuestión: "foure gitterons with iiii. cases they are called Spanishe Vialles". Vial o viol era el equivalente inglés de vihuela.

Las transiciones donde la cithara adquirió un mástil y se convirtió en una guitarra se representan admirablemente en las miniaturas grabadas en el célebre Salterio Utrecht (Salterio es un libro canónico que contiene salmos), que dio lugar a tantas discusiones. El Salterio Utrecht se ejecutó en la diócesis de Reims en el Siglo IX, y las miniaturas, dibujadas por un artista anglosajón de la escuela de Reims son únicas, e ilustran el Salterio, salmo a salmo. Es evidente que el artista anglosajón dotado de un talento extraordinario y gran imaginación, se inspiró a partir de un antiguo salterio griego ilustrado perteneciente a los cristianos del Oriente, donde la evolución de la guitarra tuvo lugar.

Una de las representaciones más tempranas de una guitarra se encuentra en Europa Occidental, en un Pasional de Zwifalten, en el año 1180 D.C., que hoy en día está archivado en la Real Biblioteca de Stuttgart. En esta representación se ve a la Santa Virgen de Pelagia sentada en un jumento con una rotta entre sus manos, o una cithara en transición, mientras uno de sus sirvientes que encabeza la caravana sostiene una guitarra. Los dos instrumentos tienen tres cuerdas y las características de una guitarra con bordes de suave curvatura, con la rotta difiriendo al no tener un mástil.

El matemático Mersenne describe a principios del siglo XVII dos guitarras españolas, una de cuatro y la otra de cinco cuerdas; la primera tenía una cabeza similar a la de una cittern, y la última con la cabeza echada hacia atrás en un ángulo obtuso con respecto al mástil, como en la guitarra moderna. También menciona la tablatura italiana, francesa y española que probablemente ya gozaban de cierta popularidad y estaban en boga en Francia, Italia, así como en España. Mersenne sostiene que las proporciones de la guitarra exigían que la longitud del mango, desde la cejuela hasta la boca debería ser igual a la longitud de la caja desde su extremo inferior hasta el centro de la boca.

En el famoso Pórtico de la Gloria, en la Catedral de Santiago de Compostela, donde los peregrinos de la edad media llegaban de toda Europa para venerar al apóstol Santiago, se encuentra una escultura de Santiago y la imagen de Jesucristo que es rodeada por 24 ancianos y todos ellos con instrumentos musicales.

Entre todos estos instrumentos se puede identificar uno que tiene la forma de una guitarra, y se asume que representaría la vihuela original, una antigua viol española. Sus lados son curvos, pero no existe un arco que sea sostenido junto al instrumento; sin embargo, esta no es prueba alguna que se hacía uso del arco desde que el escultor lo pudo haber omitirlo. Una copia de esta obra maestra se encuentra hoy en día en el Museo Victoria y Alberto de Londres. Este pórtico fue construido el año 1188 por el artista Mateo. Cien años más tarde se tienen pruebas que existían varios tipos de vihuelas, y en algunas de ellas con certeza no se usaba el arco para tocarlas.

En el siglo XIV dos nombres se usaban en España: guitarra latina y guitarra morisca. Estos nombres aparecen varias veces en los poemas del Arcipreste de Hita (1283 ? - 1350) y ya eran conocidos en Francia hacia el año 1349. La guitarra sarracena ya fue mencionada también el año 1300. La obra Tres Libros de Música en Cifras para Vihuela, publicada en Sevilla el año 1546 por Alonso Mudarra, es la primera en incluir composiciones para una guitarra de cuatro órdenes.

Miguel de Fuenllana también incluye composiciones para este instrumento en su libro de tablatura Libro de música para Vihuela intitulado Orphenica lyra, publicado en Sevilla en 1554. La guitarra se la denominaba "española" cuando empezó a hacerse de cinco órdenes regularmente.


El "inventor" de este instrumento por largo tiempo se creyó que era el español Vicente Espinel (), autor de la novela picaresca "La Vida de Marcus Obregon, Esquire", que Le Sage la rescribió convirtiéndola en "Las Aventuras de Gil Blas". Quién se encargó de atribuir esta invención a Espinel fue el dramaturgo Lope de Vega; esta declaración es refutada por Doisi de Velasco (1640) y Gaspar Sanz (1684) en sus tratados sobre la guitarra española. En contra de Espinel está el hecho que, once años antes de su nacimiento, Bermudo que escribe en 1544, menciona una guitarra de cinco órdenes. Espinel, no obstante, si no fue el inventor de la guitarra española de cinco órdenes, ha sido probablemente quien se encargó de hacer de ella un instrumento popular tanto en la clases alta y baja de España.

Para fines del siglo XVI, cuando la música de contrapunto empezó a declinar, la guitarra española comenzó a ganar una mayor aceptación. Y no es que la guitarra era o es incapaz de tocar el efecto de contrapunto; ya que hoy en día un buen guitarrista cambiando la afinación de algunas cuerdas es capaz de tocar las más complicadas fantasías de los vihuelistas españoles. El tratado más antiguo sobre la guitarra española es aquel de Juan Carlos Amat, publicado en Barcelona, (en 1586 y ediciones posteriores). El instrumento prontamente se hizo conocido en Italia. La "Intavolatura di chitarra alla spagnuola" de G. A. Colonna apareció en 1620.

En Francia el método de Luiz de Brizeño fue publicado en 1626 (París, Pierre Ballard). Asimismo, numerosos trabajos aparecieron en España, Francia e Italia durante el siglo XVII. A mediados del siglo XVI la guitarra ya empezó a ser popular en estos países (España, Francia e Italia). De hecho, un autor anónimo francés sobre un tratado de como tocar laúdes y gitterns, publicado en 1556, declaró lo siguiente: durante los pasados 12 a 15 años "todos" tocan la guiterne y el laúd está prácticamente fuera de uso.


Las primeras guitarras tenían una caja de resonancia más pequeña y el fondo menos profundo que nuestras guitarras de hoy en día, las escotaduras laterales eran menos pronunciadas, el mástil más largo y angosto, terminando en una cabeza plana con clavijas de madera para cuatro órdenes de cuerdas; un cordón para la chanterelle (1º cuerda) y las 3 últimas en pares - era un instrumento esbelto y elegante. Adrián LeRoy, escribe a mediados del siglo XVI, y confirma que tenían 4 órdenes de cuerdas afinadas en intervalos de una 4ta, una 3ra mayor, y una 4ta. Esta es la afinación que Bermudo guitarra vista frontal y lateralse refería como la "nueva" afinación, y que correspondía a aquella de las cuatro cuerdas intermedias del laúd y la vihuela.

La "antigua" afinación difería de la nueva solamente en que la última o cuarta cuerda se afinaba un tono más bajo. La nueva y antigua afinación es mencionada por Alonso de Mudarra en sus "Tres libros de música en cifras para vihuela" que datan de 1546. La afinación más común para las guitarras de cuatro órdenes era c0 f 0 a0 d1 (añadiendo G0 y g1 se tienen los afinaciones modernas del laúd y la vihuela). Praetorius en 1618 nombra la siguiente afinación: f 0 b0 d1 g1. En la época que el quinto orden fue adoptado, el instrumento empezó a conocerse fuera de España como la guitarra española; se estableció rápidamente en Italia ganando popularidad y prontamente se difundió por toda Europa.

La nueva cuerda era afinada una 4ta más baja que la cuerda en c0, es decir, G0. De acuerdo a Trichet, 1640, que todavía usaba el antiguo término de gittern, manifiesta que la guitarra se tocaba bastante en Francia e Italia, pero más aun en España; él comenta que el espesor desde la tapa armónica hasta el fondo era de 3 a 4 dedos, el mástil tenía un espesor de 3 dedos y con 8 trastes, la boca poseía una roseta; también menciona la guitarra de cinco órdenes, todas en pares excepto por la chanterelle, y el hecho que también pudieran construirse guitarras con el fondo bombeado como la guitarra batente y Chitarra Batente Giorgio Sellas. Poco tiempo después, la chanterelle también fue duplicada, y este tipo de encordadura se mantuvo vigente hasta mediados del siglo XVIII, pero la afinación se subió en un tono durante el siglo XVII a A0 d0 g0 b0 e1. Espinel hizo uso de las dos afinaciones, de tono alto y bajo, pero desde la época de Ribayez (en 1677) la afinación de tono más alto prevaleció.

En España la guitarra fue un instrumento de la clase media, en contraste con la vihuela que era tocada por la aristocracia. De acuerdo a Praetorius, en Italia era un instrumento en mano de charlatanes y saltimbanchi, pero para fines del siglo XVII, se convirtió en un instrumento de moda, especialmente en Francia, que se dice fue introducida por los actores italianos a París.

Fabricantes como Stradivarius y Tielke no dudaron en construir estos instrumentos, muchas veces excesivamente ornamentados.

En el siglo XVIII la guitarra se convirtió en un instrumento para los principiantes, por lo tanto la encordadura se hizo más simple: los cinco pares de cuerdas abrieron curso a las seis cuerdas simples, afinadas E0 A0 d0 g0 b0 e1, como hoy en día.

En el siglo XIX las clavijas de madera fueron remplazadas por tornillos metálicos, se amplió la caja de resonancia aumentando las escotaduras laterales, engrosando la caja y se abandonó el uso de rosetas en la boca.


En el siglo XVII Italia fue indiscutiblemente el centro de la guitarra, pero en el siguiente siglo nacerían otros centros guitarrísticos, como Francia, y en especial Alemania. Lo que dio lugar al surgimiento de la guitarra en Alemania, donde la música barroca llegó a un punto culminante con los maestros Bach y Haendel, fue que el uso del laúd se torno impracticable ya que llegó a tener hasta 24 cuerdas y la técnica necesaria demandaba muchos esfuerzos del ejecutante; entonces los músicos se dieron cuenta y se decidieron por tocar la guitarra, que era un instrumento más noble. Esto permitió que la guitarra se expandiera por otros países del este de Europa como Holanda, Bélgica, Polonia, Checoslovaquia, y Rusia. A fines del siglo XVIII y principios del siglo XIX la guitarra española se convirtió en un instrumento en boga en todo el continente europeo.


Sin duda el paso más grande que se dio en el siglo XVIII fue la adición de la sexta cuerda, que como se dijo anteriormente fue Jacob Otto de Jena quien la añadió, pero que probablemente ya era usada en Italia. En el siglo XIX, la guitarra alcanzaría su punto máximo de desarrollo; varios fueron los factores que permitieron el desarrollo de la guitarra. Los cambios sociales a causa de la Revolución Industrial, ayudaron en sobremanera al establecimiento de la guitarra, las mejoras en los medios de transporte como los trenes, permitió el desplazamiento de los concertistas y por consiguiente el divulgamiento de sus obras.partitura antigua

El personaje más importante de esta época es sin duda el español Fernando Sor (). Aunque Sor fue un gran compositor escénico, sobresalió por sus composiciones para guitarra. Después de la Guerra Peninsular llevó la guitarra con gran suceso a Inglaterra. Sus composiciones de gran acogida relegaron la guitarra inglesa o citra (Fr. cistre, Al. Zither, It. Cetera). Este instrumento era diferente en forma, una cittern con cuerdas metálicas, de seis órdenes, dos de ellas simples y otras cuatro de pares de alambre metálico afinadas al unísono. La música se escribía tal como sonaba, una octava más baja: c0 e0 g0 c1 e1 g1. La técnica usada para este instrumento era muy simple, únicamente se requerían el índice y el pulgar para herir las cuerdas, o sino un plectro; mientras las dificultades técnicas de la guitarra española, en manos de un concertista serio, competían con aquellas del laúd.

Entre otros exponentes de la escuela del expresionismo están el español Dionisio Aguado, y los Italianos Ferdinando Carulli, Mateo Carcassi y Mauro Giuliani que compuso un concierto para la chitarra terz, un instrumento con un mástil más pequeño, afinado una 3ra menor más alto. Este concierto publicado por Diabelli en Viana, más tarde sería trascrito al piano forte por Hummel. Giuliani también compuso dúos para guitarra y flauta.

Otros compositores de renombre fueron Luigi Legnani, Kreutzer, Nüske, Regondi y el célebre compositor alemán Leonhard Schülz. Berlioz y Paganini eran guitarristas; la influencia de la guitarra en Berlioz se refleja en los espaciamientos de sus acordes. Los cuartetos para guitarra y cuerdas de Paganini muestran que conocía las inmensas posibilidades de color al combinar la guitarra con el violín y viola.

En España se dieron a conocer otros guitarristas como Julián Arcas y Napoleón Coste que se vinculó con Aguado, Sor y Carcassi. También aportaron al instrumento guitarristas como Johann Kaspar Mertz, Zani de Ferranti, Matteo Bavilaqua, Wenzeslaus Matiegka, Johann Bayer, Joseph Küffner, Johann Kapeller, etc.

La historia de la guitarra moderna llega a su cumbre con la figura del legendario Francisco Tárrega (nace en Villareal, 1852; muere en Barcelona, 1909), un connotado guitarrista y creador de la escuela moderna de la guitarra. Sus innovaciones no dependieron, como se dice, de tocar con las uñas o con la yema de los dedos, sino en el posicionamiento de las manos y los dedos, y la manera de pulsar las cuerdas. Tiene primordial importancia y Tárrega y sus discípulos dieron particular énfasis en el uso de la mano derecha. La preocupación de Tárrega era la de conseguir un mayor volumen en el sonido de la guitarra, en sus esfuerzos estudio los mecanismos del piano, y trato de comparar la pulsación de los dedos de la mano derecha que vendrían a cumplir en la guitarra la función de los martilletes del piano los cuales producen el sonido.


Anteriormente a Tárrega, los músicos pensaban en la guitarra como un instrumento concebido para acompañamiento, usado por la gente en fusión con sus cantos y serenatas. El error consistía que la guitarra popular era confundida con la guitarra como instrumento musical creado para ser tocado en solos. Las transcripciones de Tárrega de la música de Bach, Beethoven, Mozart, Haydn y compositores españoles como Albéniz y Malats mostraron las grandes posibilidades del instrumento.

El mismo Albéniz, escuchando sus composiciones tocadas por Tárrega y transcritas para guitarra, dijo que eran superiores a sus versiones para piano. Las transcripciones de Tárrega que varios guitarristas las ejecutaban en numerosos conciertos, despertaron el interés de otros músicos, incluyendo Falla, Turina, Ponce, Villa-Lobos, Broqua, Castelnuovo-Tedesco y Manén, que probablemente ellos mismos nunca pensaron en componer para la guitarra. Uno de los discípulos de Tárrega fue el afamado guitarrista Miguel Llobet que brindó conciertos en las grandes ciudades de Europa, América del Sur y Estados Unidos; otros discípulos de Tárrega fueron Emilio Pujol y Daniel Fortea.

A pesar de ser la guitarra un instrumento armónico de grandes capacidades tímbricas, tiene un rango bastante limitado comparada con el piano; consecuentemente, obras musicales de una textura polifónica bastante elaborada no pueden ser bien adaptadas en la guitarra. Sin embargo, muchos guitarristas confiesan que en la guitarra la música adquiere otros matices y un espectro casi infinito de sonidos, por lo tanto reconocen alegremente la deuda e inmensa gratitud que ellos y la guitarra le deben a Tárrega, el fundador de la escuela moderna de la guitarra.

Paralelamente a los trabajos de Tárrega por obtener una técnica más sólida en la guitarra, se encuentran los trabajos del luthier Antonio Torres Jurado () que con algunas sugerencias de Julián Arcas, perfeccionó la forma estructural de la guitarra aumentando la caja de resonancia y el ancho del mástil, e hizo entrever la importancia de la tapa armónica en la proyección del sonido, aumentando varetas en forma de abanico como soporte a la tapa armónica. La guitarra moderna que todos conocemos es el legado de este luthier español; es cierto que desde mediados del siglo XIX han existido algunos cambios, pero todos ellos insignificantes. Desde esa época España se ha caracterizado por el arte de fabricar guitarras y se ha convertido en una tradición de familias enteras como las familias Ramírez, Hernández, Arias, etc.

La guitarra todavía sobrevive en España, donde no sólo está en posesión de mendigos y copleros, sino que es considerada un instrumento muy serio, con una técnica bastante avanzada y grandes posibilidades en la música moderna. Tal vez nos viene a la memoria el legendario Andrés Segovia (nacido en 1890) que llevó a la guitarra a las grandes salas de concierto de todo el mundo, e influenció a que compositores modernos estudien la técnica de la guitarra y compongan para este instrumento, incluso conciertos para guitarra y orquesta como el de Castelnuovo-Tedesco. Un contemporáneo de Segovia fue Agustín Barrios, el más grande compositor e intérprete de guitarra de Sud América; nació en Paraguay y viajó por toda América y Europa. Sus composiciones alcanzan el número de 300 y son consideras por muchos guitarristas de un alto sentimiento musical.

Guitarristas como el español Narciso Yepeso Regino Sainz de la Maza quien fuera el primer guitarrista en tocar el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo en 1940 también sobresalen.

En las últimas décadas la técnica desarrollada por el uruguayo Abel Carlevaro ha dado muchas posibilidades al instrumento, han surgido grandes compositores modernos como el cubano Leo Brouwer, y un inmensurable número de intérpretes de todas las nacionalidades, entre los cuales sobresalen: Eduardo Fernández, David Russel, Manuel Barrueco, Eliot Fisk, Christopher Parkening, Kazuhito Yamashita, sólo por mencionar algunos. Al presente la guitarra es probablemente uno de los instrumentos que más se toca en todo el mundo; se dice que sólo en Japón existen más de seis millones de personas que tocan guitarra clásica.


Fuente: guitarrasbros.com/espanol/historiadelaguitarra.html